Lição 4

Um dos conceitos mais complexos da teoria musical é a polifonia musical. Porém, esta também é uma das categorias mais importantes, sem a qual é impossível entender a música orquestral, ou cantar um belo dueto de uma melodia complexa com acompanhamento musical completo, ou mesmo gravar e mixar uma faixa simples, onde , além de som de voz, guitarra, baixo e bateria.

Então vamos começar.

O plano de ação é claro, então vamos trabalhar!

O conceito de polifonia

O termo “polifonia” derivado do latim polyphonia, onde poli significa “muitos” e phonia se traduz como “som”. Polifonia significa o princípio de adicionar sons (vozes e melodias) com base na igualdade funcional.

É a chamada polifonia, ou seja, a emissão simultânea de duas ou mais melodias e/ou vozes. A polifonia implica a fusão harmônica de várias vozes e/ou melodias independentes em uma única peça musical.

Além disso, a disciplina de mesmo nome “Polifonia” é ministrada em instituições de ensino musical nas faculdades e departamentos de arte do compositor e musicologia.

O termo polifonia estrangeiro em russo não sofreu transformações significativas, exceto para escrever em cirílico em vez de latim. E, ao que parece, obedece à regra “como se ouve, assim está escrito”. A nuance é que esse termo é ouvido de maneira diferente por todos, e as ênfases também são colocadas de maneira diferente.

Assim, no “Dicionário da Igreja Eslava e Língua Russa”, publicado pela Academia Imperial de Ciências em 1847, é prescrito enfatizar o segundo “o” na palavra “polifonia” e o segundo “e” na palavra “polifônico” [Dicionário, V.3, 1847]. Aqui está o que parece página desta edição:

Desde meados do século 20 e até hoje, duas variantes de estresse coexistem pacificamente na língua russa: no último “o” e na segunda letra “i”. Assim, na “Grande Enciclopédia Soviética” propõe-se enfatizar o último “o” [V. Fraenov, 2004]. Aqui captura de tela da página do TSB:

No Dicionário Explicativo, editado pelo linguista Sergei Kuznetsov, na palavra “polifonia” a segunda letra “i” é sub-acentuada [S. Kuznetsov, 2000]. Na palavra “polifônico” a ênfase está na letra “e”, como nas edições anteriores:

Observe que o Google Tradutor oferece suporte à última opção e, se você inserir a palavra "polifonia" na coluna de tradução e clicar no ícone do alto-falante, ouvirá claramente o acento na última letra "e". ícone do alto-falante circulado em vermelho na imagem:

Agora que entendemos, em geral, o que é polifonia e como pronunciar essa palavra corretamente, podemos nos aprofundar no assunto.

Origem e desenvolvimento da polifonia

A polifonia é um fenômeno bastante complexo na música e possui características próprias em diferentes culturas. Assim, nos países do Oriente, a polifonia inicialmente tinha uma base predominantemente instrumental. Em outras palavras, instrumentos musicais de várias cordas, conjuntos de cordas, acompanhamento de canto de cordas eram comuns lá. Nos países ocidentais, a polifonia era mais frequentemente vocal. Era canto coral, inclusive a capella (sem acompanhamento musical).

O desenvolvimento da polifonia no estágio inicial costuma ser chamado de termo “heterofonia”, ou seja, dissonância. Assim, já no século VII, adotou-se a prática de acrescentar uma, duas ou mais vozes ao som do coral, ou seja, o canto litúrgico.

Na era da Idade Média e do Renascimento, o moteto tornou-se generalizado – vocais de muitas vozes. Não era um coral mais uma superestrutura de vozes em sua forma mais pura. Esta já era uma obra vocal mais complexa, embora os elementos do coral sejam muito perceptíveis nela. Em geral, o moteto tornou-se uma forma musical híbrida que absorveu as tradições da igreja e do canto secular.

