Lev Nikolaevich Vlasenko |

Lev Vlasenko

Existem cidades com méritos especiais perante o mundo musical, por exemplo, Odessa. Quantos nomes brilhantes doaram ao palco de concertos nos anos anteriores à guerra. Tbilisi, o local de nascimento de Rudolf Kerer, Dmitry Bashkirov, Eliso Virsalazze, Liana Isakadze e vários outros músicos proeminentes, tem algo de que se orgulhar. Lev Nikolaevich Vlasenko também iniciou sua trajetória artística na capital da Geórgia – uma cidade de longas e ricas tradições artísticas.

Como costuma acontecer com futuros músicos, sua primeira professora foi sua mãe, que já foi autodidata no departamento de piano do Conservatório de Tbilisi. Depois de algum tempo, Vlasenko vai para a famosa professora georgiana Anastasia Davidovna Virsaladze, graduada, estudando em sua classe, uma escola de música de dez anos, então o primeiro ano do conservatório. E, seguindo o caminho de muitos talentos, muda-se para Moscou. Desde 1948, ele está entre os alunos de Yakov Vladimirovich Flier.

Estes anos não são fáceis para ele. Ele é aluno de duas instituições de ensino superior ao mesmo tempo: além do conservatório, Vlasenko estuda (e conclui com sucesso seus estudos no devido tempo) no Instituto de Línguas Estrangeiras; O pianista é fluente em inglês, francês, italiano. E, no entanto, o jovem tem energia e força suficientes para tudo. No conservatório, ele se apresenta cada vez mais em festas estudantis, seu nome se torna conhecido no meio musical. No entanto, espera-se mais dele. De fato, em 1956, Vlasenko ganhou o primeiro prêmio no Concurso Liszt em Budapeste.

Dois anos depois, ele novamente participa do concurso de músicos performáticos. Desta vez, em sua casa em Moscou, no I Concurso Internacional Tchaikovsky, o pianista conquistou o segundo lugar, deixando para trás apenas Van Cliburn, então no auge de seu enorme talento.

Vlasenko diz: “Pouco depois de me formar no conservatório, fui convocado para as fileiras do Exército Soviético. Por cerca de um ano não toquei no instrumento - vivi com pensamentos, ações e preocupações completamente diferentes. E, claro, bastante nostálgico pela música. Quando fui desmobilizado, comecei a trabalhar com energia triplicada. Aparentemente, na minha atuação havia então algum tipo de frescor emocional, força artística não gasta, sede de criatividade de palco. Sempre ajuda no palco: me ajudou naquela época também.

O pianista diz que costumava ser questionado: em qual das provas – em Budapeste ou Moscou – ele teve mais dificuldade? “Claro, em Moscou”, respondeu ele nesses casos, “o Concurso Tchaikovsky, no qual me apresentei, foi realizado pela primeira vez em nosso país. primeiro – isso diz tudo. Ele despertou grande interesse - reuniu os músicos mais proeminentes, tanto soviéticos quanto estrangeiros, no júri, atraiu o maior público, ficou no centro das atenções do rádio, da televisão e da imprensa. Foi extremamente difícil e responsável tocar nesta competição – cada entrada ao piano valia muita tensão nervosa…”

Vitórias em competições musicais conceituadas – e o “ouro” conquistado por Vlasenko em Budapeste, e sua “prata” conquistada em Moscou foram consideradas grandes vitórias – abriram para ele as portas do grande palco. Ele se torna um concertista profissional. Suas apresentações em casa e em outros países atraem inúmeros ouvintes. Ele, porém, não recebe apenas sinais de atenção como músico, dono de valiosas insígnias laureadas. A atitude em relação a ele desde o início é determinada de forma diferente.

Existem no palco, como na vida, naturezas que gozam de simpatia universal – diretas, abertas, sinceras. Vlasenko como artista entre eles. Você sempre acredita nele: se ele é apaixonado por interpretar uma obra, ele é verdadeiramente apaixonado, entusiasmado – tão entusiasmado; se não, ele não pode escondê-lo. A chamada arte da performance não é seu domínio. Ele não age e não dissimula; seu lema poderia ser: “Digo o que penso, expresso o que sinto”. Hemingway tem palavras maravilhosas com as quais caracteriza um de seus heróis: “Ele era verdadeiramente, humanamente belo por dentro: seu sorriso vinha do próprio coração ou do que se chama de alma de uma pessoa, e então alegre e abertamente chegava ao superfície, ou seja, iluminou o rosto” (Hemingway E. Além do rio, à sombra das árvores. – M., 1961. S. 47.). Ao ouvir Vlasenko em seus melhores momentos, acontece que você se lembra dessas palavras.

