Mikhail Vasilyevich Pletnev |

Mikhail Pletnev

Mikhail Vasilyevich Pletnev atrai a atenção de especialistas e do público em geral. Ele é muito popular; Não seria exagero dizer que nesse aspecto ele se destaca um pouco na longa fila de laureados de competições internacionais dos últimos anos. As actuações do pianista estão quase sempre esgotadas e não há indícios de que esta situação possa mudar.

Pletnev é um artista complexo e extraordinário, com seu próprio rosto característico e memorável. Você pode admirá-lo ou não, proclamá-lo o líder da arte pianística moderna ou completamente, “do nada”, rejeitar tudo o que ele faz (acontece), em todo caso, conhecê-lo não deixa as pessoas indiferentes. E é isso que importa, no final.

… Ele nasceu em 14 de abril de 1957 em Arkhangelsk, em uma família de músicos. Mais tarde, ele se mudou com seus pais para Kazan. Sua mãe, pianista de formação, trabalhou como acompanhante e professora. Meu pai era acordeonista, ensinou em várias instituições educacionais e por vários anos atuou como professor assistente no Conservatório de Kazan.

Misha Pletnev descobriu sua habilidade para a música cedo - desde os três anos de idade ele começou a tocar piano. Kira Alexandrovna Shashkina, professora da Escola Especial de Música de Kazan, começou a ensiná-lo. Hoje ele se lembra de Shashkina apenas com uma palavra gentil: “Um bom músico … Além disso, Kira Alexandrovna incentivou minhas tentativas de compor música, e só posso agradecer muito a ela por isso.”

Aos 13 anos, Misha Pletnev mudou-se para Moscou, onde se tornou aluno da Central Music School na classe de EM Timakin. Um professor proeminente, que abriu o caminho para o palco para muitos frequentadores de concertos posteriormente famosos, EM Timakin ajudou Pletnev de várias maneiras. “Sim, sim, muito. E quase em primeiro lugar – na organização do aparato técnico-motor. Um professor que pensa de maneira profunda e interessante, Evgeny Mikhailovich é excelente nisso. Pletnev ficou na classe de Timakin por vários anos e, quando era estudante, mudou-se para o professor do Conservatório de Moscou, Ya. V. Folheto.

Pletnev não teve aulas fáceis com Flier. E não apenas por causa das altas exigências de Yakov Vladimirovich. E não porque representassem diferentes gerações na arte. Suas personalidades criativas, personagens, temperamentos eram muito diferentes: um ardente, entusiasmado, apesar de sua idade, professor e um aluno que parecia quase seu completo oposto, quase um antípoda … Mas Flier, como dizem, não foi fácil com Pletnev. Não foi fácil por causa de sua natureza difícil, teimosa, intratável: ele tinha um ponto de vista próprio e independente sobre quase tudo, não abandonava as discussões, mas, ao contrário, as procurava abertamente – pouco levavam na fé sem evidência. Testemunhas oculares dizem que Flier às vezes tinha que descansar muito tempo depois das aulas com Pletnev. Uma vez, como se dissesse que gasta tanta energia em uma aula com ele quanto gasta em dois concertos solo … Tudo isso, porém, não atrapalhou o profundo carinho do professor e do aluno. Talvez, pelo contrário, a tenha fortalecido. Pletnev era o “canto do cisne” do professor Flier (infelizmente, ele não teve que viver de acordo com o triunfo mais alto de seu aluno); o professor falava dele com esperança, admiração, acreditava no seu futuro: “Veja, se ele tocar o melhor que puder, você realmente ouvirá algo incomum. Isso não acontece com frequência, acredite em mim – tenho bastante experiência…” (Gornostaeva V. Disputas em torno do nome // cultura soviética. 1987. 10 de março.).

E mais um músico deve ser mencionado, listando aqueles a quem Pletnev deve, com quem teve contatos criativos bastante longos. Este é Lev Nikolaevich Vlasenko, em cuja classe se formou no conservatório em 1979, e então estagiário assistente. É interessante lembrar que esse talento é, em muitos aspectos, uma configuração criativa diferente da de Pletnev: sua emotividade generosa e aberta, amplo campo de atuação - tudo isso revela nele um representante de um tipo artístico diferente. Porém, na arte, como na vida, os opostos muitas vezes convergem, acabam sendo úteis e necessários um ao outro. Há muitos exemplos disso no cotidiano pedagógico, na prática de fazer música de conjunto, etc., etc.

