Roberto Schumann |

Robert Schumann

Iluminar as profundezas do coração humano – tal é a vocação do artista. R.Schumann

P. Tchaikovsky acreditava que as gerações futuras chamariam o século XNUMX. O período de Schumann na história da música. E, de fato, a música de Schumann capturou o principal na arte de seu tempo - seu conteúdo eram os "processos misteriosamente profundos da vida espiritual" do homem, seu objetivo - a penetração nas "profundezas do coração humano".

R. Schumann nasceu na cidade provinciana saxônica de Zwickau, na família do editor e livreiro August Schumann, que morreu cedo (1826), mas conseguiu transmitir ao filho uma atitude reverente em relação à arte e o incentivou a estudar música com o organista local I. Kuntsch. Desde muito jovem, Schumann adorava improvisar ao piano, aos 13 anos escreveu um Salmo para coro e orquestra, mas não menos que a música o atraiu para a literatura, em cujo estudo fez grandes progressos durante seus anos na O ginásio. O jovem com inclinação romântica não estava nem um pouco interessado em jurisprudência, que estudou nas universidades de Leipzig e Heidelberg (1828-30).

As aulas com o famoso professor de piano F. Wieck, assistir a concertos em Leipzig, conhecer as obras de F. Schubert contribuíram para a decisão de se dedicar à música. Com dificuldade em vencer a resistência de seus familiares, Schumann iniciou aulas intensivas de piano, mas uma doença na mão direita (devido ao treinamento mecânico dos dedos) encerrou sua carreira de pianista para ele. Com cada vez mais entusiasmo, Schumann se dedica a compor música, tem aulas de composição com G. Dorn, estuda a obra de JS Bach e L. Beethoven. Já as primeiras obras para piano publicadas (Variações sobre um tema de Abegg, “Borboletas”, 1830-31) mostravam a independência do jovem autor.

Desde 1834, Schumann tornou-se editor e depois editor do New Musical Journal, que visava lutar contra as obras superficiais de compositores virtuosos que inundavam o palco de concertos na época, com imitações artesanais dos clássicos, para uma arte nova e profunda , iluminado pela inspiração poética . Em seus artigos, escritos de forma artística original – muitas vezes na forma de cenas, diálogos, aforismos etc. – Schumann apresenta ao leitor o ideal da verdadeira arte, que ele vê nas obras de F. Schubert e F. Mendelssohn , F. Chopin e G Berlioz, na música dos clássicos vienenses, no jogo de N. Paganini e da jovem pianista Clara Wieck, filha de sua professora. Schumann conseguiu reunir ao seu redor pessoas afins que apareciam nas páginas da revista como Davidsbündlers - membros da “David Brotherhood” (“Davidsbund”), uma espécie de união espiritual de músicos genuínos. O próprio Schumann frequentemente assinava suas resenhas com os nomes dos fictícios Davidsbündlers Florestan e Eusébio. Florestan está sujeito a altos e baixos violentos da fantasia, a paradoxos, os julgamentos do sonhador Eusébio são mais suaves. No conjunto de peças características “Carnaval” (1834-35), Schumann cria retratos musicais dos Davidsbündlers – Chopin, Paganini, Clara (sob o nome de Chiarina), Eusébio, Florestan.

A mais alta tensão de força espiritual e os mais altos picos de gênio criativo (“Fantastic Pieces”, “Dances of the Davidsbündlers”, Fantasia in C major, “Kreisleriana”, “Novelettes”, “Humoresque”, “Vienense Carnival”) trouxeram Schumann segunda metade dos anos 30. , que passou sob o signo da luta pelo direito de união com Clara Wieck (F. Wieck impediu de todas as formas este casamento). Em um esforço para encontrar uma arena mais ampla para suas atividades musicais e jornalísticas, Schumann passa a temporada de 1838-39. em Viena, mas a administração Metternich e a censura impediram que a revista fosse publicada lá. Em Viena, Schumann descobriu o manuscrito da “grande” Sinfonia em dó maior de Schubert, um dos pináculos do sinfonismo romântico.