O canto religioso também progrediu tecnicamente. Assim, na Idade Média, a chamada missa católica se generalizou. Baseava-se na alternância de partes solo e coral. Em geral, as missas e motetos dos séculos 15 a 16 usavam todo o arsenal da polifonia de maneira bastante ativa. O clima foi criado aumentando e diminuindo a densidade do som, diferentes combinações de vozes altas e baixas, a inclusão gradual de vozes individuais ou grupos de vozes.

Uma tradição de canto exclusivamente secular também se desenvolveu. Assim, no século 16, um formato de música como um mandrigal está ganhando popularidade. Trata-se de uma obra a duas ou três vozes, via de regra, de conteúdo lírico amoroso. Os primórdios dessa cultura musical surgiram no século 14, mas naquela época eles não receberam muito desenvolvimento. Os madrigais dos séculos XVI-XVII são caracterizados por uma variedade de ritmos, liberdade de condução de voz, uso de modulação (transição para outra tonalidade no final da obra).

O termo “richecar” vem do francês rechercher, que significa “procurar” (lembra da famosa Cherchez la femme?) e, em relação à música, pode ser interpretado de diversas formas. Inicialmente, o termo significava a busca de entonação, posteriormente – a busca e desenvolvimento de motivos. As formas mais famosas de richecar são uma peça para cravo, uma peça para um conjunto instrumental ou vocal-instrumental.

O richecar mais antigo foi encontrado em uma coleção de peças publicadas em 1540 em Veneza. Outras 4 peças para cravo foram encontradas na coleção de obras do compositor Girolamo Cavazzoni, publicada em 1543. A mais famosa é o richecar de 6 vozes da Oferenda Musical de Bach, escrito pelo grande gênio já no século XVIII.

Deve-se notar que os estilos e a melodia da polifonia vocal já estavam naqueles anos intimamente ligados ao texto. Assim, para textos líricos, os cantos são característicos e para frases curtas – recitação. Em princípio, o desenvolvimento das tradições polifônicas pode ser reduzido a duas tendências polifônicas.

Tendências polifônicas da Idade Média:

Você aprendeu sobre trastes na lição anterior, então agora você entende o que está em jogo. Esta é a informação mais geral sobre o desenvolvimento das tradições da polifonia. Mais detalhes sobre a história da formação da polifonia em diferentes culturas e tendências polifônicas podem ser encontrados na literatura educacional especial do curso “Polifonia” [T. Müller, 1989]. Lá você também pode encontrar partituras de peças medievais e, se estiver interessado, aprender algumas partes vocais e instrumentais. A propósito, se você ainda não sabe cantar, mas gostaria de aprender, pode dar os primeiros passos para o domínio vocal estudando nosso curso “Desenvolvimento da Voz e da Fala”.

Agora é a hora de passar para as técnicas de polifonia para entender mais claramente como a polifonia é formada em uma única melodia.

técnicas polifônicas

Em qualquer curso de treinamento de polifonia, você pode encontrar um termo como contraponto. Vem da frase latina punctum contra punctum, que significa “ponto contra ponto”. Ou, em relação à música, “nota contra nota”, “melodia contra melodia”.

Isso não muda o fato de que o termo “contraponto” tem vários significados diferentes. E agora vamos ver algumas técnicas básicas de polifonia.

Imitação

A imitação é quando uma segunda voz (imitando) se junta ao som monofônico inicial depois de algum tempo, que repete a passagem soada anteriormente na mesma nota ou em nota diferente. Esquematicamente parece Da seguinte maneira:

Esclareçamos que o termo “oposto” utilizado no diagrama é uma voz que acompanha outra voz em uma melodia polifônica. A consonância harmônica é alcançada usando várias técnicas: ritmo adicional, mudança de padrão melódico, etc.