… Nos anos de escola, Pletnev participou do Concurso Internacional de Música em Paris (1973) e ganhou o Grande Prêmio. Em 1977, ele ganhou o primeiro prêmio no All-Union Piano Competition em Leningrado. E então um dos principais e decisivos eventos de sua vida artística se seguiu - um triunfo de ouro no Sexto Concurso Tchaikovsky (1978). É aqui que começa seu caminho para a grande arte.

Vale ressaltar que ele entrou no palco do concerto como um artista quase completo. Se geralmente nesses casos é preciso ver como um aprendiz gradualmente se transforma em mestre, um aprendiz em um artista maduro e independente, então com Pletnev não foi possível observar isso. O processo de amadurecimento criativo acabou por estar aqui, por assim dizer, cerceado, escondido de olhares indiscretos. O público imediatamente conheceu um concertista bem estabelecido – calmo e prudente em suas ações, perfeitamente no controle de si mesmo, sabendo com firmeza que ele quer dizer e as Isso deveria estar pronto. Nada artisticamente imaturo, desarmônico, inquieto, bruto de estudante se via em seu jogo – embora ele tivesse apenas 20 anos na época com pouca experiência de palco, praticamente não tinha.

Entre seus pares, ele se distinguia visivelmente tanto pela seriedade, rigor nas interpretações performáticas quanto por uma atitude extremamente pura e espiritualmente elevada em relação à música; o último, talvez, o dispusesse mais do que tudo … Seus programas daqueles anos incluíam a famosa Trinta e Segunda Sonata de Beethoven - uma tela musical complexa e filosoficamente profunda. E é característico que tenha sido essa composição que se tornou uma das culminações criativas do jovem artista. O público do final dos anos setenta - é improvável que o início dos anos oitenta tenha esquecido Arietta (a segunda parte da sonata) interpretada por Pletnev - então, pela primeira vez, o jovem a atingiu com sua maneira de pronunciar, por assim dizer, em voz baixa , muito pesado e significativo, o texto musical. Aliás, ele preservou esse jeito até hoje, sem perder o efeito hipnótico sobre o público. (Existe um aforismo meio jocoso segundo o qual todos os concertistas podem ser divididos em duas categorias principais; alguns podem tocar bem a primeira parte da Trigésima Segunda Sonata de Beethoven, outros podem tocar a segunda parte dela. Pletnev toca ambas as partes igualmente bem; isso realmente raramente acontece.).

Em geral, olhando para a estreia de Pletnev, não se pode deixar de enfatizar que mesmo quando ele ainda era muito jovem, não havia nada frívolo, superficial em sua forma de tocar, nada de enfeites virtuosos vazios. Com sua excelente técnica pianística – elegante e brilhante – ele nunca deu motivos para se recriminar por efeitos puramente externos.

Quase desde as primeiras apresentações do pianista, a crítica falou de sua mente clara e racional. De fato, o reflexo do pensamento está sempre presente com clareza no que ele faz no teclado. “Não a inclinação dos movimentos espirituais, mas a uniformidade pesquisa”- é isso que determina, segundo V. Chinaev, o tom geral da arte de Pletnev. O crítico acrescenta: “Pletnev realmente explora o tecido sonoro – e o faz com perfeição: tudo é destacado – nos mínimos detalhes – as nuances dos plexos texturizados, a lógica das proporções tracejadas, dinâmicas, formais emergem na mente do ouvinte. O jogo da mente analítica – confiante, conhecedor, inconfundível ” (Chinaev V. Calma de clareza // Sov. music. 1985. No. 11. P. 56.).

Certa vez, em entrevista publicada na imprensa, o interlocutor de Pletnev disse-lhe: “Você, Mikhail Vasilievich, é considerado um artista de um armazém intelectual. Pese a este respeito os vários prós e contras. Curiosamente, o que você entende por inteligência na arte da música, em particular na performance? E como o intelectual e o intuitivo se correlacionam em seu trabalho?”

