Educação musical |

O processo de domínio dos conhecimentos, habilidades e habilidades necessárias para a atividade musical, bem como a totalidade do conhecimento e habilidades e habilidades relacionadas obtidas como resultado do treinamento. Sob M. o. muitas vezes entendem o próprio sistema de organização das musas. aprendizado. A principal forma de obtenção de M. o. – preparação sob a orientação de um professor, na maioria das vezes na conta. instituição. Um papel importante pode ser desempenhado pela autoeducação, bem como pela assimilação de conhecimentos e habilidades no processo do prof. praticar música ou participar de atividades amadoras. fazendo música. Distinguir M. sobre. geral, que fornece conhecimentos, habilidades e habilidades na medida necessária para atividades amadoras ou apenas para a percepção da música, e M. o. especial, preparando para o prof. trabalho (compor, executar, científico, pedagógico). M. o. pode ser primário (inferior), médio e superior, um corte em quase todos os países é especial. personagem. Didática geral. o princípio da educação nutritiva também está diretamente relacionado a M. o. e se reflete em seu conteúdo, métodos e formas organizacionais. M. o. geral e especial sugere uma unidade orgânica de educação musical e música. educação: não só um professor de música é uma educação geral. escolas, ensinando as crianças e dando-lhes uma educação musical geral, educa-as por meio da música e conduz à sua compreensão, mas o professor prof. escolas de música de qualquer nível, apresentando o futuro da música. figura a conhecimentos e habilidades especiais, ao mesmo tempo forma sua personalidade – visão de mundo, ideais estéticos e éticos, vontade e caráter.

M. o. – a categoria do histórico, e em uma sociedade de classes – o histórico de classes. Objetivos, conteúdo, nível, métodos e organização. Formulários de M. sobre. determinado pela mudança ao longo da história das musas. cultura, relações sociais, nat. especificidade, o papel da música. art-va na vida desta sociedade, muz.-estética. pontos de vista, estilo de música. criatividade, formas existentes de música. atividades, funções desempenhadas por músicos, pedagógico geral dominante. ideias e o nível de desenvolvimento das musas. pedagogia. personagem de M. sobre. também pela idade do aluno, suas habilidades, o tipo de música. atividades para as quais o estão preparando, e muitas outras. outra música. O ensino de uma criança é construído de forma diferente do de um adulto, e tocar, digamos, violino é diferente de tocar piano. Ao mesmo tempo, é geralmente reconhecido na música principal moderna. A pedagogia (por todas as diferenças incalculáveis ​​em suas formas e métodos) são dois princípios: geral M. o. não pode e não deve ser substituído por um especial (no qual a ênfase é frequentemente colocada no ensino de habilidades técnicas, domínio de informações teórico-musicais, etc.); musica geral. educação e treinamento é aquela base obrigatória sobre a qual é necessário construir especial. M. o.

Nos estágios iniciais do desenvolvimento da sociedade humana, quando não havia nenhuma função especial de um músico e todos os membros do coletivo tribal criaram eles próprios uma produção mágica primitiva. ações de gelo e as realizaram elas mesmas, musas. as habilidades, aparentemente, não foram ensinadas especificamente e foram adotadas pelos mais jovens dos mais velhos. No futuro, música e magia. funções foram assumidas por xamãs e líderes tribais, estabelecendo assim as bases para a separação em tempos subsequentes de sincrético. arts. profissão, na qual o músico estava ao mesmo tempo. dançarino e letrista. Quando a arte. a cultura, mesmo nas condições da sociedade pré-classe, atingiu um nível relativamente alto, havia necessidade de especial. Aprendendo. Isso, em particular, é evidenciado pelos fatos relativos às sociedades. a vida dos índios do Norte. América antes de sua colonização pelos europeus: entre os nativos do Norte. América, havia uma taxa para ensinar novas músicas (da voz); os antigos habitantes do México tiveram uma educação musical. instituições para ensinar canções e danças, e os antigos peruanos ensinavam a recitação melodiosa do épico. legendas. Aproximadamente na época em que nas civilizações do mundo antigo o ritual-culto, palácio, militar começou a ser claramente dividido. e música de romã e quando formado dec. tipos de músicos em diferentes níveis sociais (músicos do templo liderados por um sacerdote-cantor; músicos do palácio louvando a divindade-monarca; militares. músicos de sopro e percussão, às vezes de patentes militares relativamente altas; por fim, os músicos, muitas vezes errantes, cantavam e tocavam durante os beliches. festividades e celebrações familiares), incluem as primeiras informações dispersas sobre M. sobre. Os mais antigos pertencem ao Egito, onde no final do período do Império Antigo (c. 2500 aC. e) adv. os cantores passaram por um treinamento especial e, posteriormente, durante o período da XII dinastia do Império do Meio (2000-1785), os padres, a julgar pelas imagens sobreviventes, atuaram como professores que ensinaram a cantar com acompanhamento de cítara, batendo palmas e carimbando . Supõe-se que Memphis foi por um longo período o foco de escolas nas quais se estudava música culta e secular. Na China antiga nos séculos 11 a 3. BC e. durante a era Zhou. sobre., to-roe enviado especial. departamento do palácio sob a supervisão do imperador, desempenhou um papel proeminente na vida da sociedade e incluiu o cap. arr. que os meninos eram ensinados a cantar, tocar instrumentos e dançar. A Grécia foi um dos primeiros países onde atribuíram tanta importância ao sócio-político. lado da música, seu “ethos” e onde as musas. a formação perseguia abertamente o político-ético. educar. objetivos. É geralmente aceito que as origens do grego M. sobre. foram fundados na ilha de Creta, onde os meninos das classes livres aprenderam a cantar, instr. música e ginástica, que eram consideradas como uma espécie de unidade. Em 7 em. BC e. outra ilha grega, Lesbos, era um “conservador contínuo”. Aqui, chefiada por Terpander, que aperfeiçoou o kithara, formou-se uma escola de kitfareds e os fundamentos da arte do prof. kyfaristics, ou seja a capacidade de pronunciar recitativamente o texto, cantar e acompanhar. A arte dos aeds (cantores-narradores), que faziam parte da oficina dos artesãos na Grécia antiga e eram os guardiões de certas tradições orais, foi transmitida de geração em geração. M. sobre. O aeda consistia no fato de que o professor (muitas vezes o pai) ensinava o menino a tocar cítara, medindo a recitação melódica e as regras da poesia. versificação e transmitiu-lhe um certo número de canções compostas pelo próprio mestre ou que lhe chegaram por tradição. Em Esparta, com seu modo de vida e estado paramilitar. supervisionando o progresso da educação, coro. o canto era considerado uma vertente necessária da educação dos jovens, que periodicamente tinham de se apresentar em sociedades e festividades. Em Atenas, no processo do chamado. educação musical, os meninos estudavam entre outros. disciplinas e música, e o ensino estava intimamente ligado à assimilação dos melhores exemplos do grego. literatura e didática. poesia. Normalmente, até os 14 anos, os meninos se dedicavam a tocar cítara em escolas particulares pagas e dominavam a arte da cítara. Um monocórdio foi usado para refinar os intervalos e alturas. grande influência na música. a formação na Grécia foi rendida pelo musical e pelo estético. e visões pedagógicas de Platão e Aristóteles. Platão acreditava que a “educação musical” está ao alcance de todo jovem e que não deve e não pode haver a questão da musicalidade ou não musicalidade do aluno. Informações sobre m. sobre. no Dr. Roma é muito escassa. T. porque Roma tornou-se política. centro no século II. BC e., durante o auge do helenístico. civilização, depois a música romana. cultura e, aparentemente, o Roman M. sobre. desenvolvido sob a conhecida influência do helenismo. A música, no entanto, tem sido frequentemente considerada científica. disciplina, fora de seus vínculos diretos com a vida, e isso não poderia deixar de afetar o aprendizado. Feliz aniversario lados, m. sobre.

O lado ético da educação musical, que estava na vanguarda dos antigos gregos, recebeu muito menos atenção durante o Império Romano.

Nos anos da música medieval antiga e clássica. a cultura foi criada por figuras que se situavam em diferentes níveis da hierarquia social: músicos-teóricos e músicos-praticantes (cantores e instrumentistas, principalmente organistas) associados à música eclesiástica e culta, trouvers, trovadores e minnesingers, adv. músicos, bardos-narradores, montanhas. instrumentistas de sopro, vagantes e goliards, spielmans e menestréis, etc. Esses grupos diversos, muitas vezes antagônicos, de músicos profissionais (bem como nobres músicos amadores, segundo suas musas. preparação, às vezes não inferior a profissionais) dominou conhecimentos e habilidades de diferentes maneiras: alguns - em canto. escolas (cap. arr. em mosteiros e catedrais), e a partir do século XIII. e em botas altas de pele, outros – nas condições de musas. loja de treinamento e na prática diretamente. transmissão das tradições do mestre aos alunos. Nos mosteiros, que no início da Idade Média eram focos de educação greco-romana, eles estudavam junto com os gregos. e lat. línguas e aritmética, música. Monásticos e, um pouco mais tarde, coristas de catedrais. escolas foram os focos prof. M. o., e a maioria das musas proeminentes saiu das paredes dessas escolas. figuras da época. Uma das cantoras mais importantes. escolas foi a “Schola Cantorum” na corte papal em Roma (fundação aprox. 600, reorganizado em 1484), que serviu de modelo para a contabilidade. estabelecimentos semelhantes. digite nas cidades do Zap. Europa (muitas delas atingiram um nível elevado, em particular as escolas de Soissons e Metz). Métodos de ensino de coro. o canto dependia da assimilação de cantos de ouvido. A professora usava os métodos da cheironomia: o movimento da voz para cima e para baixo era indicado por movimentos condicionais da mão e dos dedos. Para dominar a informação teórica existia especial. três. manuais manuscritos, geralmente na forma de diálogos entre um professor e um aluno (por exemplo, livro. “Dialogue de musica” – “Diálogos sobre música”, atribuído a O. von Saint-Maur); muitas vezes eram aprendidas de cor. Para maior clareza, foram utilizadas figuras e tabelas. Como na antiguidade, o monocórdio servia para explicar os intervalos entre os sons. Métodos musicais. a educação sofreu algumas mudanças após a reforma de Guido d'Arezzo (século XI), que constituiu a base do moderno. escrita musical; ele introduziu uma pauta de quatro linhas, a designação das letras das teclas, bem como nomes silábicos. passos do traste de seis passos. Por volta do século 10. as escolas monásticas concentram-se no cap. arr. na prática do canto ritual e perdem o interesse pela música e pela ciência. educação. Embora continuem a ocupar uma posição de liderança na igreja musical por muitos anos. iluminação, gradualmente iniciativa no campo do desenvolvimento de musas. culturas, em particular o., vai para as escolas catedrais. Aqui, uma tendência cada vez maior (especialmente no século 12) é delineada para combinar teórico-musical. educação com a prática, realizando e compondo. Uma das principais instituições de professores desse tipo foi a escola da Catedral de Notre Dame (Paris), que serviu de protótipo para as futuras métricas. Em um cavalo. 12 dentro em Paris, surgiu uma “corporação universitária” de mestres e alunos, que lançou as bases para a Universidade de Paris (principal. Nele, na faculdade de artes, junto com o desenvolvimento da música sacra. a vida cotidiana foi estudada no âmbito das “sete artes livres” e da música. De acordo com as opiniões comuns naqueles anos na Europa, a maior atenção foi dada ao científico e teórico. lado, considerado no espírito do racionalismo abstrato e teológico. Ao mesmo tempo, os membros da corporação universitária, por vezes não apenas músicos teóricos, mas também praticantes (intérpretes e compositores), estavam em contato próximo com a música cotidiana. Isso também afetou a música. Aprendendo. Nos séculos 12-14. botas altas de pele, nas quais se estudava música. ciência, surgiu em outras cidades da Europa Ocidental: em Cambridge (1129), Oxford (1163), Praga (1348), Cracóvia (1364), Viena (1365), Heidelberg (1386). Em alguns deles, teórico-musicais. testes eram exigidos para bacharelado e mestrado. O maior professor-músico universitário dessa época era eu. Muris, cujo conhecimento das obras durante muitos anos foi considerado obrigatório na Europa. un-tah Para a Idade Média. M. sobre. também era característico: música séria, nada amadora. treinamento, que muitas vezes recebeu jovens cavaleiros, em escolas de mosteiros e católicos. templos, nas cortes, bem como no processo de convivência durante viagens e campanhas com musas estrangeiras. culturas; treinamento prático de instrumentistas (cap. arr. trompetistas, trombonistas e violistas) em condições que se desenvolveram no século XIII. corporações artesanais de músicos, onde a natureza e a duração do trabalho com futuros intérpretes foram determinadas por regras especiais de oficina desenvolvidas ao longo de décadas; formação de músicos profissionais instrumentistas e organistas catedrais (os métodos destes últimos foram generalizados no século XV.