1840 – ano da tão esperada união com Clara – tornou-se para Schumann o ano das canções. Uma extraordinária sensibilidade para a poesia, um profundo conhecimento da obra de contemporâneos contribuíram para a realização em numerosos ciclos de canções e canções individuais de uma verdadeira união com a poesia, a personificação exata na música da entonação poética individual de G. Heine (“Círculo de Canções” op. 24, “O Amor do Poeta”), I. Eichendorff (“Círculo de Canções”, op. 39), A. Chamisso (“Amor e a Vida de uma Mulher”), R. Burns, F. Rückert, J. Byron, GX Andersen e outros. E, posteriormente, o campo da criatividade vocal continuou a crescer obras maravilhosas (“Seis Poemas de N. Lenau” e Requiem – 1850, “Canções de “Wilhelm Meister” de IV Goethe” – 1849, etc.).

A vida e obra de Schumann nos anos 40-50. fluiu em uma alternância de altos e baixos, em grande parte associados a surtos de doença mental, cujos primeiros sinais apareceram já em 1833. Surtos de energia criativa marcaram o início dos anos 40, o fim do período de Dresden (os Schumanns viveram em a capital da Saxônia em 1845-50. ), coincidindo com os eventos revolucionários na Europa e o início da vida em Düsseldorf (1850). Schumann compõe muito, leciona no Conservatório de Leipzig, inaugurado em 1843, e a partir do mesmo ano passa a se apresentar como regente. Em Dresden e Düsseldorf dirige também o coro, dedicando-se com entusiasmo a esta obra. Das poucas viagens feitas com Clara, a mais longa e impressionante foi uma viagem à Rússia (1844). Desde os anos 60-70. A música de Schumann rapidamente se tornou parte integrante da cultura musical russa. Ela era amada por M. Balakirev e M. Mussorgsky, A. Borodin e especialmente Tchaikovsky, que considerava Schumann o mais notável compositor moderno. A. Rubinstein foi um intérprete brilhante das obras para piano de Schumann.

Criatividade dos anos 40-50. marcado por uma expansão significativa da gama de gêneros. Schumann escreve sinfonias (Primeira – “Primavera”, 1841, Segunda, 1845-46; Terceira – “Reno”, 1850; Quarta, 1841-1ª edição, 1851 – 2ª edição), conjuntos de câmara (quarteto de 3 cordas – 1842, 3 trios , quarteto e quinteto de pianos, ensembles com a participação do clarinete – incluindo “Narrativas Fabulosas” para clarinete, viola e piano, 2 sonatas para violino e piano, etc.); concertos para piano (1841-45), violoncelo (1850), violino (1853); aberturas de concerto (“A Noiva de Messina” segundo Schiller, 1851; “Hermann e Dorothea” segundo Goethe e “Júlio César” segundo Shakespeare – 1851), demonstrando maestria no manejo das formas clássicas. O Concerto para Piano e a Quarta Sinfonia destacam-se pela ousadia na sua renovação, o Quinteto em Mi bemol maior pela excepcional harmonia de corporificação e inspiração do pensamento musical. Um dos pontos culminantes de toda a obra do compositor foi a música para o poema dramático de Byron “Manfred” (1848) – o marco mais importante no desenvolvimento do sinfonismo romântico no caminho de Beethoven a Liszt, Tchaikovsky, Brahms. Schumann também não trai seu amado piano (Forest Scenes, 1848-49 e outras peças) – é seu som que confere expressividade especial a seus conjuntos de câmara e letras vocais. A busca do compositor no campo da música vocal e dramática foi incansável (o oratório “Paraíso e Peri” de T. Moore – 1843; Cenas do “Fausto” de Goethe, 1844-53; baladas para solistas, coro e orquestra; obras de gêneros sagrados, etc.). A encenação em Leipzig da única ópera de Schumann, Genoveva (1847-48), baseada em F. Gobbel e L. Tieck, semelhante em enredo às óperas românticas “cavalheirescas” alemãs de KM Weber e R. Wagner, não lhe trouxe sucesso.