“Primeiro, se você quiser, sobre a intuição”, respondeu ele. — Parece-me que a intuição como uma habilidade está em algum lugar perto do que entendemos por talento artístico e criativo. Graças à intuição – digamos, se quisermos, o dom da providência artística – uma pessoa pode realizar mais na arte do que escalar apenas uma montanha de conhecimento e experiência especiais. Há muitos exemplos para apoiar minha ideia. Especialmente na música.

Mas acho que a questão deveria ser colocada de maneira um pouco diferente. Por que or uma Coisa or outro? (Mas, infelizmente, é assim que eles costumam abordar o problema de que estamos falando.) Por que não uma intuição altamente desenvolvida mais bom conhecimento, boa compreensão? Por que não a intuição mais a capacidade de compreender racionalmente a tarefa criativa? Não existe combinação melhor que essa.

Às vezes você ouve que a carga de conhecimento pode até certo ponto sobrecarregar uma pessoa criativa, abafar o início intuitivo nela … Acho que não. Pelo contrário, pelo contrário: conhecimento e pensamento lógico dão força à intuição, nitidez. Leve-o para um nível superior. Se uma pessoa sente sutilmente a arte e ao mesmo tempo tem habilidade para operações analíticas profundas, ela irá mais longe em criatividade do que alguém que confia apenas no instinto.

A propósito, aqueles artistas que eu pessoalmente gosto particularmente nas artes musicais e cênicas se distinguem apenas por uma combinação harmoniosa do intuitivo – e do lógico-racional, do inconsciente – e do consciente. Todos eles são fortes tanto em sua conjectura artística quanto em seu intelecto.

… Dizem que quando o notável pianista italiano Benedetti-Michelangeli estava visitando Moscou (era em meados dos anos XNUMX), ele foi questionado em uma das reuniões com músicos da capital - o que, em sua opinião, é especialmente importante para um intérprete ? Ele respondeu: conhecimento teórico-musical. Curioso, não é? E o que significa conhecimento teórico para um performer no sentido mais amplo da palavra? Isso é inteligência profissional. De qualquer forma, o núcleo disso…” (Vida musical. 1986. No. 11. P. 8.).

A conversa sobre o intelectualismo de Pletnev já se arrasta há muito tempo, como observado. Você pode ouvi-los tanto nos círculos de especialistas quanto entre os amantes da música comuns. Como observou um escritor famoso, há conversas que, uma vez iniciadas, não param … Na verdade, não havia nada de repreensível nessas próprias conversas, a menos que você esqueça: neste caso, não devemos falar sobre a “frieza” primitivamente entendida de Pletnev ( se ele fosse apenas frio, pobre emocionalmente, não teria nada para fazer no palco do show) e não sobre algum tipo de “pensamento” sobre ele, mas sobre a atitude especial do artista. Uma tipologia especial de talento, uma “maneira” especial de perceber e expressar a música.

Quanto à contenção emocional de Pletnev, sobre a qual tanto se fala, a questão é: vale a pena discutir sobre gostos? Sim, Pletnev é uma natureza fechada. A severidade emocional de sua interpretação pode às vezes chegar quase ao ascetismo – mesmo quando ele interpreta Tchaikovsky, um de seus autores favoritos. De alguma forma, após uma das apresentações do pianista, saiu uma crítica na imprensa, cujo autor usou a expressão: “letras indiretas” – foi preciso e direto ao ponto.

Tal, repetimos, é a natureza artística do artista. E só podemos ficar felizes por ele não “encenar”, não usar cosméticos de palco. No final, entre aqueles que realmente Tem algo a dizer, o isolamento não é tão raro: tanto na vida quanto no palco.

Quando Pletnev se estreou como concertista, um lugar de destaque nos seus programas foi ocupado pelas obras de JS Bach (Partita em Si menor, Suite em Lá menor), Liszt (Rapsódias XNUMX e XNUMX, Concerto para Piano nº XNUMX), Tchaikovsky ( Variações em fá maior, concertos para piano), Prokofiev (Sétima Sonata). Posteriormente, ele interpretou com sucesso várias obras de Schubert, a Terceira Sonata de Brahms, peças do ciclo dos Anos de Peregrinação e a Décima Segunda Rapsódia de Liszt, Islamey de Balakirev, Rapsódia sobre um Tema de Paganini de Rachmaninov, a Grande Sonata, As Estações e obras individuais de Tchaikovsky .