No Renascimento, as principais musas. figuras se opõem ao escolasticismo na teoria musical e na música. aprendizado, veja o significado das aulas de música na prática. fazer música (ao compor música e executar), fazer tentativas de harmonizar teoria e prática na assimilação de musas. conhecimentos e a aquisição de competências que procuram na própria música e na música. aprendendo a capacidade de combinar estética. e princípio ético (um princípio emprestado da estética antiga). Sobre esta linha geral de musas. A pedagogia também é evidenciada pela orientação prática de vários deles. livros publicados em con. 15 – implore. Séculos XVI (além do mencionado tratado Pauman), – as obras dos franceses. cientista N. Vollik (junto com seu professor M. Schanpecher), alemão – I. Kohleus, que resistiu a várias edições, suíço – G. Glarean, etc.

O desenvolvimento de m. sobre. O sistema de notação musical relativamente preciso e ao mesmo tempo flexível, que se formou no Renascimento, e o início da notação musical contribuíram para isso. Música reformada. escrita e publicação impressa de música. discos e livros com exemplos musicais criaram os pré-requisitos que facilitaram muito as musas. ensino e transmissão de música. experiência de geração em geração. Esforços musicais. pedagogia visavam a formação de um novo tipo de músico, conquistando gradativamente uma posição de destaque na música. cultura, – um músico prático educado, que se aperfeiçoou no coro desde a infância. cantar, tocar órgão, etc. instrumentos de gelo (cada vez maior, especialmente desde o século 16, o valor de instr. a música afetou a aprendizagem), na música. teoria e arte-ve para compor música e to-ry mais tarde continuou a se envolver em uma variedade de prof. atividade de gelo. Especialização estreita em moderno. o entendimento, via de regra, não era: o músico, necessariamente, tinha que saber passar de um tipo de atividade para outro, e o ofício de compor música e improvisar nos anos em que compor não era independente. profissão, todos recebendo M. sobre. A formação de um novo tipo de músico de amplo perfil levou ao surgimento de escolas de música. habilidade, ao mesmo tempo, essas próprias escolas lideravam por meios. personalidades do gelo contribuíram para a formação de músicos profissionais. Essas escolas individuais, hospedadas em diferentes períodos históricos e em diferentes países são diferentes. formas organizacionais, geralmente criadas em grandes centros, onde havia condições de treinamento e prática. atividades de jovens músicos. Em algumas escolas, a ênfase estava na enciclopédia. formação de teóricos da música e prática da escrita, em outros (especialmente no século XVIII) – nas artes cênicas (entre cantores, por exemplo, e na formação da habilidade virtuosa). Entre os músicos proeminentes que fundaram essas escolas estão vários nomes de G. Dufai, X. Isaka, Orlando Lasso, A. Willart e J. Tsarlino (séculos XV-XVI) a J. B. MARTINI, F. E. Bahá, N. Porpora e J. Tartini (século XVIII). Escolas de música. profissionalismo foram criados em estreita ligação com um ou outro nat. cultura de gelo, no entanto, o impacto destes nacionais. escolas de pedagogia musical dr. países foi muito significativo. Bastante muitas vezes atividade, por exemplo, niderl. professores procedeu na Alemanha, alemão – na França e francês., Niderl. ou isso. jovens músicos completaram M. sobre. na Itália ou na Suíça, etc. sobre. realizações de escolas individuais tornaram-se pan-europeias. bens comuns. Organização musical. aprendizagem ocorreu de várias formas. Uma das mais importantes (principalmente na França e na Holanda) é a metriza. Nesta escola de cantor sob os templos católicos sistematicamente. ensinar música a meninos (cantar, tocar órgão, teoria) e ao mesmo tempo. assuntos de educação geral foram administrados desde tenra idade. Significa o número dos maiores mestres polifônicos dos séculos XV-XVII. recebeu m. sobre. em metriza, que existiu até o Grande Francês. revolução (só na França era então aprox. 400 metros). Escolas de tipo semelhante também existiam em outros países (por exemplo, a escola da Catedral de Sevilha). Na Itália, de orfanatos (conservatorio), para onde eram levados meninos (Nápoles) e meninas (Veneza) com talento musical, no século XVI. havia gelo especial três. estabelecimentos (ver Conservatório). Além dos orfanatos “com viés musical” na Itália, outros foram criados. escolas de música. Mestres destacados lecionaram em alguns dos conservatórios e escolas (A. Scarlatti, A. Vivaldi e outros). Em 18 em. A fama em toda a Europa foi desfrutada pela Academia Filarmônica de Bolonha (ver. Bologna Philharmonic Academy), um membro e atual líder do enxame foi J. B. Martini. Música. o treinamento continuou com botas de pele de cano alto; No entanto, em diferentes países, foi realizado de maneiras diferentes. Uma tendência geral é característica: o ensino da música nos séculos XV-XVI. gradualmente libertado da escolástica, e a música começa a ser estudada não apenas como ciência, mas também como arte. Assim, o professor universitário G. Em suas palestras e escritos, Glare-an considerava a música tanto uma ciência quanto uma arte. prática No século 17, quando o estudo da música. teorias na maior parte da Europa. botas de pelo alto tendiam a diminuir (interesse por música e ciência. as disciplinas começaram a reviver apenas no meio. século 18), na Inglaterra as tradições do antigo teórico-musical. aprendizado foi preservado. No entanto, o papel de tocar música nos círculos humanísticos e com o inglês. O estaleiro era muito significativo, por isso as universidades de Oxford e Cambridge buscavam formar profissionais e amadores que não só conhecessem a teoria musical, mas também tivessem habilidades práticas. (além do canto, os alunos aprenderam a tocar alaúde, viola e virginal). Em algumas cidades da Alemanha, música. formação da universidade “artística. f-tov ”mudou-se para internatos privados organizados nas faculdades. Então, em Colônia no começo. 16 dentro havia quatro dessas corporações, independentes umas das outras, mas subordinadas a um líder. Música. o treinamento também foi organizado em capelas (em tribunais seculares ou espirituais), onde o adv. Kapellmeister – muitas vezes um músico autoritário – ensinou música a jovens instrumentistas, futuros participantes do tribunal. conjuntos, bem como crianças de famílias nobres. Obtenção geral, e às vezes especial. M. sobre. também contribuiu para certas organizações que não perseguiam uch. objetivos, por ex. Comunidades amadoras alemãs de mestres cantores (meistersingers), membros das quais, obedecendo a tradições estritamente regulamentadas. regras e entrega para um número de anos especial. testes, gradualmente subiu a “escada dos títulos” de “cantor” a “compositor de letras” e, finalmente, a “mestre”. Um tipo de música ligeiramente diferente. “irmandade” (cantar. e instr.) também estavam disponíveis em outros. Europa. países. Geral M. o., to-roe a partir do século XVI. mais claramente separado do especial, foi realizado em diferentes tipos de escolas secundárias Ch. arr. cantores encarregados da igreja da escola. contemporânea. Em 17 em. em países protestantes (M. Lutero e outros representantes da Reforma atribuíram grande ética. significado para o amplo M. o.) os cantores, além de lecionarem as disciplinas escolares, também ensinavam canto e regiam o coro escolar, que desempenhava diversas funções na igreja. e montanhas. vida. Em algumas escolas, os cantores também conduziram instr. aulas, proporcionando a oportunidade de tocar música para crianças e adolescentes que, por um motivo ou outro, não sabiam cantar. Porém, via de regra, o caminho para o instrumento passava então pelo canto. Em conexão com a maior atenção às ciências naturais e matemática, bem como a influência do racionalismo, etc. fatores no século XVIII. o significado e o volume da música. aulas de lat. as escolas diminuíram (com algumas exceções, como na Thomasschule em Leipzig). Se os cantores dos anos anteriores receberam formação universitária, tinham amplo conhecimento no campo das humanidades e muitas vezes tinham o título de bacharel ou mestre, então no 2º jol. 18 dentro eles se transformaram em professores de música escolar, cuja educação se limitava ao seminário de professores. Na música. A educação foi seriamente influenciada por pensadores notáveis ​​– o tcheco J. A. Comenius (século XVII) e o francês J. G. Rousseau (século XVIII). uh. os manuais, publicados nos séculos 16-18, refletiam o estado das musas. pedagogia, contribuiu para o desenvolvimento geral e especial. M. sobre. e contribuiu para o conhecimento de músicos de um país com as realizações musicais e pedagógicas de outro. Tratados dos séculos XVI e XVII (Tomé de Santa Maria, 16; J. Diruta, 1 hora, 1593, com várias reimpressões subsequentes, 2 horas, 1609; Spiridion, 1670) foram dedicados. cap. arr. tocando instrumentos de teclado e a teoria da composição musical. Significa o número dos mais interessantes e resistiu ao teste do tempo uch. publicações, como se resumisse e consolidasse as conquistas de instr., wok. e teórico musical. educação, foi publicado no século XVIII: o livro de I. Mattheson “The Perfect Kapellmeister” (“Der vollkommene Capelmeister …”, 1739), cobrindo a música de forma abrangente. prática de seu tempo, uch. manuais de contrabaixo geral e teoria da composição de F. NO. Marpurga – “Tratado sobre Fuga” (“Abhandlung von der Fuge”, TI 1-2, 1753-1754); “Guia para baixo geral e composição” (“Handbuch bey dem Generalbasse und Composition”, Tl 1-3, 1755-58), obras de I. Eu. Fuchs “Step to Parnassus” (“Gradus ad Parnassum…”, 1725, em lat. lang., então publicado em alemão, italiano, francês. e inglês. lang.) e J. B. Martini “Exemplo ou experiência prática fundamental de contraponto” (“Esemplare o sia saggio fondamentale pratico di contrappunto…”, pt. 1-2, 1774-75); tratados e escolas, em que DOS. atenção é dada para aprender a tocar música. instrumentos, m. Saint-Lambert “Performance no cravo” (“Principes de Clavecin”, 1702), P. Couperin “A arte de tocar cravo” (“L'art de toucher le Clavecin”, 1717), P. E. Bach “Uma experiência na maneira correta de tocar o cravo” (“Versuch über die wahre Art, das Ciavier zu spielen”, Tl 1-2, 1753-62), I. E. Quantz “Experiência na gestão de tocar a flauta transversal” (“Versuch einer Anweisung die Flöte traversiere zu spielen”, 1752, com reimpressões subsequentes. em alemão, francês e mais yaz.), L. “A experiência de uma sólida escola de violino” de Mozart (“Versuch einer gründlichen Violinschule”, 1756, com reimpressões subsequentes); wok trabalho. pedagogia p. F. Tosi “Discursos sobre velhos e novos cantores” (“Opinioni de'cantori antichi e moderni”, 1723, traduzido com acréscimos. sim. E. F. Agricola, 1757, bem como em outros. Europa. escrever.). Em 18 em. criou-se uma grande literatura musical, na qual os autores deliberadamente definiram tarefas educacionais e pedagógicas - desde as escolas originais para violino, violoncelo, viola, harpa, flauta, fagote, oboé, cravo e canto M. Correta (1730-82) a obras-primas como “Essercizi” (conhecidas como sonatas) de D. Scarlatti, invenções e sinfonias I.