E mais uma coisa impressiona o público ao se encontrar com um pianista – seu palco sociabilidade. São poucos os que se fecham no palco, fecham-se em si mesmos pela excitação? Outros são frios, contidos pela natureza, isso se faz sentir em sua arte: eles, segundo uma expressão comum, não são muito “sociáveis”, mantêm o ouvinte como se estivessem distantes de si mesmos. Com Vlasenko, pelas peculiaridades do seu talento (seja artístico ou humano), é fácil, como que por si só, estabelecer contacto com o público. As pessoas que o ouvem pela primeira vez às vezes expressam surpresa – a impressão é que o conhecem há muito tempo e bem como artista.

Aqueles que conheceram de perto o professor de Vlasenko, o professor Yakov Vladimirovich Flier, argumentam que eles tinham muito em comum - um temperamento pop brilhante, generosidade de manifestações emocionais, uma maneira ousada e arrebatadora de tocar. Realmente foi. Não é por acaso que, tendo chegado a Moscou, Vlasenko tornou-se aluno de Flier e um dos alunos mais próximos; mais tarde, o relacionamento deles se transformou em amizade. No entanto, o parentesco das naturezas criativas dos dois músicos era evidente até mesmo em seu repertório.

Os veteranos das salas de concerto lembram-se bem de como Flier já brilhou nos programas de Liszt; há um padrão no fato de que Vlasenko também fez sua estreia com as obras de Liszt (competição em 1956 em Budapeste).

“Adoro este autor”, diz Lev Nikolaevich, “sua orgulhosa pose artística, nobre pathos, espetacular toga de romance, estilo oratório de expressão. Acontece que na música de Liszt sempre consegui me encontrar com facilidade … Lembro que desde muito jovem toquei com particular prazer.

Vlasenko, no entanto, não só começado de Liszt até o palco do grande concerto. E hoje, muitos anos depois, as obras deste compositor estão no centro dos seus programas – desde estudos, rapsódias, transcrições, peças do ciclo “Anos de Andanças” até sonatas e outras obras de grande formato. Assim, um evento notável na vida filarmônica de Moscou na temporada 1986/1987 foi a apresentação de Vlasenko de ambos os concertos para piano, “Dance of Death” e “Fantasy on Hungarian Themes” de Liszt; acompanhado por uma orquestra regida por M. Pletnev. (Esta noite foi dedicada ao 175º aniversário do nascimento do compositor.) O sucesso de público foi realmente grande. E não é de admirar. Brilhante bravura de piano, euforia geral de tom, alto “fala” de palco, afresco, estilo de tocar poderoso – tudo isso é o verdadeiro elemento de Vlasenko. Aqui o pianista aparece do lado mais vantajoso para si mesmo.

Há outro autor que não é menos próximo de Vlasenko, assim como o mesmo autor era próximo de seu professor, Rachmaninov. Nos cartazes de Vlasenko você pode ver concertos para piano, prelúdios e outras peças de Rachmaninoff. Quando um pianista está “na batida”, ele é muito bom nesse repertório: ele inunda o público com uma grande onda de sentimentos, “sobrecarrega”, como disse um dos críticos, com paixões agudas e fortes. Possui com maestria Vlasenko e timbres espessos de “violoncelo” que desempenham um papel tão importante na música para piano de Rachmaninov. Ele tem mãos pesadas e macias: pintura sonora com “óleo” está mais próxima de sua natureza do que “gráficos” sonoros secos; – pode-se dizer, seguindo a analogia iniciada com a pintura, que um pincel largo é mais conveniente para ele do que um lápis bem apontado. Mas, provavelmente, o principal em Vlasenko, já que falamos sobre suas interpretações das peças de Rachmaninov, é que ele capaz de abraçar a forma musical como um todo. Abrace livre e naturalmente, sem se distrair, talvez, com algumas pequenas coisas; foi exatamente assim que, aliás, Rachmaninov e Flier se apresentaram.