O grande acontecimento dos últimos anos da vida de Schumann foi seu encontro com Brahms, de vinte anos. O artigo “Novos Caminhos”, no qual Schumann previa um grande futuro para o seu herdeiro espiritual (sempre tratou os jovens compositores com extraordinária sensibilidade), completou a sua atividade publicitária. Em fevereiro de 1854, um grave ataque de doença levou a uma tentativa de suicídio. Depois de passar 2 anos em um hospital (Endenich, perto de Bonn), Schumann morreu. A maior parte dos manuscritos e documentos são guardados em sua Casa-Museu em Zwickau (Alemanha), onde são regularmente realizados concursos de pianistas, vocalistas e conjuntos de câmara com o nome do compositor.

A obra de Schumann marcou o estágio maduro do romantismo musical com sua maior atenção à incorporação dos complexos processos psicológicos da vida humana. Os ciclos vocais e de piano de Schumann, muitas das obras sinfônicas e instrumentais de câmara abriram um novo mundo artístico, novas formas de expressão musical. A música de Schumann pode ser imaginada como uma série de momentos musicais surpreendentemente amplos, capturando os estados mentais mutáveis ​​e altamente diferenciados de uma pessoa. Também podem ser retratos musicais, capturando com precisão tanto o personagem externo quanto a essência interna do retratado.

Schumann deu títulos programáticos a muitas de suas obras, que foram projetadas para estimular a imaginação do ouvinte e do intérprete. Seu trabalho está intimamente ligado à literatura – com o trabalho de Jean Paul (JP Richter), TA Hoffmann, G. Heine e outros. As miniaturas de Schumann podem ser comparadas com poemas líricos, peças mais detalhadas – com poemas, histórias românticas, onde histórias diferentes às vezes se entrelaçam de maneira bizarra, o real se transforma em fantástico, surgem digressões líricas, etc. Neste ciclo de fantasias para piano, assim como no ciclo vocal sobre os poemas de Heine “O Amor de um Poeta”, surge a imagem de um artista romântico, um verdadeiro poeta, capaz de sentir infinitamente agudo, “forte, ardente e terno ”, às vezes forçado a esconder sua verdadeira essência sob uma máscara de ironia e bufonaria, para depois revelá-la com ainda mais sinceridade e cordialidade ou mergulhar em pensamentos profundos … O Manfred de Byron é dotado por Schumann de nitidez e força de sentimento, a loucura de um impulso rebelde, em cuja imagem também há traços filosóficos e trágicos. Imagens da natureza liricamente animadas, sonhos fantásticos, lendas e lendas antigas, imagens da infância (“Cenas infantis” – 1838; piano (1848) e vocal (1849) “Álbuns para a juventude”) complementam o mundo artístico do grande músico, “ um poeta por excelência”, como o chamava V. Stasov.

E. Tsareva

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As palavras de Schuman “iluminar as profundezas do coração humano – este é o propósito do artista” – um caminho direto para o conhecimento de sua arte. Poucas pessoas se comparam a Schumann na penetração com que ele transmite com sons as mais sutis nuances da vida da alma humana. O mundo dos sentimentos é uma fonte inesgotável de suas imagens musicais e poéticas.

Não menos notável é outra declaração de Schumann: “Não se deve mergulhar muito em si mesmo, embora seja fácil perder uma visão nítida do mundo ao redor”. E Schumann seguiu seu próprio conselho. Aos vinte anos, ele começou a lutar contra a inércia e o filistinismo. (filisteu é uma palavra alemã coletiva que personifica um comerciante, uma pessoa com visões filisteus retrógradas sobre a vida, política, arte) em arte. Um espírito combativo, rebelde e apaixonado permeava suas obras musicais e seus ousados ​​e ousados ​​artigos críticos, que abriram caminho para novos fenômenos progressistas da arte.