Ótimo francês. A revolução marcou uma virada na história da cultura musical e, em particular, na música de M. sobre. A criação do Conservatório de Paris está diretamente relacionada a este evento. Aprox. 18 dentro M. sobre. é formado sob a influência de novos fatores e sofre seres. mudanças, embora algumas antigas tradições pedagógicas e métodos de ensino permaneçam inalterados por décadas. Democratização do teatro musical. e conc. vida, o surgimento de novos teatros de ópera, a criação de uma nova orquestra. coletivos, instr florescente. música e virtuosismo, o amplo desenvolvimento da produção musical caseira e todos os tipos de cantores. sociedades, um pouco mais de preocupação no departamento. países sobre o ensino de música no ensino médio – tudo isso exigia mais musas. figuras (intérpretes e professores), além de focar na melhoria em uma especialidade específica e restrita. Fundamentalmente, o mais significativo nesta especialização foi que a formação das artes performativas como intérprete e virtuose, bem como amador, foi separada da formação de composição e improvisação, e a formação de um músico teórico, embora um pouco menor medida, foi separado da formação de um compositor. Especialização em um campo de um tipo ou outro irá funcionar. art-va, bem como os requisitos de virtuosismo do intérprete, to-rye apresentou musas. literatura, levou à criação de um novo tipo de conta. subsídios – esboços pretendidos Ch. arr. para o desenvolvimento de instr. técnica (esboços de M. Clementi, E. Cramer, K. Cherny e outros. para fp.; R. Creuzer, J. Mazasa, Sh. Berio e outros. para violino, etc.). A educação musical também foi afetada pela crescente e qualitativamente alterada em comparação com o século XVIII. o papel das diversas instituições de ensino – privadas, municipais e estaduais. Seguindo o de Paris, um após o outro, conservatórios ou similares são abertos. instituições (academias, escolas musicais superiores, faculdades) em pl. países da Europa. Esses afins. as instituições eram muito diferentes não apenas em termos de qualificações pedagógicas. composição, mas também de acordo com as tarefas que lhes foram atribuídas. Muitos deles ensinaram profissionais e amadores, crianças, adolescentes e adultos, alunos de diferentes níveis de desenvolvimento e formação. O foco da maioria dos conservatórios era atuar. art-in, em alguns professores também foram treinados para escolas e musas. educação familiar. Em 19 em. bainha. os conservatórios, exceto o parisiense, não tiveram nenhum desempenho significativo. importante na formação de compositores. Os métodos de ensino de músicos no conservatório eram diferentes. Assim, na França, ao contrário de outros países, desde o início 19 em. a base para a formação de músicos de diversas especialidades (em todas as fases de formação) foi o curso de solfejo e ditado musical. Um lugar importante neste país foi ocupado por um sistema de concursos. No 2º tempo. 19 dentro na imprensa há muitos anos, houve disputas entre os defensores do ensino conservatório e seus opositores, que preferiam a formação de músicos fora do acadêmico. estabelecimentos. Os críticos do sistema educacional conservador (entre eles estava R. Wagner) acreditava que a formação extensiva de músicos profissionais dificulta a formação da arte. individualidade do mais dotado deles. Defensores dos conservatórios (no início dos anos 20 em. seus argumentos foram resumidos por G. Krechmar), concordando com uma série de comentários privados de seus oponentes (que escreveram sobre o estudo formal-escolástico da teoria musical. disciplinas e sua separação da prática, a estreiteza e unilateralidade do repertório estudado, a perda em outros casos por pessoas dotadas de força e tempo no curso de treinamento conjunto com alunos medíocres), ao mesmo tempo apontou para o decisivo vantagens da formação de músicos na área de ensino. instituições: 1) a oportunidade de combinar aulas na especialidade com o estudo de adicional. disciplinas de gelo (solfejo, harmonia, análise de formas, história da música, obrigatório para todos os FP. etc.) e prático. tocar música em orquestra, conjunto, coro e, às vezes, ópera; 2) o papel estimulante dos exemplos vívidos individuais e da competição no processo de estudar em equipe; 3) maior disponibilidade de M. sobre. para uma gama relativamente ampla de pessoas. Como antes, no desenvolvimento de M. sobre. Um papel excepcionalmente importante foi desempenhado por escolas de excelência dirigidas por grandes professores ou músicos criativos (independentemente de serem escolas criadas nos estabelecimentos ou fora deles). Os pianísticos podem ser distinguidos (por exemplo, M. Clementi, K. Cherny, F. Chopin, F. Lista, A F. Marmontel, L. Demera, T. Leshetitsky, L. Godovsky e outros), violino (por exemplo, A. VIOTANA, Y. Joaquim, R. Kreutzer), condutores (R. Vagner, G. Malera) e outros. escolas. Em 19 em. As universidades desenvolveram dois sistemas um tanto diferentes de M. o., em termos básicos preservados no século XX. Em alguns países (Alemanha, Áustria, Suíça, etc.), as botas de pele de cano alto tornaram-se centros apenas para a teoria musical. Educação; prática de fazer música (estudantes) coros, orquestras, conjuntos) era de natureza amadora aqui, às vezes, porém, subindo para um nível relativamente alto. Resumindo a discussão sobre M. sobre. em botas altas de pele, G. Krechmar em 1903 escreveu isso para estudar no un-aqueles práticos. disciplina seria tão ilógico quanto ensinar gramática elementar e desenho na universidade, e que os candidatos à universidade deveriam ser músicos praticamente bem treinados e passar aqui apenas em musicologia fundamental. e esteticista geral. disciplinas. Em outros países (primeiro na Grã-Bretanha, depois nos EUA, etc.), onde também ocorreu a formação de musicólogos em botas de cano alto, alunos junto com musicólogos. disciplinas dominavam a música.

Nos países capitalistas e em desenvolvimento modernos, o sistema de M. sobre., geral e especial, é muito diferente. Na maioria dos países, apenas algumas músicas especiais uch. as instituições são financiadas pelo Estado, enquanto a maioria delas é administrada por indivíduos e sociedades privadas. organizações; significa. número de escolas musas não tem um perfil claro, e muitas vezes ministram aulas com profissionais e amadores, com crianças e adultos; taxa de matrícula em pl. muito instituições é relativamente alto, e apenas fundos de bolsas privadas permitem receber M. o. alunos superdotados de famílias de baixa renda.

No Reino Unido, aulas de música na educação geral. as escolas dos dois primeiros níveis (infantil e pré-escolar) concentram-se Ch. arr. em cantar. Ao mesmo tempo, o desenvolvimento da audição é mais frequentemente baseado no método “tônico-sol-fa” de J. Curwen. Coros de escolas unidas costumam apresentar um repertório bastante complexo – de obras de Palestrina a Op. R. Vaughan Williams. Na década de 1970 por iniciativa da família Dolmech, que promoveu o block-fly e organizou sua produção na Grã-Bretanha e depois em outros países da Europa Ocidental. países; este instrumento junto com a percussão melódica. instrumentos (a sede de K. Orff) teve um lugar importante na música da escola. aprendizado. Alunos de diferentes níveis de ensino geral. as escolas (incluindo o secundário) podem, se assim o desejarem, ter aulas de piano com professores privados. ou orc. ferramentas. Orquestras e conjuntos escolares são formados por esses alunos. Em vários condados existem musas da terra. escolas, em muitas cidades de música juvenil privada. escolas (Escola de Música Júnior). Alunos de vários tipos de escolas (além de professores particulares) têm a oportunidade de mostrar suas musas. habilidades em organizações especiais (Generale Certificate of Education, Associated Board of the Royal Schools of Music, etc.). Depois disso, a questão é decidida se deve continuar seus estudos em música. escolas de nível superior (escolas de música, conservatórios, academias) ou em botas de pelo alto. As escolas de músicos mais famosas estão localizadas em Londres (King Academy of Music and Dramatic Arts, King College of Music, King College for Organists), Manchester (King Manchester College of Music) e Glasgow (King Scottish Academy of Music). Nas grandes cidades onde há botas de pelo alto e musas. faculdades, muitas vezes é elaborado um plano conjunto de trabalho, visando não apenas a formação de musicólogos, mas também músicos praticantes, incl. professores. Na Itália, educação geral. as escolas dão pouca atenção à música. Aqui, além de privado e igreja. escolas de música, existem estaduais. conservatórios e montanhas. liceus de música (os programas educacionais destes últimos diferem pouco dos conservatórios). São admitidos às provas finais os alunos dos conservatórios em toda a conta. curso deve passar nos exames para os níveis inferior e superior. Para compositores, organistas, pianistas, violinistas e violoncelistas afins. o curso dura 10 anos. No Conservatório “Santa Cecília” (Roma), para compositores e instrumentistas formados em um dos conservatórios, foram instituídos cursos que conferem música superior. qualificação. Em Siena, na Academia de Chidzhana (dirigida por uma organização pública internacional), como em muitas outras. mais alto. instituições de outros países europeus, seminários de verão para melhorar as habilidades dos músicos (as aulas são ministradas por professores de diferentes países).

Na França, desde 1946, a música ocupa um lugar cada vez maior no currículo. programas de educação geral. escolas. O treinamento é conduzido de acordo com um único estado. programa, no qual é dada muita atenção ao desenvolvimento da audição e à produção da voz. Na música estatal e privada. escolas, e também em conservatórios M. sobre. recebido por amadores e profissionais; significa. alguns dos alunos são crianças. Além do Conservatório de Paris, também existem instituições de ensino superior privadas de renome na capital. instituições. As maiores delas são: “Ecole de Músique de classic religios” (fundada em 1853 por L. Niedermeyer), “Schola Cantorum” (fundada em 1894 por A. Gilman e V. d'Andy), “Ecole Normale de Músique” (fundada por L. Niedermeyer). em 1919 A. Cortot e A. Manzho). É característico que na França, onde na organização de treinamento em especial. música Nas escolas, o sistema competitivo desempenha um papel importante; professores de música para liceus também são selecionados para o concurso, que consiste na verificação da música. e conhecimentos e habilidades pedagógicas do candidato. A formação de professores de música da mais alta qualificação (para escolas secundárias de educação geral) ocorre em Paris no Lyceum. J. La Fontaine, onde cursos especiais de 3 anos.