Por fim, há o compositor, que, segundo Vlasenko, se tornou quase o mais próximo dele ao longo dos anos. Este é Beethoven. De fato, as sonatas de Beethoven, principalmente Pathétique, Lunar, Segunda, Décima Sétima, Appassionata, Bagatelles, ciclos de variação, Fantasia (Op. 77), formaram a base do repertório de Vlasenko dos anos setenta e oitenta. Um detalhe interessante: não se referindo a si mesmo como um especialista em longas conversas sobre música – para aqueles que sabem e gostam de interpretá-la em palavras, Vlasenko, no entanto, falou várias vezes com histórias sobre Beethoven na Central Television.

“Com a idade, acho este compositor cada vez mais atraente para mim”, diz o pianista. “Durante muito tempo tive um sonho – tocar um ciclo de cinco de seus concertos para piano.” Lev Nikolaevich realizou esse sonho, e com excelência, em uma das últimas temporadas.

É claro que Vlasenko, como um artista convidado profissional, se volta para uma grande variedade de músicas. Seu arsenal performático inclui Scarlatti, Mozart, Schubert, Brahms, Debussy, Tchaikovsky, Scriabin, Prokofiev, Shostakovich… Porém, seu sucesso neste repertório, onde algo está mais próximo dele, e algo mais distante, não é o mesmo, nem sempre estável e até. No entanto, não se deve surpreender: Vlasenko tem um estilo de atuação bastante definido, cuja base é um virtuosismo amplo e arrebatador; ele joga verdadeiramente como um homem – forte, claro e simples. Em algum lugar convence, e completamente, em algum lugar não é bem assim. Não é por acaso que, se você olhar mais de perto os programas de Vlasenko, notará que ele aborda Chopin com cautela …

falando sobre oо interpretadas pelo artista, é impossível não notar as de maior sucesso em seus programas dos últimos anos. Aqui está a sonata em Si menor de Liszt e os estudos-pinturas de Rachmaninov, a Terceira Sonata de Scriabin e a Sonata de Ginastera, as Imagens de Debussy e sua Ilha da Alegria, o Rondo em Mi bemol maior de Hummel e a Cordova de Albeniz... BA Arapov, recentemente aprendido por ele, bem como Bagatelles, Op. 1988 Beethoven, Prelúdios, op. 126 e 11 Scriabin (também obras novas). Nas interpretações dessas e de outras obras, talvez, as características do estilo moderno de Vlasenko sejam especialmente visíveis: a maturidade e a profundidade do pensamento artístico, combinadas com um sentimento musical vivo e forte que não se apagou com o tempo.

Desde 1952, Lev Nikolaevich ensina. A princípio, na Moscow Choir School, depois na Gnessin School. Desde 1957 ele está entre os professores do Conservatório de Moscou; em sua classe, N. Suk, K. Oganyan, B. Petrov, T. Bikis, N. Vlasenko e outros pianistas receberam um ingresso para a vida no palco. M. Pletnev estudou com Vlasenko por vários anos - em seu último ano no conservatório e como estagiário assistente. Talvez essas tenham sido as páginas mais brilhantes e emocionantes da biografia pedagógica de Lev Nikolaevich …

Ensinar significa responder constantemente a algumas questões, resolver inúmeros e inesperados problemas que a vida, a prática educativa e a juventude estudantil colocam. O que, por exemplo, deve ser levado em conta na seleção de um repertório didático-pedagógico? Como você constrói relacionamentos com os alunos? como conduzir uma aula para que seja o mais eficaz possível? Mas talvez a maior ansiedade surja para qualquer professor do conservatório em relação às apresentações públicas de seus alunos. E os próprios jovens músicos buscam persistentemente uma resposta dos professores: o que é preciso para o sucesso no palco? é possível de alguma forma preparar, “fornecer” isso? Ao mesmo tempo, verdades óbvias – como o fato de que, dizem, o programa deve ser suficientemente aprendido, tecnicamente “feito” e que “tudo deve dar certo e sair” – poucas pessoas podem ficar satisfeitas. Vlasenko sabe que, nesses casos, pode-se dizer algo realmente útil e necessário apenas com base em sua própria experiência. Só se você partir do experiente e experimentado por ele. Na verdade, é exatamente isso que aqueles a quem ele ensina esperam dele. “A arte é a experiência da vida pessoal, contada em imagens, em sensações”, escreveu AN Tolstoi, “ experiência pessoal que pretende ser uma generalização» (Tolstykh VI Arte e Moralidade. – M., 1973. S. 265, 266.). A arte de ensinar, mais ainda. Portanto, Lev Nikolaevich se refere de bom grado à sua própria prática performática – tanto na sala de aula, entre os alunos, quanto em conversas públicas e entrevistas:

“Algumas coisas imprevisíveis e inexplicáveis ​​estão constantemente acontecendo no palco. Por exemplo, posso chegar à sala de concertos bem descansado, preparado para a apresentação, confiante em mim mesmo – e o cravo passará sem muito entusiasmo. E vice versa. Posso subir no palco em tal estado que parece que não vou conseguir extrair uma única nota do instrumento – e o jogo vai “ir”. E tudo ficará fácil, agradável … Qual é o problema aqui? Não sei. E provavelmente ninguém sabe.

Embora haja algo a prever para facilitar os primeiros minutos de sua permanência no palco – e eles são os mais difíceis, inquietos, pouco confiáveis… – eu acho que ainda é possível. O que importa, por exemplo, é a própria construção do programa, seu layout. Todo artista sabe o quanto isso é importante – e precisamente em conexão com o problema do bem-estar pop. Em princípio, costumo começar um concerto com uma peça na qual me sinto o mais calmo e confiante possível. Ao tocar, procuro ouvir o mais próximo possível do som do piano; adaptar-se à acústica da sala. Resumindo, eu me esforço para entrar totalmente, mergulhar no processo performático, me interessar pelo que faço. Isso é o mais importante – se interessar, se deixar levar, se concentrar totalmente no jogo. Então a excitação começa a diminuir gradualmente. Ou talvez você simplesmente pare de perceber. A partir daqui já é um passo para o estado criativo que é necessário.

Vlasenko atribui grande importância a tudo que, de uma forma ou de outra, precede um discurso público. “Lembro-me de uma vez que estava conversando sobre esse assunto com a maravilhosa pianista húngara Annie Fischer. Ela tem uma rotina especial no dia do show. Ela não come quase nada. Um ovo cozido sem sal e pronto. Isso a ajuda a encontrar o estado psicofisiológico necessário no palco – nervosamente otimista, alegremente excitada, talvez até um pouco exaltada. Aparece aquela sutileza e nitidez especiais de sentimentos, absolutamente necessárias para um concertista.

Tudo isso, aliás, é facilmente explicado. Se uma pessoa está cheia, ela geralmente tende a cair em um estado de relaxamento complacente, não é? Em si, pode ser agradável e “confortável”, mas não é muito adequado para se apresentar para uma platéia. Pois apenas aquele que está internamente eletrificado, que tem todas as suas cordas espirituais vibrando tensamente, pode evocar uma resposta do público, empurrá-lo para a empatia…

Portanto, às vezes acontece a mesma coisa, como já mencionei acima. Parece que tudo contribui para uma atuação de sucesso: o artista sente-se bem, interiormente calmo, equilibrado, quase confiante nas suas próprias capacidades. E o concerto é incolor. Não há corrente emocional. E o feedback do ouvinte, é claro, também…

Em suma, é preciso depurar, pensar no dia a dia na véspera do espetáculo – em especial, a alimentação – é preciso.

Mas, claro, este é apenas um lado da questão. Bastante externo. Falando em linhas gerais, toda a vida de um artista – idealmente – deve ser tal que ele esteja sempre, a qualquer momento, pronto para responder com sua alma ao sublime, espiritualizado, poeticamente belo. Provavelmente, não há necessidade de provar que uma pessoa que se interessa por arte, que gosta de literatura, poesia, pintura, teatro, está muito mais disposta a sentimentos elevados do que uma pessoa comum, cujos interesses estão todos concentrados na esfera do ordinário, material, cotidiano.

Jovens artistas costumam ouvir antes de suas apresentações: “Não pense no público! Isso interfere! Pense no palco apenas sobre o que você mesmo está fazendo…”. Vlasenko diz sobre isso: “É fácil aconselhar …”. Ele está bem ciente da complexidade, ambiguidade, dualidade desta situação:

“Existe uma audiência para mim pessoalmente durante uma apresentação? Eu a noto? Sim e não. Por um lado, quando você entra completamente no processo de atuação, é como se não pensasse no público. Você se esquece completamente de tudo, exceto o que faz no teclado. E ainda… Todo músico de concerto tem um certo sexto sentido – “um senso de público”, eu diria. E, portanto, a reação de quem está no corredor, a atitude das pessoas em relação a você e ao seu jogo, você sente constantemente.