Incompatibilidade com a rotina, a vulgaridade que Schumann carregou por toda a vida. Mas a doença, que se acentuava a cada ano, agravava o nervosismo e a sensibilidade romântica de sua natureza, muitas vezes atrapalhando o entusiasmo e a energia com que se dedicava às atividades musicais e sociais. A complexidade da situação sociopolítica ideológica na Alemanha naquela época também teve um efeito. No entanto, nas condições de uma estrutura estatal reacionária semifeudal, Schumann conseguiu preservar a pureza dos ideais morais, manter-se constantemente em si mesmo e despertar o ardor criativo nos outros.

“Nada real se cria na arte sem entusiasmo”, essas maravilhosas palavras do compositor revelam a essência de suas aspirações criativas. Artista sensível e profundamente pensante, não pôde deixar de responder ao apelo dos tempos, de sucumbir à influência inspiradora da era das revoluções e das guerras de libertação nacional que abalaram a Europa na primeira metade do século XNUMX.

A incomumidade romântica das imagens e composições musicais, a paixão que Schumann trouxe para todas as suas atividades, perturbou a paz sonolenta dos filisteus alemães. Não é por acaso que a obra de Schumann foi abafada pela imprensa e por muito tempo não encontrou reconhecimento em sua terra natal. O caminho da vida de Schumann foi difícil. Desde o início, a luta pelo direito de se tornar músico determinou o clima tenso e às vezes nervoso de sua vida. O colapso dos sonhos às vezes era substituído por uma súbita realização de esperanças, momentos de alegria aguda – depressão profunda. Tudo isso ficou impresso nas páginas trêmulas da música de Schumann.

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Para os contemporâneos de Schumann, sua obra parecia misteriosa e inacessível. Uma linguagem musical peculiar, novas imagens, novas formas – tudo isso exigia uma escuta muito profunda e uma tensão incomum para o público de salas de concerto.

A experiência de Liszt, que tentou promover a música de Schumann, terminou de forma bastante triste. Em uma carta ao biógrafo de Schumann, Liszt escreveu: “Muitas vezes tive um fracasso tão grande com as peças de Schumann, tanto em casas particulares quanto em concertos públicos, que perdi a coragem de colocá-las em meus pôsteres”.

Mas mesmo entre os músicos, a arte de Schumann chegava ao entendimento com dificuldade. Sem falar em Mendelssohn, para quem o espírito rebelde de Schumann era profundamente estranho, o mesmo Liszt – um dos artistas mais perspicazes e sensíveis – aceitou Schumann apenas parcialmente, permitindo-se liberdades como realizar “Carnaval” com cortes.

Somente a partir dos anos 50, a música de Schumann começou a se enraizar na vida musical e de concertos, a adquirir círculos cada vez mais amplos de adeptos e admiradores. Entre as primeiras pessoas que notaram seu verdadeiro valor estavam os principais músicos russos. Anton Grigoryevich Rubinshtein interpretou Schumann muito e com boa vontade, e foi justamente com a apresentação de “Carnaval” e “Symphonic Etudes” que causou grande impressão no público.

O amor por Schumann foi repetidamente testemunhado por Tchaikovsky e pelos líderes do Poderoso Punhado. Tchaikovsky falou de maneira especialmente penetrante sobre Schumann, observando a excitante modernidade da obra de Schumann, a novidade do conteúdo, a novidade do próprio pensamento musical do compositor. “A música de Schumann”, escreveu Tchaikovsky, “associando-se organicamente à obra de Beethoven e ao mesmo tempo separando-se nitidamente dela, abre-nos todo um mundo de novas formas musicais, toca cordas que seus grandes predecessores ainda não tocaram. Nele encontramos um eco daqueles misteriosos processos espirituais de nossa vida espiritual, aquelas dúvidas, desesperos e impulsos para o ideal que dominam o coração do homem moderno.

Schumann pertence à segunda geração de músicos românticos que substituíram Weber, Schubert. Schumann em muitos aspectos partiu do falecido Schubert, daquela linha de sua obra, na qual os elementos lírico-dramáticos e psicológicos desempenharam um papel decisivo.