Na Alemanha, não há gestão centralizada das questões culturais e, portanto, a formulação da educação nos estados federais é um tanto peculiar. No ensino geral, a educação musical é obrigatória nas escolas. Coral, bem como infantil e beliches. escolas de música têm como meta dar um M. o geral. Em algumas dessas escolas, aprendendo a tocar a música. instrumentos de acordo com um programa especial começa aos 4 anos de idade. Para crianças superdotadas em dep. as escolas de educação geral estão abertas à música. classes, e em algumas cidades estabelecidas especiais. escolas de música. Gor. e escolas particulares de música estão unidas nas sociedades FRG. organização – a União dos Alemães. escolas de música to-ry desde 1969 começaram a desenvolver programas de treinamento para todas as musas. especialidades. As tarefas do prof. a educação é decidida por conservatórios (em regra, instituições de ensino musical secundárias), escolas superiores de música. processo judicial, música. academias e un-you (os principais arr. musicólogos estudam aqui).

L. Barenboim

Na origem dos EUA M. sobre. associado ao surgimento de numerosas escolas de cantores do século XVIII que preparavam o coro. cantando nas igrejas e na religião. Encontros; os professores geralmente não eram músicos profissionais, mas padres que usavam a experiência do inglês. canto da igreja. Em 18, surgiram os primeiros manuais para tais escolas; seus autores foram o padre J. Tufts e T. Walter. com atividades religiosas. a comunidade dos Moravian Brethren (o assentamento de Bethlehem, perto da Filadélfia, 1721) está associada à primeira experiência de M. o.

Para o início 19 pol. a prática de aulas particulares começou a se desenvolver. Em 1830, amer. iluminador l. Mason insistiu na introdução da obrigatoriedade. aulas de música no currículo escolar. A ausência de musas superiores. três. instituições e a incapacidade de melhorar em casa forçou muitos. amargo. músicos para estudar na Europa (cap. arr. na França e na Alemanha). Mais tarde, em Oberlin (Ohio) foi fundada mus. colégio (1835), no mesmo local – o conservatório (1865), em 1857 – Mus. Academy na Filadélfia, em 1862 – música. pés do Harvard College, em 1867 – Nova Inglaterra. conservatório em Boston, Mus. college em Chicago e o Conservatory em Cincinnati, em 1868 – o Peabody Institute em Baltimore, em 1885 – Nat. conservatório de Nova York, em 1886 – Amer. conservatório de Chicago, em 1896 – música. Faculdade da Universidade de Columbia. Muitas dessas instituições de musas foram criadas à custa de mecenas. Em 1876, a Associação Nacional de Professores de Música (MTNA). Para a configuração de M. sobre. forte influência foi exercida pelo europeu tradicional. sistema educacional (o Conservatório de Paris tornou-se o protótipo de muitos conservatórios americanos, ac. os manuais eram usados ​​principalmente em alemão). Imigrantes de países europeus em con. 19 – implorar. 20 cc deu impulso ao desenvolvimento da Amer. executar. escolas, ou seja porque muitos dos músicos virtuosos que chegaram começaram a ensinar. eu trabalho. Vengerova, E. Levin, E. Zimbalista e outros); novas contas foram criadas. instituições. De particular importância foi a atividade das Juilliard Muses. escolas em Nova York em 1926), a Eastman School of Music em Rochester (1921), o Curtis Institute na Filadélfia (1924), o Conservatório de São Francisco. As musas começaram a ganhar cada vez mais importância. f-você em botas de pele alta. Na década de 1930, devido à expansão do fascismo em vários países europeus, muitos emigraram para os Estados Unidos. músicos de destaque que conectaram suas atividades com o Amer. un-tami (P. Hindemith - com a Universidade de Yale, A. Schoenberg - com a Califórnia em Los Angeles, P. G. Lang – com a Columbia, etc.). Se as primeiras botas de pele nos Estados Unidos se limitavam ao treinamento de professores (intérpretes e compositores geralmente recebiam uma educação conservatória), com o tempo eles começaram a treinar pessoal criativo, bem como musicólogos para conduzir pesquisas musicais. Novas tendências foram desenvolvidas nas universidades do Sul. Califórnia e Indiana, e nas décadas de 1950 e 60. tornaram-se um fenômeno típico para a maioria das universidades dos EUA. Na década de 50 começou a sentir uma carência aguda de professores. quadros. Por sugestão do comp. N. A Fundação Dello Gioio Ford criou o Projeto do moderno. música, segundo Krom, jovens compositores deveriam liderar o processo de M. sobre. nas escolas, o que tornaria o aprendizado mais criativo. Nature. Nos anos 60-70. o princípio da experimentação na encenação musical. três. processo tornou-se diferente. característica do Amer. M. sobre. Inclui o uso de Z. Kodaya, K. Orfa, T. Suzuki, além de experiências com computadores e sintetizadores de som, a criação de ensino superior de jazz. estabelecimentos (Boston, etc.). Em 70-s. música da pré-escola e da escola secundária. a educação nos Estados Unidos é baseada no uso do princípio do jogo de aprendizagem, que inclui canto, rítmico. exercícios, familiaridade com a notação musical, audição de música. No ensino médio (faculdade), as aulas de música geralmente incluem tocar instrumentos; coro comum. conjuntos, grupos de sopro e jazz, sinfonia. orquestras. Sr. As universidades atraem artistas altamente profissionais para trabalhar. conjuntos, bem como compositores sob contrato por um ano ou mais. três.

No Canadá, M. o. tem muito em comum com M. o. nos Estados Unidos. Entre a música especial uch. as maiores instituições são a Academia de Música de Quebec (fundada em 1868), o Conservatório Canadense de Toronto (1870), o conservatório de Montreal (1876), Toronto (1886) e Halifax (1887). Os melhores educadores estão focados na música. botas altas de pele de Toronto, Montreal, etc. Muitas das botas altas de pele têm um coro. e conjuntos de câmara, e alguns – sinfônicos. orquestras.

Na Austrália, escolas de música do tipo mais simples foram criadas no 1º semestre. século 19 Mais tarde, havia musas. faculdade em Adelaide (fundada em 1883; transformada em conservatório), música. uma escola em Melbourne (mais tarde N. Melba Conservatory), um conservatório em Sydney (fundado em 1914), no New South. Wells e outros. No inicio. Música do século 20 criada. f-você em botas de pele de cano alto de Melbourne, Sydney, Adelaide. De con. Na década de 1960, os programas de contabilidade começaram a ser introduzidos modernos. música, novos princípios e métodos de ensino começaram a ser aplicados. O papel principal neste movimento pertence às Canberra Muses. escola, principal em 1965, de acordo com o tipo de Amer. Juilliard School. Os alunos de verão começaram a funcionar. acampamentos (desde meados da década de 1960; Melbourne, Adelaide), nos quais eram realizadas aulas de música, concertos e reuniões com músicos proeminentes. A atividade das Musas australianas é de grande importância. comissão de exame realizando testes anuais em teórico. temas e instrumentos de jogo, a fim de realçar as musas gerais. nível. Em 1967, foi criada a Associação das Regiões de Moscou.

Nos países de Lat. América M. o. desenvolvido aproximadamente da mesma maneira: de prática privada e musas primitivas. escolas para a organização da música. colégios, conservatórios e musas. f-tov em botas de pele de cano alto, e a princípio europeu foi copiado. sistema e apenas na década de 1950. começaram a surgir formas nacionais. Músicos dos países de Lat. Os americanos que estudaram anteriormente na Europa e nos Estados Unidos estão cada vez mais optando por estudar em seu próprio país. Os países líderes no campo da declaração M. sobre. — Argentina, Brasil, México.

Na Argentina, o primeiro musical uch. instituição (Academia de Música) foi inaugurada em 1822 em Buenos Aires, por iniciativa do comp. A. Williams, um conservatório foi criado aqui (1893, mais tarde também nomeado após A. Williams). Mais tarde em Buenos Aires – música. centro da Lat. América, foram fundados mais dois conservatórios – o Nacional com o nome de CL Buchardo (1924) e o Municipal com o nome de M. de Falla. Surgiu toda a música R. 60-70. muito instituições em Córdoba (grupo experimental da Escola de Belas Artes, 1966), Escola Superior de Música de Mendoza, música. f-você no católico. universidades de Buenos Aires e as universidades de La Plata, Música Superior. in-t na Universidade do Litoral em Rosario e outros. Um evento importante foi a criação da Lat.-Amer. centro de música superior. pesquisas em Ying-aqueles T. Di Tellya (1965). A atividade de Argent é de grande importância. Sociedade de Professores de Música (fundada em 1964).

No Brasil, o primeiro musical uch. instituição – Rei. conservatório do Rio de Janeiro (1841, desde 1937 – Escola Nacional de Música). Uma grande contribuição para o desenvolvimento de M. sobre. introduziu Komi. E. Vila Lobos, fundador de várias musas. escolas, bem como o Conservatório Nacional de Coros. canto (1942, principalmente para fins pedagógicos), depois Vraz. academia de música. OL Fernandis (1945, Rio de Janeiro). Para a música mais importante uch. Instituições brasileiras também são donas da Braz. o conservatório do Rio de Janeiro (fundado em 1940), o Conservatório de Teatro e Música de São Paulo (fundado em 1909). Na década de 1960, surgiram novas formas experimentais de M. sobre.: Svobodny mus. seminário na Universidade da Bahia, Cursos de verão em Teresópolis (próximo ao Rio de Janeiro), Mus. Seminário Pro Arte (Rio de Janeiro); música organizada. escolas em Recife, Porto Alegre, Belo Horizonte, etc.

No México, os centros de maior M. o. são mexicanos. nat. conservatório e música. un-ta escola na Cidade do México, bem como música. filial do Instituto Nacional de Belas Artes (Cidade do México), Conservatório de Guadalajara, etc.

Praticamente em todos os países Lat. A América tem as maiores musas. muito instituições (conservatórios ou música. F-você botas de pele alta), to-rye diferem principalmente no nível de configuração de conta. processo, ao invés de programas e métodos de ensino.

OK. Ser. A penetração europeia no século XIX começou. formas M. o. para países asiáticos e africanos. O conceito eurocêntrico, segundo o qual a maioria dos não europeus. civilizações reconhecidas como subdesenvolvidas ou mesmo primitivas, quase completamente negadas nat. valores culturais. Missionários e depois Cristo. organizações religiosas acostumaram os africanos ao católico. ou igreja protestante. cantoria. A administração colonial plantou nas escolas europeias. sistema educacional, incl. e musicais. Mais tarde, muitos músicos talentosos de países asiáticos e africanos começaram a estudar na Grã-Bretanha (Trinity College, onde muitos compositores da África Ocidental receberam sua educação), França, Alemanha e EUA. Em casa, eles cultivaram a Europa Ocidental. música e princípios de ensino. T. o., música. alfabetização e profissionalismo como tal tornaram-se próximos da Europa Ocidental. música educar. qualificação. Tendências positivas em M. sobre. conectado, por um lado, com a iluminação. atividades do departamento de músicos europeus proeminentes na Ásia e na África (por exemplo, A. Schweitzer), por outro lado, com as tentativas de figuras nacionais. culturas para encontrar um compromisso aceitável entre o Oriente. e aplicativo. sistemas (experiências de R. Tagore em Shantiniketon).