Você sabe o que é mais importante para mim durante um show? E o mais revelador? Silêncio. Pois tudo pode ser organizado – tanto a publicidade quanto a ocupação das instalações, e aplausos, flores, parabéns, e assim por diante, tudo menos o silêncio. Se o salão congelou, prendeu a respiração, significa que algo realmente está acontecendo no palco – algo significativo, emocionante …

Quando sinto durante o jogo que captei a atenção do público, sinto uma enorme explosão de energia. Serve como uma espécie de droga. Esses momentos são uma grande felicidade para o intérprete, o derradeiro dos seus sonhos. No entanto, como qualquer grande alegria, isso acontece com pouca frequência.

Acontece que Lev Nikolayevich é questionado: ele acredita na inspiração do palco – ele, um artista profissional, para quem se apresentar para o público é essencialmente um trabalho que vem sendo executado regularmente, em grande escala, há muitos anos … “De claro, a palavra “inspiração” em si » totalmente desgastada, estampada, desgastada pelo uso frequente. Com tudo isso, acredite, todo artista está pronto para quase rezar por inspiração. A sensação aqui é única: como se você fosse o autor da música que está sendo executada; como se tudo nele fosse criado por você mesmo. E quantas coisas novas, inesperadas e verdadeiramente bem-sucedidas nascem nesses momentos no palco! E literalmente em tudo – na coloração do som, fraseado, nas nuances rítmicas, etc.

Digo o seguinte: é perfeitamente possível dar um concerto bom e profissionalmente sólido, mesmo na ausência de inspiração. Existem muitos desses casos. Mas se a inspiração vier ao artista, o concerto pode tornar-se inesquecível…”

Como você sabe, não existem maneiras confiáveis ​​\uXNUMXb\uXNUMXbde evocar inspiração no palco. Mas é possível criar condições que, de qualquer forma, seriam favoráveis ​​​​a ele, preparariam o terreno apropriado, acredita Lev Nikolayevich.

“Antes de tudo, uma nuance psicológica é importante aqui. Você precisa saber e acreditar: o que você pode fazer no palco, ninguém mais fará. Que não seja assim em todo o lado, mas apenas num certo repertório, nas obras de um ou dois ou três autores – não importa, não é esse o ponto. O principal, repito, é o próprio sentimento: do jeito que você joga, o outro não vai jogar. Ele, esse “outro” imaginário, pode ter uma técnica mais forte, um repertório mais rico, uma experiência mais extensa – qualquer coisa. Mas ele, porém, não vai cantar a frase do jeito que você canta, não vai achar um tom de som tão interessante e sutil…

A sensação da qual estou falando agora deve ser familiar para um músico de concerto. Inspira, levanta, ajuda nos momentos difíceis no palco.

Muitas vezes penso em meu professor Yakov Vladimirovich Flier. Ele sempre tentava animar os alunos – fazia-os acreditar em si mesmos. Nos momentos de dúvida, quando nem tudo correu bem connosco, de alguma forma incutiu boa disposição, optimismo e boa disposição criativa. E isso trouxe para nós, alunos de sua classe, um benefício indubitável.

Acho que quase todo artista que se apresenta em um grande palco de concertos está convencido no fundo de sua alma de que toca um pouco melhor do que os outros. Ou, em todo o caso, talvez consiga jogar melhor… E não há que culpar ninguém por isso – há uma razão para este auto-ajuste.

… Em 1988, um grande festival internacional de música aconteceu em Santander (Espanha). Atraiu atenção especial do público - entre os participantes estavam I. Stern, M. Caballe, V. Ashkenazy e outros proeminentes artistas europeus e estrangeiros. Os concertos de Lev Nikolaevich Vlasenko foram realizados com verdadeiro sucesso no âmbito deste festival musical. Os críticos falaram com admiração de seu talento, habilidade, sua feliz capacidade de "se deixar levar e cativar ..." Apresentações na Espanha, como as outras turnês de Vlasenko na segunda metade dos anos oitenta, confirmaram de forma convincente que o interesse por sua arte não havia diminuído. Ele ainda ocupa um lugar de destaque na vida moderna de concertos, soviéticos e estrangeiros. Mas manter este lugar é muito mais difícil do que conquistá-lo.

G. Tsypin, 1990