O principal tema criativo de Schumann é o mundo dos estados internos de uma pessoa, sua vida psicológica. Há características na aparência do herói de Schumann que se assemelham às de Schubert, também há muito de novo, inerente a um artista de outra geração, com um sistema complicado e contraditório de pensamentos e sentimentos. Imagens artísticas e poéticas de Schumann, mais frágeis e refinadas, nasceram na mente, percebendo com agudeza as contradições cada vez maiores da época. Foi essa agudeza aumentada de reação aos fenômenos da vida que criou uma tensão e força extraordinárias do “impacto do ardor de sentimentos de Schumann” (Asafiev). Nenhum dos contemporâneos de Schumann na Europa Ocidental, exceto Chopin, tem tanta paixão e uma variedade de nuances emocionais.

Na natureza nervosamente receptiva de Schumann, a sensação de uma lacuna entre uma personalidade pensante e profundamente sensível e as condições reais da realidade circundante, vivida pelos principais artistas da época, é exacerbada ao extremo. Ele busca preencher a incompletude da existência com sua própria fantasia, opor uma vida feia a um mundo ideal, o reino dos sonhos e da ficção poética. No final das contas, isso levou ao fato de que a multiplicidade dos fenômenos da vida começou a encolher até os limites da esfera pessoal, da vida interior. O auto-aprofundamento, o foco nos próprios sentimentos, nas próprias experiências fortaleceu o crescimento do princípio psicológico na obra de Schumann.

A natureza, a vida cotidiana, todo o mundo objetivo, por assim dizer, dependem do estado dado do artista, são coloridos nos tons de seu humor pessoal. A natureza na obra de Schumann não existe fora de suas experiências; sempre reflete suas próprias emoções, assume uma cor correspondente a elas. O mesmo pode ser dito sobre as imagens fabulosas e fantásticas. Na obra de Schumann, em comparação com a obra de Weber ou Mendelssohn, a conexão com a fabulosidade gerada pelas ideias populares é visivelmente enfraquecida. A fantasia de Schumann é mais uma fantasia de suas próprias visões, às vezes bizarras e caprichosas, causadas pelo jogo da imaginação artística.

O fortalecimento da subjetividade e dos motivos psicológicos, a natureza muitas vezes autobiográfica da criatividade, não diminui o valor universal excepcional da música de Schumann, pois esses fenômenos são profundamente típicos da época de Schumann. Belinsky falou de forma notável sobre a importância do princípio subjetivo na arte: “Em um grande talento, o excesso de um elemento interno e subjetivo é um sinal de humanidade. Não tenha medo desta direção: ela não o enganará, não o enganará. O grande poeta, falando de si mesmo, de sua я, fala do geral – da humanidade, porque em sua natureza está tudo o que vive a humanidade. E por isso, na sua tristeza, na sua alma, cada um reconhece o seu e vê nele não só poetaBUT pessoasseu irmão em humanidade. Reconhecendo-o como um ser incomparavelmente superior a si mesmo, todos ao mesmo tempo reconhecem seu parentesco com ele.

Junto com o aprofundamento do mundo interior na obra de Schumann, outro processo igualmente importante ocorre: o escopo do conteúdo vital da música está se expandindo. A própria vida, alimentando a obra do compositor com os mais diversos fenômenos, introduz nela elementos de publicidade, caracterização nítida e concretude. Pela primeira vez na música instrumental, aparecem retratos, esboços, cenas tão precisas em suas características. Assim, a realidade viva às vezes invade de forma muito ousada e inusitada as páginas líricas da música de Schumann. O próprio Schumann admite que “excita tudo o que acontece no mundo – política, literatura, pessoas; Penso tudo isto à minha maneira, e depois tudo pede para sair, procurando expressão na música.

A interação incessante de externo e interno satura a música de Schumann com forte contraste. Mas seu próprio herói é bastante contraditório. Afinal, Schumann dotou sua própria natureza com diferentes personagens de Florestan e Eusébio.