É impossível não mencionar suas noites monográficas dedicadas às sonatas de Mozart e Beethoven, sem mencionar o Segundo Concerto para Piano de Saint-Saens, prelúdios e fugas de Shostakovich. Na temporada 1986/1987, o Concerto em Ré Maior de Haydn, a Suíte para Piano de Debussy, os Prelúdios de Rachmaninov, Op. 23 e outras peças.

Persistentemente, com firme determinação, Pletnev busca suas próprias esferas estilísticas mais próximas a ele no repertório do piano mundial. Ele se experimenta na arte de diferentes autores, épocas, tendências. De certa forma, ele também falha, mas na maioria dos casos encontra o que precisa. Em primeiro lugar, na música do século XNUMX (JS Bach, D. Scarlatti), nos clássicos vienenses (Haydn, Mozart, Beethoven), em algumas regiões criativas do romantismo (Liszt, Brahms). E, claro, nos escritos dos autores das escolas russa e soviética.

Mais discutível é o Chopin de Pletnev (Segunda e Terceira sonatas, polonesas, baladas, noturnos, etc.). É aqui, nesta música, que se começa a sentir que ao pianista falta mesmo por vezes o imediatismo e a abertura de sentimentos; além disso, é característico que em um repertório diferente nunca ocorra falar sobre isso. É aqui, no mundo da poética de Chopin, que de repente você percebe que Pletnev realmente não é muito inclinado a explosões tempestuosas do coração, que ele, em termos modernos, não é muito comunicativo e que sempre há uma certa distância entre ele e o público. Se os intérpretes que, ao conduzirem uma “conversa” musical com o ouvinte, parecem estar “em você” com ele; Pletnev sempre e apenas em "você".

E outro ponto importante. Como você sabe, em Chopin, em Schumann, nas obras de alguns outros românticos, o intérprete é frequentemente solicitado a ter um jogo caprichosamente caprichoso de humor, impulsividade e imprevisibilidade dos movimentos espirituais, flexibilidade de nuances psicológicas, enfim, tudo o que acontece apenas com pessoas de um determinado armazém poético. No entanto, Pletnev, um músico e uma pessoa, tem algo um pouco diferente ... A improvisação romântica também não está perto dele - aquela liberdade e frouxidão especiais da maneira de palco, quando parece que o trabalho surge espontaneamente, quase espontaneamente sob os dedos de o concertista.

Aliás, um dos musicólogos mais respeitados, tendo visitado uma vez a apresentação de um pianista, expressou a opinião de que a música de Pletnev “está nascendo agora, neste exato minuto” (Tsareva E. Criando uma imagem do mundo // Sov. music. 1985. No. 11. P. 55.). Não é? Não seria mais correto dizer que é o contrário? De qualquer forma, é muito mais comum ouvir que tudo (ou quase tudo) na obra de Pletnev é cuidadosamente pensado, organizado e construído com antecedência. E então, com sua precisão e consistência inerentes, é incorporado “no material”. Incorporado com precisão de atirador, com quase cem por cento de acerto no alvo. Este é o método artístico. Esse é o estilo, e o estilo, você sabe, é uma pessoa.

É sintomático que Pletnev, o performer, seja às vezes comparado com Karpov, o jogador de xadrez: eles encontram algo em comum na natureza e na metodologia de suas atividades, nas abordagens para resolver as tarefas criativas que enfrentam, até mesmo na “imagem” puramente externa do que eles criam – um atrás do teclado do piano, outros no tabuleiro de xadrez. As interpretações performáticas de Pletnev são comparadas com as construções classicamente claras, harmoniosas e simétricas de Karpov; as últimas, por sua vez, assemelham-se às construções sonoras de Pletnev, impecáveis ​​na lógica do pensamento e na técnica de execução. Por toda a convencionalidade de tais analogias, por toda a sua subjetividade, elas claramente carregam algo que chama a atenção…

Vale a pena acrescentar ao que foi dito que o estilo artístico de Pletnev é geralmente típico das artes musicais e cênicas de nosso tempo. Em particular, aquela encarnação de palco anti-improvisação, que acabamos de apontar. Algo semelhante pode ser observado na prática dos artistas mais proeminentes da atualidade. Nisso, como em muitas outras coisas, Pletnev é muito moderno. Talvez seja por isso que há um debate tão acalorado em torno de sua arte.