O renascimento cultural na maioria dos países da Ásia e da África causou um profundo interesse pelas tradições. formas de ação nacional. Surgiram muitos problemas difíceis: anotar nar. música ou cultivá-la na tradição oral, preservar o folclore inalterado ou desenvolvê-lo, usar a Europa Ocidental. experiência ou não aplicá-la. Uma rede de musas já está se formando em vários países. instituições, programas de treinamento estão sendo desenvolvidos e há especialistas qualificados.

No Japão, o processo de construção de musas. in-tov moderno. tipo começou mais cedo do que em outros países da Ásia e da África – no começo. século 19 Em 1879, os japoneses o governo para a organização do M. sobre. Amer. foi convidado para as escolas do país. músico-educador LW Mason (ele trabalhou lá por três anos; a prática musical escolar no Japão manteve o nome “canções de Mason” por muito tempo). De Ser. Os programas escolares da década de 1970 são desenvolvidos e supervisionados pelo Ministério da Educação. Grande valor em M. sobre as crianças. tinha o método de T. Suzuki, associado ao desenvolvimento das habilidades auditivas por meio do violino. jogos. Entre as instituições superiores do Japão destacam-se: un-you art em Tóquio (antiga Academic School of Music) e Osaka, Mus. Tentsokugakuan Academy (desde 1967), música. Escola da Universidade Kiusu, Chiba, Toyo College.

Na Índia, os centros M. aproximadamente. tornou-se a Academia de Música, Dança e Drama (“Sangeet Natak Academy”, 1953) em Delhi, com filiais em muitas outras. estados do país, música. Faculdade “Carnatic” em Madras, Universidade de Gandharva em Bombaim, Academia de Música em Thiruvananthapuram, música. universidades em Mysore, Varanasi (Benares), Delhi, Patna, Calcutá, Madras e outras cidades. Os melhores mestres do ind. estão envolvidos no ensino. música – ustads que antes atuavam isoladamente e não tinham as condições necessárias para uma sistemática. ensino de jovens (tocar cítara e vinho, arte do ragi, improvisação, etc.). Os programas de treinamento cobrem toda a variedade de ind. música, e também refletem sua conexão com outras artes (dança, teatro). Zap. Sistemas de M. sobre. A Índia não recebeu muito desenvolvimento.

Significa. o sistema de M. sobre passou por transformações. escolas primárias, secundárias e superiores em árabe. países. No Cairo, Egito, um conservatório foi estabelecido em 1959 com aulas teóricas e práticas. f-tami; Desde 1971, a Academia dos Escravos está em funcionamento. música (antiga Escola de Música Oriental, depois, desde 1929, Instituto de Música Árabe), onde se estuda a música tradicional. música e jogo no nat. ferramentas. sobre o desenvolvimento de M. nas escolas contribuiu para a formação do pedagógico. pessoal (Inst. para a formação de professores de música em Zamalek, Cairo). No Iraque, o centro da música era a Academia de Belas Artes com um departamento de música (fundado em 1940, Bagdá), na Argélia – o Instituto Nacional de Música, composto por três departamentos (pesquisa, pedagógico e folclore), etc. dessas instituições educacionais, músicos soviéticos.

No Irã, há o Conservatório Nacional e o Conservatório da Europa. música, principal em 1918 em Teerã, o Conservatório de Tabriz (1956), bem como os departamentos de música das universidades de Teerã e Shiraz. Um estúdio de música para crianças e jovens foi criado na rádio e televisão do Irã.

Na Turquia, maior M. o. concentrado nos conservatórios de Istambul e Ancara.

Processos complexos ocorrem em M. o. países africanos. Os primeiros conservatórios do continente (na Cidade do Cabo, em Joanesburgo, o East African Conservatory em Nairóbi) estão em funcionamento há décadas, mas destinavam-se principalmente a não africanos. Depois de ganhar a independência na maioria dos países da África M. o lago está ativamente inserido. Recebeu desenvolvimento especial em Gana, onde foi criada a Faculdade de Música e Drama na Universidade de Ligon, o Instituto para o Estudo da África (a pesquisa musical é a base de suas atividades), Nat. Academia de Música em Winneba, Instituto Africano de Música em Accra, mus. ft Ying-ta em Cape Coast. Musas. As faculdades de Akropong e Achimota criaram várias. gerações de músicos ganenses.

A música é de grande importância na Nigéria. universidades de Lagos, Ibadan e Ile-Ife, bem como faculdades em Zaria e Onich. Um nível relativamente alto foi alcançado pela produção de o. no Senegal, no Mali (Escola Nacional de Música de Conakry) e na Guiné, os departamentos de música das universidades de Makerere (Uganda), Lusaka (Zâmbia), Dar es Salaam (Tanzânia) começam a desempenhar um papel cada vez mais importante.

Nos conservatórios dos países africanos é estudado principalmente app. música (disciplinas teóricas e instrumentos musicais) e sobre música. f-tah un-tov atenção especial é dada ao nat. música, o Instituto para o Estudo da África está ocupado com o problema de preservar e desenvolver o folclore do continente.

A encenação de M. o. está se tornando cada vez mais importante. no início. e escolas secundárias (em muitos países a música é uma disciplina obrigatória). A tarefa mais importante é a transmissão das tradições. herança, mas seus métodos permanecem basicamente os mesmos de séculos atrás.

problema de M. sobre. – uma das principais na preservação e desenvolvimento das antigas culturas da Ásia e da África, portanto UNESCO, Intern. Conselho de Música, Sociedade Internacional de Professores de Música e outros dão atenção especial a ele.

Estão a ser desenvolvidos programas que têm em conta as especificidades e o grau de desenvolvimento da M. o. neste país, são utilizados novos métodos de ensino, às vezes experimentais (por exemplo, de acordo com os sistemas de Z. Kodaly e K. Orff), são realizadas conferências, congressos e seminários, assessoria e intercâmbio de pessoal.

JK Mikhailov.

A educação musical no período pré-revolucionário. Rússia e URSS. Sobre M. o. no Dr. Pouca informação foi preservada na Rússia. Na pedagogia que se desenvolveu entre o povo, junto com provérbios, ditados, contos de fadas e canções, o sincretismo também desempenhou um papel importante. (incluindo música) arte. ações, nas quais se refletiu uma mistura de outras linguagens. e rituais cristãos. Em Nar. do ambiente nasceu uma espécie de bufão – um “ator” multilateral profissional, habilidades to-rogo foram adquiridas no processo de formação familiar ou oficinal. De geração em geração, a música poética também foi transmitida. tradições de compositores de cantos de glória heróica. O ensino sistemático de música (mais precisamente, canto religioso) ocorreu tanto em escolas estabelecidas em igrejas e mosteiros, onde eram treinados o clero e as pessoas alfabetizadas necessárias ao Estado, quanto diretamente em coros de templos, que não eram apenas grupos performáticos, mas também escolas de canto. . Cantores e cantores de igreja foram criados nessas escolas (ver canto Znamenny).

Durante o período de isolamento feudal das terras russas, as capitais dos principados específicos – Vladimir, Novgorod, Suzdal, Pskov, Polotsk, etc. – tornaram-se os centros da igreja. Poção. culturas e aqui desenvolveram seus cantores locais. escolas que se baseavam nos princípios gerais do canto znamenny, mas introduziram nele certas características peculiares. As informações sobre um dos melhores e mais antigos cantores foram preservadas. escolas do século 12, estabelecidas por Andrey Bogolyubsky em Vladimir. Um pouco mais tarde, o papel principal na igreja. Novgorod começou a tocar cantando e ensinando esta arte, que por muitos anos manteve sua posição de liderança. Cantor de Novgorod. A escola preparou figuras marcantes da música. cultura da época – intérpretes, compositores de música, teóricos e professores. Durante o período de organização de uma Rus centralizada. state-va, chefiado por Moscou nat. cantor. a escola absorveu as conquistas de muitas escolas locais e, principalmente, de Novgorod. Dois novgorodianos - irmãos S. e B. Rogovyh, a atividade to-rykh pertence ao meio. século 16, considerados os fundadores de Moscou. escolas da igreja. cantando. Savva Rogov desfrutou de fama especial como professora. Seus alunos famosos - Fedor Krestyanin (mais tarde um professor famoso) e Ivan, o Nariz, foram levados por Ivan, o Terrível, como cortesão. mestres do canto em Moscou. As tradições da escola de Novgorod também foram desenvolvidas pelo terceiro ilustre aluno de Rogov – Stefan Golysh, musical e pedagógico. atividade to-rogo ocorreu nos Urais na posse dos mercadores Stroganov. Distribuição e desenvolvimento do canto. a cultura foi promovida pelo decreto da “Catedral Stoglavy” (Moscou, 1551), que tornou necessário que padres e diáconos criassem Moscou em casa em todas as cidades. Escolas na Rússia para ensinar as crianças não apenas a ler e escrever, mas também a “cantar o saltério da igreja”. A criação dessas escolas pretendia substituir a educação dos chamados. mestres da alfabetização (escriturários e “pessoas mundanas” que se dedicavam ao departamento infantil lendo, escrevendo, rezando e cantando) e ampliando a rede de uch. instituições que existiram nos séculos XIV-XV. em algumas cidades o dr. Rússia. Mestres da igreja. cânticos, que faziam parte do advento. hora (criado em con. XV), eram muitas vezes enviadas para outras cidades, mosteiros e igrejas para elevar o nível do coro. desempenho. O mais simples musical-teórico. cantores serviram como ajudantes. alfabetos (incluídos em decomp. coleções dos séculos XV-XVII, ver Alfabeto musical), em que um breve conjunto e esboços de sinais da letra gancho foram dados. Aprovação do novo, muitas metas. estilo coro. cantando (cfr. Partes cantando) e a substituição relacionada da escrita znamenny pela notação de 5 linhas no 2º andar. 17 dentro revolucionou a maneira como a música é ensinada. Sistemático. um conjunto de regras para o canto a partes é dado no tratado de N. AP Diletsky “Gramática Musical”, destinado à formação de cantores e compositores. Ao contrário dos famosos “alfabetos”, baseados em elementos puramente empíricos. princípio, o trabalho de Diletsky é caracterizado por racionalista. orientação, o desejo não apenas de enunciar as regras, mas também de explicá-las. Um tipo especial de abonos de conta, que gozava de uma distribuição bem conhecida em con. XVII, representam os chamados. sinais duplos, contendo uma apresentação paralela de melodias em znamenny e notação 5-linear. A “Chave do Entendimento” de Tikhon Makarievsky pertence a esse tipo. Com cavalo. século 15, quando em Moscou. Rus começou a convidar músicos estrangeiros, começou o envolvimento do russo. sabe em instr.