A rebelião, a tensão das buscas, a insatisfação com a vida causam rápidas transições de estados emocionais - do desespero tempestuoso à inspiração e entusiasmo ativo - ou são substituídos por reflexão silenciosa, devaneios suaves.

Naturalmente, esse mundo tecido de contradições e contrastes exigia alguns meios e formas especiais para sua realização. Schumann revelou isso de forma mais orgânica e direta em suas obras para piano e vocais. Lá ele encontrou formas que lhe permitiram entrar livremente no jogo caprichoso da fantasia, não limitado pelos esquemas dados de formas já estabelecidas. Mas em obras amplamente concebidas, em sinfonias, por exemplo, a improvisação lírica às vezes contradizia o próprio conceito do gênero sinfônico com sua exigência inerente de um desenvolvimento lógico e consistente de uma ideia. Por outro lado, na abertura de um movimento para Manfred, a proximidade de algumas características do herói de Byron com o mundo interior do compositor o inspirou a criar uma obra dramática profundamente individual e apaixonada. O acadêmico Asafiev caracteriza o “Manfred” de Schumann como “um monólogo trágico de uma “personalidade orgulhosa” desiludida e socialmente perdida.

Muitas páginas de música de beleza indescritível contêm composições de câmara de Schumann. Isso é especialmente verdadeiro para o quinteto de piano com a intensidade apaixonada de seu primeiro movimento, as imagens lírico-trágicas do segundo e os movimentos finais brilhantemente festivos.

A novidade do pensamento de Schumann se expressava na linguagem musical – original e original. Melodia, harmonia, ritmo parecem obedecer ao menor movimento de imagens bizarras, variabilidade de humores. O ritmo torna-se extraordinariamente flexível e elástico, dotando o tecido musical das obras de uma característica aguda única. A “escuta” profunda dos “processos misteriosos da vida espiritual” dá origem a uma atenção especialmente atenta à harmonia. Não é à toa que um dos aforismos dos Davidsbündlers diz: “Na música, como no xadrez, a rainha (melodia) é da maior importância, mas o rei (harmonia) decide o assunto”.

Tudo característico, puramente “schumanniano”, foi incorporado com o maior brilho em sua música para piano. A novidade da linguagem musical de Schumann encontra sua continuação e desenvolvimento em suas letras vocais.

V. Galatsky

A obra de Schumann é um dos pináculos da arte musical mundial do século XNUMX.

As tendências estéticas avançadas da cultura alemã dos anos 20 e 40 encontraram uma expressão vívida em sua música. As contradições inerentes à obra de Schumann refletiam as complexas contradições da vida social de seu tempo.

A arte de Schumann está imbuída daquele espírito inquieto e rebelde que o aproxima de Byron, Heine, Hugo, Berlioz, Wagner e outros artistas românticos de destaque.

Oh deixe-me sangrar Mas me dê espaço logo. Tenho medo de sufocar aqui No maldito mundo dos mercadores... Não, melhor vício vil Roubo, violência, roubo, Do que a moral da contabilidade E a virtude dos rostos bem alimentados. Ei nuvem, me leve embora Leve com você em uma longa jornada Para a Lapônia, ou para a África, Ou pelo menos para Stettin – em algum lugar! — (Traduzido por V. Levik)

Heine escreveu sobre a tragédia de um pensamento contemporâneo. Sob esses versos Schumann poderia subscrever. Na sua música apaixonada e agitada, ouve-se invariavelmente o protesto de uma personalidade insatisfeita e inquieta. A obra de Schumann foi um desafio ao odiado “mundo dos comerciantes”, seu estúpido conservadorismo e presunçosa estreiteza mental. Alimentada pelo espírito de protesto, a música de Schumann expressou objetivamente as melhores aspirações e aspirações das pessoas.

Um pensador com visões políticas avançadas, simpatizante de movimentos revolucionários, uma importante figura pública, um apaixonado propagandista do propósito ético da arte, Schumann castigava furiosamente o vazio espiritual, o mofo pequeno-burguês da vida artística moderna. Suas simpatias musicais estavam do lado de Beethoven, Schubert, Bach, cuja arte o serviu como a mais alta medida artística. Em sua obra, ele procurou se basear nas tradições folclóricas nacionais, nos gêneros democráticos comuns na vida alemã.