… Ele geralmente dá a impressão de uma pessoa totalmente autoconfiante - tanto no palco quanto na vida cotidiana, na comunicação com os outros. Algumas pessoas gostam, outras não gostam muito … Na mesma conversa com ele, cujos fragmentos foram citados acima, este tópico foi indiretamente tocado:

– Claro, você sabe, Mikhail Vasilyevich, que existem artistas que tendem a se superestimar em um grau ou outro. Outros, ao contrário, sofrem de subestimação do próprio “eu”. Você poderia comentar sobre este fato, e seria bom sob este ângulo: a auto-estima interior do artista e seu bem-estar criativo. Exatamente criador...

– Na minha opinião, tudo depende do estágio de trabalho do músico. Em que fase. Imagine que um determinado intérprete está aprendendo uma peça ou um programa de concerto que é novo para ele. Então, uma coisa é duvidar no começo do trabalho ou mesmo no meio dele, quando você está mais um a um com a música e consigo mesmo. E outra bem diferente – no palco…

Enquanto o artista está em solidão criativa, enquanto ainda está em processo de trabalho, é bastante natural que ele desconfie de si mesmo, subestime o que fez. Tudo isso é apenas para o bem. Mas quando você se encontra em público, a situação muda e fundamentalmente. Aqui, qualquer tipo de reflexão, subestimação de si mesmo é repleta de sérios problemas. Às vezes irreparável.

Existem músicos que se atormentam constantemente com pensamentos de que não vão conseguir fazer alguma coisa, vão errar em alguma coisa, vão falhar em algum lugar; etc. E, em geral, eles dizem, o que eles devem fazer no palco quando há, digamos, Benedetti Michelangeli no mundo … É melhor não aparecer no palco com essas mentalidades. Se o ouvinte na sala não se sente confiante no artista, involuntariamente perde o respeito por ele. Assim (isso é o pior de tudo) e à sua arte. Não há convicção interior – não há capacidade de persuasão. O performer hesita, o performer hesita e o público também duvida.

Em geral, eu resumiria assim: dúvidas, subestimação de seus esforços no processo de lição de casa – e talvez mais autoconfiança no palco.

– Autoconfiança, você diz … É bom que essa característica seja inerente a uma pessoa em princípio. Se ela estiver em sua natureza. E se não?

“Então eu não sei. Mas tenho certeza de outra coisa: todo o trabalho preliminar do programa que você está preparando para exibição pública deve ser feito com o máximo de cuidado. A consciência do intérprete, como dizem, deve ser absolutamente pura. Depois vem a confiança. Pelo menos é assim para mim (Vida musical. 1986. No. 11. P. 9.).

… No jogo de Pletnev, a atenção é sempre atraída para a minúcia do acabamento externo. A joalheria perseguindo os detalhes, a exatidão impecável das linhas, a clareza dos contornos sonoros e o estrito alinhamento das proporções são impressionantes. Na verdade, Pletnev não seria Pletnev se não fosse por essa completude absoluta em tudo o que é obra de suas mãos – se não fosse por essa habilidade técnica cativante. “Na arte, uma forma graciosa é uma grande coisa, especialmente onde a inspiração não irrompe em ondas tempestuosas…” (Sobre a execução musical. – M., 1954. P. 29.)– escreveu uma vez VG Belinsky. Ele tinha em mente o ator contemporâneo VA Karatygin, mas expressou a lei universal, que se refere não apenas ao teatro dramático, mas também ao palco do concerto. E ninguém menos que Pletnev é uma confirmação magnífica dessa lei. Ele pode ser mais ou menos apaixonado pelo processo de fazer música, pode se apresentar com mais ou menos sucesso – a única coisa que ele simplesmente não pode ser é desleixado…