No sudoeste da Rússia, que fazia parte dos séculos 16-17. em estrutura do estado-va polonês-lituano, o valor conhecido na distribuição de M. sobre. tinha escolas ditas fraternas, religiosas e educativas estabelecidas. organizações e serviu como um reduto do russo, ucraniano. e bielorrusso., a população contra o nat. opressão e conversão ao catolicismo. Seguindo a escola Lvov (fundada em 1586), aprox. 20 escolas fraternas. Nestes avançados para sua conta de tempo. instituições (muitos princípios pedagógicos dessas escolas foram posteriormente refletidos na “Grande Didática” de Ya. A. Comenius) ensinavam canto e disciplinas do quadrivium, que incluíam música. Com base na escola fraterna de Kiev (fundada em 1632) e na escola de Kiev-Pechersk Lavra (fundada em 1615) que se fundiram em 1631, foi estabelecida a primeira escola ucraniana. instituição de ensino superior – o colégio Kiev-Mohyla (desde 1701 – a academia), na qual, junto com outras disciplinas, também se estudava música. Em Moscou, no modelo do Kyiv Collegium, em 1687, o Slavic-Greek-Lat foi inaugurado. academia, onde a igreja também era ensinada. canto e as “sete artes livres”.

No século XVIII, sob a influência das reformas de Pedro I, to-rye contribuiu para a inclusão do país no curso geral do desenvolvimento da Europa. civilização, conteúdo e organização de M. o. criaturas suportadas. alterar. Libertação da cultura musical da tutela eclesiástica, estreitamento do papel da música de culto, a crescente produção musical secular (orquestras e coros militares nas ruas e praças, dança e música de mesa em “assembléias”, apresentações musicais e teatrais , o surgimento do fim da vida) e, finalmente , o desejo crescente de fazer música amadora em uma sociedade nobre - tudo isso afetou o caráter de M. o. Revela várias tendências: a mais importante é começar a adquirir música. educação na educação secular, e não apenas na educação espiritual. in-tah; na vida dif. mestres espirituais. instituições penetram instr secular. música; M. o., especialmente no 2º andar. XVIII, dirigida não só às necessidades da corte. e, em parte, a igreja. vida cotidiana, mas também para atender às necessidades de sociedades muito mais amplas. círculos. A necessidade de músicos praticantes e a necessidade de um Mo geral ao longo do século XVII. aumentou cada vez mais. Musas. a educação da nobreza foi realizada por Ch. arr. maestros visitantes, spallas de orquestras e clavieiros, entre os quais mestres maiores. A formação de músicos profissionais era realizada com mais frequência em instituições de ensino, que podem ser condicionalmente divididas em dois tipos. Alguns estabelecem a tarefa de treinar músicos profissionais, cap. arr. orquestradores e cantores. Mesmo no início do século 18 em Moscou, e depois em São Petersburgo. Petersburgo, músicos militares dispensados ​​​​do exterior e servindo no tribunal. orquestras foram ensinadas a tocar sopro (metal e madeira) e percussão. instrumentos de jovens, selecionados da composição do adv. coristas. Em 1740, no Advento. capela (transferida para St. Petersburg em 1713), que por mais de dois séculos criou coristas qualificados, um coro. maestros, e no departamento de casos e compositores (D. S. Bortyansky, M. S. Berezovsky), foram estabelecidos sob a direção de. regente Orquestra I. Aulas de Gyubner aprendendo a jogar o orc. ferramentas. Anteriormente, em 1738, uma escola de canto e instrumentação foi aberta em Glukhov, na Ucrânia. música (tocar violino, harpa e bandura); aqui em mãos. um regente especial recebeu a inicial M. o. principalmente o futuro adv. coristas. Entre outros afins. estabelecimentos – S. Petersburgo. teatro. escola (fundada em 1738, mas finalmente formada em 1783), na qual ensinavam não apenas apresentações teatrais, mas também música. arte-wu e música. aulas da Academia de Letras. inaugurado na década de 1760. e existiu durante várias décadas (entre os alunos – comp. B. I. Fomina). Sobre a atenção, que foi dada no século XVIII. organizações prof. M. o., testemunhar aos governos. decretos (não cumpridos) sobre o estabelecimento da Música Ekaterinoslav.

Em conta. instituições de outro tipo, um aspecto importante da educação da nobreza, e em parte do raznochin, a juventude é a filologia geral. A primeira escola secular, no programa de um enxame desde a década de 1730. incluía aulas sistemáticas de música, era o Cadet Corps (então a nobreza da terra). Devido à necessidade prática de muitas dessas instituições, muitas vezes treinavam músicos profissionais. Para tais alunos, as instituições devem ser destinadas à música. turmas estabelecidas no 1º andar. XVIII no ginásio da Academia das Ciências, no 18.º andar. século 2 - em Moscou. un-aqueles (ginásios nobres e raznochinny e o Noble Boarding School nos un-aqueles), no Instituto Smolny para Nobres Donzelas e o “departamento pequeno-burguês” com ele, em Moscou. e Petersburgo. educar. casas, no ginásio Kazan, subordinado a Moscou. un-tu, e em vários ginásios em outras províncias. Aulas de música em muitas dessas escolas. os estabelecimentos estavam em grande altura (eram liderados por músicos proeminentes, muitas vezes estrangeiros). Assim, os alunos do Instituto Smolny (o sistema de educação musical que se desenvolveu nele foi posteriormente transferido para outras instituições educacionais de classe nobre de tipo semelhante) foram treinados não apenas na execução (tocar harpa, piano, canto), mas também teoria musical e, em alguns casos, composição. No futuro, alguns dos alunos dos nobres empobrecidos começaram a se preparar para o musical e pedagógico. Atividades. Devido ao fato de que em muitas propriedades de proprietários e montanhas. casas nobres coros de servos organizados, instr. (incluindo trompa) conjuntos e orquestras, assim como t-ry, tornou-se necessário treinar músicos de servos. Foi realizado tanto em casa (músicos estrangeiros, que foram convidados para as quintas), como em especial. escolas de música para servos, criadas nas cidades. Aparentemente, as primeiras escolas desse tipo começaram a funcionar na década de 18. Aqui eles ensinaram a cantar, tocando o orc. e teclados, bem como baixo geral e composição musical. Às vezes, para preparar o repertório necessário, músicos servos eram enviados a essas escolas em grupos inteiros.

Nas aulas pedagógicas do último quartel do século XVIII. (especialmente depois que a coleção de canções folclóricas de V. Trutovsky, 18-1776, e I. Prach, 95 saiu de catálogo), o russo começou a desempenhar um papel cada vez mais importante. nar. canto e dança (no original, arranjos e transcrições). distribuição de M. sobre. em diferentes camadas da sociedade russa criou a necessidade de publicar práticas. muito subsídios (primeiro transferível). Um dos primeiros manuais que desempenhou um papel importante na história do russo. M. o., era a “Escola do Cravo, ou Indicação Breve e Sólida para a Concórdia e a Melodia” de GS Lelein (1790-1773), que se baseava na prática do cravo, continha provisões gerais da teoria da composição e se distinguia por um bom -iluminação conhecida. latitude. No início. Surgiram traduções do século 74 de algumas outras músicas. livros didáticos (por exemplo, L. Mozart – “A Escola Fundamental de Violino”, 19; V. Manfredini – “Regras harmônicas e melódicas para o ensino de toda música”, traduzido por SA Degtyarev, 1804), bem como uma escola doméstica de piano. I. Pracha (1805).

Até os anos 60. século 19 no sistema russo. professora. M. o. não houve mudanças fundamentais, embora aumentasse a necessidade de músicos de várias especialidades e se exigissem cada vez mais a qualidade da sua formação. Nas escolas de teatro de St. Em São Petersburgo e Moscou, não apenas atores dramáticos foram treinados, mas também cantores e membros de orquestra para casas de ópera e no início. As classes musicais “superiores” do século XIX foram estabelecidas para aqueles que eram especialmente bem-sucedidos. Esses afins. estabelecimentos, bem como Pridv. chanter a capela eram os únicos governos. in-tami, que tinha como missão a formação de músicos profissionais. M. o. ampliado na capela: em con. 1830 aulas de orc foram abertas. instrumentos, e um pouco mais tarde, as aulas de fp. e ensaios. No início. 2.º quartel do século XIX as escolas de música para servos perderam a sua antiga importância e gradualmente deixaram de existir. papel importante na divulgação da música. culturas (em parte na formação de músicos profissionais) ainda eram tocadas por uch médio e superior. instituições, nas quais havia musas. aulas, – ginásios, botas altas de pele (Moscou, St. Petersburg, Kazan, Kharkov), Mining in-t, Uch-sche jurisprudência, mulheres fechadas em você. Nesses institutos femininos, apesar de várias deficiências na organização do MO, formou-se um sistema de ensino (que incluía tocar instrumento, música de conjunto, solfejo, harmonia e prática pedagógica), que mais tarde se tornou a base do ensino. plano de conservatórios e professores de institutos femininos prepararam trabalhos sérios sobre questões musicais. (CH. arr. fp.) pedagogia. Especialista. música privada. havia muito poucas escolas (uma delas foi aberta pelo DN Kashin em 1840 em Moscou) e música caseira. treinamento continuou a ser altamente eficaz. Aulas particulares foram dadas por estrangeiros que vincularam seu destino ao russo. cultura musical (I. Gesler, J. Campo, A Henselt, L. Maurer, K. Schubert, A. Villuan), rus. compositores (A. L. Gurilev, A. E. Varlamov e outros), instrumentistas e compositores (A. O. Sikhra, D. N. Kashin, N. Sim, Afanasiev e outros), e nos anos 50 . jovem A. G. e n. G. Rubinstein e M. A. Balakirev. As aulas em casa costumavam limitar-se à prática de tocar algum instrumento ou cantar; teórico-musical. e histórico-musical. os alunos geralmente não recebiam educação. Reabasteça essas criaturas. lacuna apenas em uma extensão muito pequena poderia público. palestras, to-rye organizadas com con. 1830 cap. arr. Em Petersburgo. Surgindo nestes anos planos para a organização de especial. música u.u instituições testemunharam a necessidade urgente de um M. o. Um desses planos pertencia ao maestro Moscou. Grande Tesoureiro F. Scholz, que apresentou em 1819 um projeto para o estabelecimento das Musas em Moscou. conservatório. O projeto não foi concretizado, Scholz só conseguiu em 1830, pouco antes de sua morte, permissão para organizar o ensino gratuito de contrabaixo geral e composição em sua casa. O autor de outro projeto não realizado foi A. G. Rubinshtein, que propôs em 1852 abrir em St. Petersburgo na Academia de Artes das Musas.