Com sua paixão inerente, Schumann clamava por uma renovação do conteúdo ético da música, sua estrutura figurativo-emocional.

Mas o tema da rebelião recebeu dele uma espécie de interpretação lírica e psicológica. Ao contrário de Heine, Hugo, Berlioz e alguns outros artistas românticos, o pathos cívico não era muito característico dele. Schumann é ótimo de outra maneira. A melhor parte de seu variado legado é a “confissão do filho da época”. Este tema preocupou muitos dos notáveis ​​contemporâneos de Schumann e foi incorporado em Manfred de Byron, A Jornada de Inverno de Müller-Schubert e a Sinfonia Fantástica de Berlioz. O rico mundo interior do artista como reflexo dos complexos fenômenos da vida real é o principal conteúdo da arte de Schumann. Aqui o compositor atinge grande profundidade ideológica e poder de expressão. Schumann foi o primeiro a refletir na música uma gama tão ampla de experiências de seus pares, a variedade de suas tonalidades, as transições mais sutis de estados mentais. O drama da época, sua complexidade e inconsistência receberam uma refração peculiar nas imagens psicológicas da música de Schumann.

Ao mesmo tempo, a obra do compositor está imbuída não só de um impulso rebelde, mas também de um devaneio poético. Criando imagens autobiográficas de Florestan e Eusébio em suas obras literárias e musicais, Schumann essencialmente incorporou nelas duas formas extremas de expressar a discórdia romântica com a realidade. No poema acima de Heine, pode-se reconhecer os heróis de Schumann – o irônico protestante Florestan (ele prefere o roubo da “moralidade contábil de rostos bem alimentados”) e o sonhador Eusébio (junto com uma nuvem carregada para países desconhecidos). O tema de um sonho romântico corre como um fio vermelho em toda a sua obra. Há algo profundamente significativo no fato de Schumann associar uma de suas obras mais amadas e artisticamente significativas à imagem do Kapellmeister Kreisler de Hoffmann. Impulsos tempestuosos para uma beleza inatingível tornam Schumann relacionado a esse músico impulsivo e desequilibrado.

Mas, ao contrário de seu protótipo literário, Schumann não tanto “se eleva” acima da realidade quanto a poetiza. Ele soube ver sua essência poética sob a casca da vida cotidiana, ele soube selecionar o belo das impressões da vida real. Schumann traz tons novos, festivos e brilhantes para a música, dando-lhes muitos tons coloridos.

Pela novidade dos temas e imagens artísticas, pela sua subtileza e veracidade psicológica, a música de Schumann é um fenómeno que expandiu significativamente os limites da arte musical do século XNUMX.

A obra de Schumann, principalmente obras para piano e letras vocais, teve grande impacto na música da segunda metade do século XNUMX. As peças para piano e sinfonias de Brahms, muitas obras vocais e instrumentais de Grieg, as obras de Wolf, Frank e muitos outros compositores remontam à música de Schumann. Os compositores russos apreciaram muito o talento de Schumann. Sua influência se refletiu na obra de Balakirev, Borodin, Cui e especialmente Tchaikovsky, que não apenas na câmara, mas também na esfera sinfônica, desenvolveu e generalizou muitos dos traços característicos da estética de Schumann.

“Pode-se dizer com certeza”, escreveu PI Tchaikovsky, “que a música da segunda metade do século atual constituirá um período na futura história da arte, que as gerações futuras chamarão de Schumann. A música de Schumann, organicamente adjacente à obra de Beethoven e ao mesmo tempo separada dela, abre todo um mundo de novas formas musicais, toca cordas que seus grandes predecessores ainda não tocaram. Nela encontramos um eco daqueles... processos profundos da nossa vida espiritual, daquelas dúvidas, desesperos e impulsos para o ideal que dominam o coração do homem moderno.

V. Konen

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