“Existem concertistas”, continua Mikhail Vasilievich, em cuja execução às vezes se sente algum tipo de aproximação, esboço. Agora, veja bem, eles “mancham” densamente um local tecnicamente difícil com o pedal, depois levantam as mãos artisticamente, reviram os olhos para o teto, desviando a atenção do ouvinte do principal, do teclado … Pessoalmente, isso é estranho para mim. Repito: parto da premissa de que em um trabalho realizado em público, tudo deve ser levado à plenitude profissional, nitidez e perfeição técnica no decorrer dos deveres de casa. Na vida, no dia a dia, respeitamos apenas as pessoas honestas, não é? — e não respeitamos aqueles que nos desviam. É a mesma coisa no palco.”

Com o passar dos anos, Pletnev está cada vez mais rígido consigo mesmo. Os critérios pelos quais ele se orienta em seu trabalho estão se tornando mais rígidos. Os termos de aprendizagem de novos trabalhos tornam-se mais longos.

“Veja bem, quando eu ainda era um estudante e estava começando a tocar, meus requisitos para jogar eram baseados não apenas em meus próprios gostos, pontos de vista, abordagens profissionais, mas também no que ouvia de meus professores. De certa forma, eu me via pelo prisma de sua percepção, me julgava com base em suas instruções, avaliações e desejos. E foi completamente natural. Acontece com todo mundo quando estuda. Agora eu mesmo, do começo ao fim, determino minha atitude em relação ao que foi feito. É mais interessante, mas também mais difícil, mais responsável.”

* * *

Pletnev hoje está avançando de forma constante e consistente. Isso é perceptível para todo observador sem preconceitos, qualquer um que sabe como ver. E quer veja, claro. Ao mesmo tempo, seria errado pensar, é claro, que seu caminho é sempre plano e reto, livre de ziguezagues internos.

“Não posso dizer de forma alguma que cheguei a algo inabalável, final, firmemente estabelecido. Não posso dizer: antes, dizem, cometi tais e tais erros, mas agora sei tudo, entendo e não vou repetir os erros novamente. Claro, alguns equívocos e erros de cálculo do passado se tornaram mais óbvios para mim ao longo dos anos. No entanto, estou longe de pensar que hoje não caio em outras ilusões que se farão sentir mais tarde.

Talvez seja a imprevisibilidade do desenvolvimento de Pletnev como artista – essas surpresas e surpresas, dificuldades e contradições, esses ganhos e perdas que esse desenvolvimento envolve – e cause um interesse crescente por sua arte. Um interesse que provou a sua força e estabilidade tanto no nosso país como no estrangeiro.

Claro, nem todo mundo ama Pletnev igualmente. Não há nada mais natural e compreensível. O notável escritor de prosa soviético Y. Trifonov disse uma vez: "Na minha opinião, um escritor não pode e não deve ser apreciado por todos" (Trifonov Yu. Como nossa palavra responderá … – M., 1985. S. 286.). Músico também. Mas praticamente todos respeitam Mikhail Vasilyevich, sem excluir a maioria absoluta de seus colegas de palco. Provavelmente não há indicador mais confiável e verdadeiro, se falamos do real, e não dos méritos imaginários do intérprete.

O respeito que Pletnev desfruta é muito facilitado por seus discos de gramofone. Aliás, ele é um daqueles músicos que não só não perde nas gravações, mas às vezes até ganha. Uma excelente confirmação disso são os discos que retratam a execução pelo pianista de várias sonatas de Mozart (“Melody”, 1985), a sonata em si menor, “Mephisto-Waltz” e outras peças de Liszt (“Melody”, 1986), a Primeiro Concerto para Piano e “Rapsódia sobre um Tema Paganini” de Rachmaninov (“Melodia”, 1987). “As Estações” de Tchaikovsky (“Melodia”, 1988). Esta lista poderia ser continuada se desejado…

Além do principal em sua vida - tocar piano, Pletnev também compõe, rege, ensina e se dedica a outras obras; Em uma palavra, é preciso muito. Agora, porém, ele está pensando cada vez mais no fato de que é impossível trabalhar constantemente apenas para “doar”. Que é preciso desacelerar de vez em quando, olhar ao redor, perceber, assimilar…