No início da década de 1860, a cultura do gelo russa “ameaçava uma lacuna entre a intelectualidade composicional, lutando para conquistar as alturas da arte, e os ouvintes do ambiente da democracia russa, que eram muito heterogêneos em seus gostos” (B. NO. Asafiev, “Havia três deles…”, Sáb. “Música Soviética”, vol. 2, 1944, pág. 5-6). Somente uma extensa preparação das pátrias poderia ajudar a causa. artistas, professores e compositores, to-rye seriam capazes de elevar ainda mais o nível do russo. vida no gelo não apenas em Moscou e São Petersburgo. Petersburgo, mas em todo o país. Nesse período, a atividade de A. G. Rubinstein e seus associados, que começaram a se organizar sob os auspícios da Rus. gelo ob-va (inaugurado em 1859) o primeiro russo. conservatório. Essa atividade ocorreu em condições difíceis: em confrontos com a fronteira. reacionário. círculos e em clima de debate acalorado com aqueles que temiam o “academismo sem nacionalismo” criado pelo prof. três. instituições. Estabelecido sob Rus. gelo ob-ve em 1860 mus. aulas (canto, piano, violino, violoncelo, teoria elementar, coro. canto e ensaio prático) serviu de base para a descoberta em 1862 de St. Petersburgo. conservatório (até 1866 chamava-se Mus. professor) dirigido por A. G. Rubinstein. No mesmo ano, em oposição ao conservatório M. A. Balakirev e G. Ya Lomakin fundada em St. Música livre de São Petersburgo. escola, uma das tarefas das quais era dar um general M. sobre. (informações teórico-musicais elementares, capacidade de cantar em coro e tocar em orquestra, etc.) para os amantes da música. Em 1866, também com base nas musas previamente organizadas (em 1860). classes, o Moscou foi estabelecido. conservatório, cujo diretor foi o iniciador de sua criação, N. G. Rubinstein. Ambos os conservatórios desempenharam um papel importante no desenvolvimento do russo. professora. M. sobre. e ganharam reconhecimento mundial principalmente porque foram ensinados por músicos excepcionais: em St. Petersburgo – A. G. Rubinstein (entre seus alunos da primeira graduação estava P. E. Tchaikovski), F. O. Leshetitsky (desde 1862), L. C. Auer (desde 1868), N. A. Rimsky-Korsakov (desde 1871), A. PARA. Lyadov (desde 1878), F. M. Blumenfeld (desde 1885), A. N. Esipova (desde 1893), A. PARA. Glazunov (desde 1899), L. NO. Nikolaev (de 1909) e outros; em Moscou – N. G. Rubinstein, P. E. Tchaikovsky (desde 1866), S. E. Taneev (desde 1878), V. E. Safonov (desde 1885), A. N. Scriabin (desde 1898), K. N. Igumnov (desde 1899), A. B. Goldenweiser (desde 1906), N. PARA. Mettner (desde 1909) e outros. Ao longo das décadas, a estrutura dos conservatórios que formavam músicos em todas as especialidades mudou, mas suas seguintes características permaneceram constantes: a divisão em dois departamentos – o inferior (os alunos eram aceitos ainda na infância) e o superior; “aulas científicas” (serviam para melhorar a educação geral. nível do aluno); premiação aos alunos que concluíram o curso completo do conservatório e foram aprovados no especial. exames finais, um diploma de “artista livre” (até a década de 1860. Este título foi recebido apenas por graduados da Academia de Artes). Os conservatórios contribuíram para a formação do russo. executar. e escolas de compositores. Verdade, pátria. vok. A escola foi formada muito antes sob a influência imediata de M. E. Glinka e A. C. Dargomyzhsky, que ensinou o departamento. alunos não apenas os princípios gerais da música. performance, mas também o cantor. habilidade; um dos que nutriram os compositores da nova escola russa foi M. A. Balakirev, que instruiu jovens músicos no espírito dos preceitos de Glinka. Um escopo incomparavelmente mais amplo é adquirir as atividades dos fundadores das escolas que se desenvolveram nos conservatórios. Os fundadores dos dois maiores russos. escolas de compositores tornaram-se: em St. Petersburgo – n. A. Rimsky-Korsakov, em Moscou – P. E. Chaikovski. No 2º tempo. 19 e início de 20 cc número de gelo russo três. estabelecimentos aumentou gradualmente. Filiais locais Rus. gelo sobre-va abriu musas. escola em Kiev (1863), Kazan (1864), Saratov (1865), e mais tarde em outros. cidades do país. Posteriormente, as escolas de Saratov (1912), Kiev e Odessa (1913) foram reorganizadas em conservatório. Em 1865, o capítulo foi estabelecido. diretoria Rus. gelo sobre-va, para o qual o enxame passou “todos os deveres e preocupações sobre o desenvolvimento de Mo na Rússia". O objetivo da organização dessa diretoria, que era chefiada por um dos membros da família real, era garantir o governo, sem liderar oficialmente as musas. três. instituições, tiveram a oportunidade de controlar seus negócios e interferir em seu trabalho a partir de uma posição de casta de classe. Em 1883, o Musical Drama Theatre foi inaugurado no conservatório npiB-ax. escola perto de Moscou. Filarmônica. cerca de cinco. Em 1887 A. G. Rubinstein com o projeto de música infantil universal. educação, propondo introduzir nas séries iniciais todo o artesanato e beliches. escola, ginásios clássicos e reais, corpo de cadetes coro obrigatório. canto, solfejo e teoria musical elementar. Este projeto utópico para aqueles anos foi realizado apenas em algumas áreas privilegiadas. estabelecimentos. Significa papel no desenvolvimento do russo. M. sobre. tocada por muitos músicos privados. escolas abertas em con. 19 – implorar. 20cc em S. Petersburgo (música-drama. cursos E. AP Rapgofa, 1882; Musas. aulas I. A. Glisser, 1886; Especialista. escola fp. jogos e cursos de pianistas-metodologistas S. F. Schlesinger, 1887), Moscou (música. escola B. Yu Zograf-Plaksina, 1891; irmãs Ev. F., Elena F. Gnesins, 1895; NO. A. Selivanova, 1903), Kiev, Odessa, Kharkov, Rostov-on-Don, Tbilisi, etc. cidades. Conservatórios, uch-shcha e musas. escolas pré-revolucionárias na Rússia existiam principalmente devido às mensalidades relativamente altas e, portanto, M. sobre. somente filhos de pais ricos ou alunos superdotados sustentados por patronos ou, como exceção, isentos de mensalidades poderiam receber. A fim de anexar à música. cultura da população em geral, músicos progressistas con. 19 – implorar. 20 séculos, de certa forma continuando a tradição da música livre. escolas, começaram a criar uch. estabelecimentos (alguns eram chamados de Nar. conservatórios), onde foi possível receber M. sobre. grátis ou por uma pequena taxa. Em St. Petersburg, essas escolas incluíam: Música Pública. turma Pedagoga. o museu (bass. em 1881), que serviu de base para pesquisas no campo da música infantil. pedagogia; Música infantil gratuita. educá-los. Glinka, organizado em 1906 por iniciativa de M. A. Balakireva e S. M. Lyapunova; Conservatório de nome, que foi inaugurado em 1906 por N. A. Rimsky-Korsakov, A. PARA. Liadov A. NO. Verzhbilovich e L. C. Auer (os graduados receberam a qualificação de Nar. professores de música e canto). Uma das instituições mais eficazes e autorizadas desse tipo foi o Nar. conservatório de Moscou em 1906), os músicos mais proeminentes participaram do estabelecimento e atividades do enxame – S. E. Tanevev, E. E. Lineva, B. L. Yavorsky, N.

Outubro A revolução trouxe mudanças radicais na organização e encenação de M. sobre. Orientação e cuidado financeiro das musas. três. instituições foram assumidas pelo estado (Decreto do Conselho do Nar. Comissários sobre a transferência de todas as contas. estabelecimentos em Vedepie Nar. do Comissariado de Educação de 5 de julho de 1918), abrindo caminho para a ampla divulgação do general M. sobre., proporcionando aos alunos prof. três. instituições de ensino gratuito e bolsas de estudo. Isso abriu o acesso à educação para jovens trabalhadores, incl. e representantes de nacionalidades culturalmente atrasadas. Entre governos. eventos que contribuíram para a atração pela música superior. escola de trabalhadores e camponeses, eram a organização dos chamados. Artes Unidas. faculdade dos trabalhadores, a transferência de sua música. departamento (estabelecido em 1923) sob a autoridade de Moscou. conservatório (1927) e depois a abertura de escolas operárias em Moscou. (1929) e Leningrado. (1931) conservatórios. Nos primeiros anos pós-revolucionários, os princípios gerais que formaram a base da reestruturação do M. sobre. O mais significativo deles: 1) a proclamação da obrigatoriedade da música universal. educação (decreto das Musas. Departamento de Narkomiros sobre o ensino de canto e música em uma escola unificada de trabalho, até 19 out. 1918) e o reconhecimento da grande importância do general M. sobre. tanto para elevar a cultura do povo, quanto para identificar pessoas musicalmente capazes adequadas para o prof. lições de música; 2) uma compreensão da necessidade de formar músicos que tenham uma especialização bem definida (executar, compor, ensinar, iluminismo, musicologia) e ao mesmo tempo possuir uma ampla gama de conhecimentos em sua especialidade, em disciplinas e sociedades afins. disciplinas; 3) consciência do enorme papel da produção. práticas no uch. instituição e além (isso levou à organização de estúdios de ópera nos conservatórios; o primeiro deles foi inaugurado em 1923 em Petrogrado. conservatório); 4) estabelecendo a exigência de que um músico de qualquer profissão pudesse combinar seu prof. atividades educacionais. Para a formação do sistema de corujas. M. sobre. papel especialmente importante foi desempenhado por organizacional e metódico. pesquisas no período 1917-27. Crucial para o desenvolvimento do prof. M. sobre. foram assinados B. E. Decreto Lênin do Conselho do Povo. Komissarov datado de 12 de julho de 1918 na transição de Petrogrado. e Mosco. conservatórios “sob a jurisdição do Comissariado do Povo para a Educação em pé de igualdade com todas as instituições de ensino superior com a eliminação da dependência da Sociedade Musical Russa”, bem como resoluções subsequentes do mesmo ano, que anunciaram provinciais e municipais. três. estabelecimentos Rus. gelo sobre-va estado. No final da primeira e no início da segunda década do século XX. música em destaque. público – questões do general M. sobre. e a esse respeito o trabalho é massivamente esclarecedor. escolas que abriram em Petrogrado, Moscou, etc. cidades. As escolas tinham nomes diferentes: Nar. escolas de gelo, educação em escolas de música, nar. conservatório, educação geral de cursos de música folclórica, etc. No trabalho dessas instituições que colocaram metódico. o básico das corujas. geral m. o., músicos proeminentes participaram: em Petrogrado – B. NO. Asafiev, M. H. Barinova, S. L. Ginzburgo, N. L. Grodzenskaia, W. G. Karatygin, L. NO. Nikolaev, V. NO. Sofronitsky e outros; em Moscou – A. NO. Aleksandrov, N. Ya Bryusova A. F. Gedike, A. D. Kastalsky, W. N. Shatskaya e outros. No estágio inicial de desenvolvimento das corujas. M. sobre. seus organizadores enfrentaram uma série de dificuldades. As raízes de alguns foram para o pré-revolucionário. formação prática musical, quando não era diferenciada a formação de futuros profissionais e amadores, M. sobre. não foi dividido em etapas dependendo da idade dos alunos. Dra. as dificuldades foram causadas pelo surgimento, muitas vezes espontâneo (especialmente em 1918-20), de muitas musas diversas. três. estabelecimentos de tipo especial e geral. Chamavam-se escolas, cursos, ateliês, círculos, escolas técnicas e mesmo conservatórios e institutos, não tinham um perfil claro e não podiam ser atribuídos com suficiente certeza ao ensino primário, secundário ou superior. instituições. Paralelismo no trabalho desses relatos. instituições começaram a desacelerar o desenvolvimento de M. sobre. A primeira e ainda muito imperfeita tentativa de criar um sistema harmonioso de M. sobre. foi realizado em 1919 nas “Disposições Básicas da Universidade Estadual de Música” (esse nome significava toda a rede de escolas especiais). e geral m. sobre. do básico ao avançado). Seguindo o pensamento de A. NO. Lunacharsky que todo o sistema de educação geral, do jardim de infância à universidade, deveria ser "uma escola, uma escada contínua", os compiladores das "Provisões Básicas ..." subdividiram o especial. gelo três. instituições em três níveis de acordo com o nível de música. conhecimentos e habilidades dos alunos. No entanto, eles não podiam dividir as tarefas de educação, educação e esclarecimento, nem estabelecer os limites de idade para a educação nos três níveis da “Universidade da Música”. Mais trabalho sobre a tipificação da música. três. instituições e atualizando seus programas, dos quais participaram as corujas mais destacadas. músicos associados às atividades de B. L. Yavorsky, que desde 1921 chefiou o Mus. Departamento da Direção Geral de Educação Profissional. Para a reestruturação subsequente M. sobre. seu relatório “Sobre os princípios da construção de currículos e programas em uma escola profissional de música” (lido em 2 de maio de 1921) teve um impacto sério, no qual, em particular, pela primeira vez na música. pedagogia do século 20, a tese foi defendida com tanta perseverança: “o elemento da criatividade deve ser incluído nos programas de todos os cursos” realizados no ensino. instituições a vários níveis. Aproximadamente em 1922, foi delineada uma tendência característica, que continuou a afetar nos anos seguintes - cada vez mais atenção é dada às questões do prof. M. sobre. e especificação disciplinas (tocar instrumentos, cantar). A organização das primeiras musas secundárias especializadas também pertence a esta época. escolas – música. escolas técnicas, na década de 30. renomeado para escola. Para o 2º andar. 20 uma certa estrutura se desenvolveu. o., preservado por vários anos: 1) inicial M. sobre. na forma de dois tipos de escolas – 4º ciclo de 1 anos (para crianças), que funcionavam em paralelo com a escola do trabalho e eram independentes. três. instituições, ou os primeiros elos das musas. escolas técnicas e cursos de M. sobre. para adultos que só tinham música – iluminar. tarefas; 2) prof médio. M. sobre. – escolas técnicas (executivas e instrutor-pedagógicas); 3) superior – conservatório. Em conexão com a reforma sobre. em 1926, o Centro foi organizado em Leningrado. escola técnica de gelo, em cujo trabalho se refletiu uma nova criatividade. tendências e pesquisas em música. pedagogia, que teve um sério impacto no desenvolvimento posterior das corujas. M. sobre. Entre os professores da escola técnica, destacavam-se os leningrados. músicos. Na história do M. sobre. um marco importante foi o documento Nar. Comissariado de Educação, preparado com base nos relatórios das figuras mais proeminentes da cultura musical soviética A. B. Goldenweiser, M. F. Gnesina, M. NO. Ivanov-Boretsky, L. NO. Nikolaev A. NO. Ossovsky e outros, – “Regulamentos sobre os Conservatórios de Moscou e Leningrado” (1925). Este documento acabou por legitimar a pertença dos conservatórios ao escalão máximo de M. o., foi estabelecida a sua estrutura (compositor-científico, performático e instrutor-pedagógico. f-you), o perfil dos graduados e os termos de treinamento foram determinados, o instituto de alunos de pós-graduação foi estabelecido. Com senhor. Os musicólogos dos anos 20 também começaram a ser formados em conservatórios (antes, antes da revolução, não havia nenhuma instituição que formasse tais especialistas). No entanto, o início da musicologia superior. educação no país soviético – 1920, quando em Petrogrado, no Instituto de História da Arte, foi aberta a Faculdade de História da Música (existiu até 1929 na forma de Cursos de Formação de Especialistas em História da Arte). Em 1927, o ordenamento da estrutura geral das corujas. M. sobre. foi em grande parte concluída, embora tenha sofrido alterações posteriores. Então, musas de 4 anos. as escolas foram convertidas em escolas de 7 anos (em 1933) e escolas de música foram estabelecidas em vários conservatórios. escolas de dez anos, o sistema de faculdades dos conservatórios foi ampliado (de ser. 30s), organizado por musical e pedagógico. in-you (a primeira foi inaugurada em 1944 Muz.-Pedagógica.