“Precisamos de algumas economias internas. Só quando estão, há vontade de se encontrar com os ouvintes, de partilhar o que se tem. Para um músico performático, assim como para um compositor, escritor, pintor, isso é extremamente importante – o desejo de compartilhar… Dizer às pessoas o que você sabe e sente, transmitir sua emoção criativa, sua admiração pela música, sua compreensão dela. Se não houver tal desejo, você não é um artista. E sua arte não é arte. Já percebi mais de uma vez, ao me encontrar com grandes músicos, que é por isso que eles sobem ao palco, que precisam divulgar seus conceitos criativos, contar sobre sua atitude para com esta ou aquela obra, o autor. Estou convencido de que esta é a única maneira de tratar o seu negócio.”

G. Tsypin, 1990

Em 1980, Pletnev estreou como maestro. Dando as principais forças da atividade pianística, ele frequentemente se apresentava no console das principais orquestras de nosso país. Mas a ascensão de sua carreira de regente veio nos anos 90, quando Mikhail Pletnev fundou a Orquestra Nacional Russa (1990). Sob sua liderança, a orquestra, reunida entre os melhores músicos e pessoas afins, rapidamente ganhou a reputação de uma das melhores orquestras do mundo.

A atividade de condução de Mikhail Pletnev é rica e variada. Nas últimas temporadas, o Maestro e o RNO apresentaram vários programas monográficos dedicados a JS Bach, Schubert, Schumann, Mendelssohn, Brahms, Liszt, Wagner, Mahler, Tchaikovsky, Rimsky-Korsakov, Scriabin, Prokofiev, Shostakovich, Stravinsky… A atenção crescente ao maestro se concentra no gênero da ópera: em outubro de 2007, Mikhail Pletnev fez sua estreia como maestro de ópera no Teatro Bolshoi com a ópera de Tchaikovsky, A Rainha de Espadas. Nos anos seguintes, o maestro realizou concertos de Aleko e Francesca da Rimini de Rachmaninov, Carmen de Bizet (Sala de Concertos PI Tchaikovsky) e Noite de Maio de Rimsky-Korsakov (Arkhangelskoye Estate Museum).

Além da colaboração frutífera com a Orquestra Nacional Russa, Mikhail Pletnev atua como maestro convidado com importantes grupos musicais como Mahler Chamber Orchestra, Concertgebouw Orchestra, Philharmonia Orchestra, London Symphony Orchestra, Birmingham Symphony Orchestra, Los Angeles Philharmonic Orchestra, Tokyo Philharmonic …

Em 2006, Mikhail Pletnev criou a Fundação Mikhail Pletnev para o Apoio à Cultura Nacional, uma organização cujo objetivo, além de fornecer a principal criação de Pletnev, a Orquestra Nacional Russa, é organizar e apoiar projetos culturais de alto nível, como o Volga Tours, um concerto memorial em memória das vítimas das terríveis tragédias de Beslan, o programa musical e educacional “Magic of Music”, projetado especificamente para alunos de orfanatos e internatos para crianças com deficiências físicas e mentais, um programa de assinatura no Sala de Concertos “Orchestrion”, onde são realizados concertos em conjunto com o MGAF, inclusive para cidadãos socialmente desprotegidos, extensa atividade discográfica e o Big RNO Festival.

Um lugar muito significativo na atividade criativa de M. Pletnev é ocupado pela composição. Entre suas obras estão Tríptico para Orquestra Sinfônica, Fantasia para Violino e Orquestra, Capriccio para Piano e Orquestra, arranjos para piano de suítes das músicas dos balés O Quebra-Nozes e A Bela Adormecida de Tchaikovsky, trechos da música do balé Anna Karenina de Shchedrin, Concerto para Viola, arranjo para clarinete do Concerto para Violino de Beethoven.

As atividades de Mikhail Pletnev são constantemente marcadas por altos prêmios - ele é laureado com prêmios estaduais e internacionais, incluindo os prêmios Grammy e Triumph. Somente em 2007, o músico recebeu o Prêmio do Presidente da Federação Russa, a Ordem do Mérito da Pátria, III grau, a Ordem de Daniel de Moscou, concedida por Sua Santidade o Patriarca Aleixo II de Moscou e Toda a Rússia.