K ser. Sistema de organização dos anos 70 M. sobre. na URSS há um traço. caminho. O nível mais baixo é a música infantil de 7 anos. escolas (extra 8ª série – para quem está se preparando para entrar na música. uch-sche), cujo objetivo é dar uma visão geral de M. sobre. e identificar os alunos mais capazes que desejam ser especiais. M. sobre. As disciplinas aqui estudadas incluem: tocar um instrumento (fp., arco, sopro, folk), solfejo, música. diploma e teoria, coro. canto e conjuntos. Para o nível mais baixo do general M. sobre. há também escolas noturnas para adolescentes e jovens. Para o estágio intermediário M. sobre. incluem 4 anos uch. instituições: escola de música, na qual formam músicos profissionais de média qualificação (instrumentistas, cantores, maestros, teóricos) para atuar em orquestras, corais e lecionar em música infantil. escolas (os mais talentosos, após se formarem na escola, ingressam no concurso do ensino superior. estabelecimentos); musical-pedagógico. uch-scha, formando professores de música para educação geral. escolas e líderes de jardim de infância de música. Em certos conservatórios e institutos, há especiais de 11 anos. escolas de gelo onde os alunos, preparando-se para a admissão à música. universidades recebem M. sobre. e ao mesmo tempo. fazer um curso de educação geral. Ensino Médio. O mais alto nível M. sobre. inclui: conservatórios, musical-pedagógicos. em-você e em-você art-in (com a faculdade de música); sua duração de treinamento é de 5 anos. Aqui são treinados especialistas da mais alta qualificação – compositores, instrumentistas, cantores, sinfonistas, ópera e coros. maestros, musicólogos e diretores musicais. t-ditch O mais alto nível também são musicais e pedagógicos. f-você em pedagógico. in-tah; os futuros professores de música da mais alta qualificação (metodologistas) são treinados aqui para a educação geral. escolas e professores de música e pedagogia. disciplinas para pedagogia. universidade Na maioria das escolas de música e universidades têm departamentos noturnos e por correspondência, onde os alunos recebem educação sem parar de trabalhar. Com muitas musas. universidades e n.-e. são organizados estudos de pós-graduação in-ta (com 3 anos em tempo integral e 4 anos em departamentos de correspondência), destinados à preparação de trabalhos científicos. trabalhadores e professores de universidades sobre a história e teoria da música e performance. processo judicial, música. estética, métodos de ensino de música. disciplinas. Formação de professores-compositores e professores-intérpretes de música. instituições de ensino superior é realizado em um estágio de assistente organizado nos principais conservatórios e institutos (curso de estudo 2 em tempo integral, curso por correspondência - 3 anos). Divulgação recebida de cursos para formação avançada de professores de música. escolas, uch-shch e escolas secundárias em média autoritária e musas superiores. três. estabelecimentos. Muita atenção é dada ao estabelecimento de vários tipos de musas. escolas nas repúblicas nacionais. Na RSFSR, Bielo-Rússia e Ucrânia, nas repúblicas do Báltico e da Transcaucásia, bem como nas SSRs do Cazaquistão, Quirguistão, Tadjique, Turcomenistão e Uzbeque, que estavam na pré-revolução. áreas atrasadas do tempo, criou uma grande rede de musas. três. instituições. Em 1975, havia 5234 instituições de música infantil na URSS. escolas, 231 música. universidade, 10 universidade de isk-v, 12 professor de música. escola, 2 música. escola coreográfica, 20 conservatórios, 8 institutos de artes, 3 musicais e pedagógicos. in-ta, 48 música. f-tov e pedagógico. em-tah. Conquistas m. sobre. na URSS também se devem ao fato de que pedagógico. o trabalho nas universidades de música foi e é liderado pelos mais proeminentes compositores, intérpretes, musicólogos e metodólogos. Desde 1920-s. em universidades de gelo de corujas começou um sério n.-e. e metodologista. trabalho, o que levou a uma revisão com base nas disposições do marxismo-leninismo, o conteúdo e os métodos de ensino tradicionais para pré-revolucionários. conservatório de teoria musical e histórico musical. itens, bem como a criação de novas contas. disciplinas. Em particular, cursos especiais de história e teoria da execução, bem como métodos de ensino para tocar diferentes instrumentos. A estreita relação da pedagogia com a científica. a pesquisa contribuiu para a criação de meios. número de livros didáticos e tal. benefícios para disciplinas básicas incluídas nos planos coruja.

Em outros países socialistas onde M. o. é estatal, sua estrutura geral (a divisão das instituições de ensino musical em 3 níveis – primário, secundário e superior) é em geral semelhante à adotada na URSS (embora em alguns desses países os musicólogos não sejam formados em educação musical. instituições, mas com botas de pele de cano alto). Ao mesmo tempo em cada país na organização do M. aproximadamente. existem alguns específicos. devido às peculiaridades do seu nacional. cultura.

Na Hungria, onde M. o. baseado na mesma metodologia. princípios de B. Bartok e Z. Kodály, e onde o estudo dos húngaros ocupa um lugar enorme em todos os níveis. nar. música e fazer um curso de solfejo com base na solmização relativa, o esquema para a construção da educação após 1966 é o seguinte: educação geral de 7 anos. escola com viés musical (e com aprendizado opcional para tocar instrumentos musicais) ou música para 7 anos. uma escola em que as crianças estudam enquanto frequentam aulas de educação geral. escola; o próximo passo é um professor secundário de 4 anos. uma escola (com um ginásio de educação geral anexo a ela), e para aqueles que não pretendem ser músicos, uma escola de educação musical geral de 5 anos; Escola Superior de Música. processá-los. F. Liszt (Budapeste) com um curso de 5 anos, no qual os músicos são treinados em todas as especialidades, incl. musicólogos (o departamento de musicologia foi organizado em 1951) e professores de música para iniciantes. escolas (em um departamento especial; estude por 3 anos).

Na Tchecoslováquia, musas superiores. e musical-pedagógica. muito há instituições em Praga, Brno e Bratislava; existem conservatórios (instituições de educação musical secundária) e em várias outras cidades. Um papel importante na música-pedagógica. vida do país e no desenvolvimento de métodos de música. aprendendo a jogar Chesh. e eslovaco. música sobre-va, unindo professores-músicos de diferentes especialidades.

Na RDA existem escolas superiores de música. ações judiciais em Berlim, Dresden, Leipzig e Weimar; escolas em Berlim e Dresden incluem música especializada. escola, conservatório (instituição musical secundária) e ensino superior propriamente dito. instituição. Na Escola Superior de Música de Berlim, até 1963, funcionou o corpo docente operário-camponês.

Na Polônia – 7 musas superiores. muito instituições – em Varsóvia, Gdansk, Katowice, Cracóvia, Lodz, Poznan e Wroclaw. Eles estão preparando a decomposição dos músicos. profissões, incl. e engenheiros de som (departamento especial da Escola Superior de Música de Varsóvia). Especialistas em história da música, música. estética e etnografia está sendo preparado pelo Instituto de Musicologia de Varsóvia.

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