Imitação canônica

Canônica, é também imitação contínua – uma técnica mais complexa em que não só se repete a passagem previamente tocada, mas também a contra-adição. É assim que é parece um esquema:

O termo “links”, que você vê no diagrama, refere-se apenas às partes repetidas da imitação canônica. Na ilustração acima, vemos 3 elementos da voz inicial, que são repetidos pela voz imitadora. Então são 3 links.

Cânon final e infinito

O cânone finito e o cânone infinito são variedades de imitação canônica. O cânone infinito envolve o retorno do material original em algum ponto no tempo. O cânon final não prevê tais retornos. A figura acima mostra uma variante do cânon final. E agora vamos ver como é o canon infinitoe entenda a diferença:

Vamos esclarecer que o cânone infinito da 1ª categoria significa uma imitação com 2 elos, e o cânone infinito da 2ª categoria é uma imitação com o número de elos de 3 ou mais.

sequência simples

Uma sequência simples é o movimento de um elemento polifônico para um tom diferente, enquanto a relação (intervalo) entre as partes componentes do elemento não muda:

Assim, no diagrama, a letra “A” denota convencionalmente a voz inicial, a letra “B” denota a voz de imitação e os números 1 e 2 denotam o primeiro e o segundo deslocamento do elemento polifônico.

Contraponto complexo

O contraponto complexo é uma técnica polifônica que combina muitas técnicas polifônicas que permitem gerar novas melodias a partir da polifonia original, alterando a proporção das vozes ou fazendo alterações nas melodias que compõem a polifonia original.

Variedades de contraponto complexo:

Dependendo da direção da permutação das vozes melódicas, distinguem-se contrapontos móveis verticais, horizontais e duplos (simultaneamente verticais e horizontais).

Na verdade, o contraponto difícil só é chamado de “complexo”. Se você estudar bem o material da próxima lição de treinamento auditivo, reconhecerá facilmente esta técnica polifônica de ouvido.

Estas são apenas algumas das técnicas polifônicas mais simples para um músico iniciante entender. Você pode aprender mais sobre essas e outras técnicas polifônicas no livro didático da musicóloga, membro da União dos Compositores da Rússia, membro correspondente da Academia de Ciências e Artes Petrovsky Valentina Osipova “Polifonia. Técnicas polifônicas” [V. Osipova, 2006].

Depois de estudarmos algumas das técnicas de polifonia, será mais fácil entendermos a classificação dos tipos de polifonia.

Tipos de polifonia

Existem 4 tipos principais de polifonia. Cada um dos tipos é baseado principalmente em um certo tipo de técnicas polifônicas. Os nomes dos tipos de polifonia na maioria dos casos falam por si.

Quais são os tipos de polifonia?

Você pode ler mais sobre cada tipo de polifonia no livro “Polifonia. Técnicas polifônicas” [V. Osipova, 2006], então deixamos a seu critério. Chegamos perto de um tópico tão importante para todo músico e compositor quanto a mixagem de música.

Noções básicas de mixagem de música

O conceito de “polifonia” está diretamente relacionado à mixagem de músicas e à obtenção de uma faixa de áudio finalizada. Anteriormente, aprendemos que polifonia significa o princípio de adicionar sons (vozes e melodias) com base na igualdade funcional. É a chamada polifonia, ou seja, a emissão simultânea de duas ou mais melodias e/ou vozes. A polifonia implica a fusão harmônica de várias vozes e/ou melodias independentes em uma única peça musical.

A rigor, mixar música é a mesma polifonia, só que no computador, e não na pauta musical. A mixagem também envolve a interação de pelo menos duas linhas musicais – vocais e “backing track” ou acompanhamento de um instrumento musical. Se houver muitos instrumentos, a mixagem se transforma em uma organização da interação de muitas linhas melódicas, cada uma das quais pode ser contínua ao longo de toda a obra ou aparecer e desaparecer periodicamente.

Se você voltar um pouco e observar novamente a representação esquemática das técnicas polifônicas, verá muito em comum com a interface da maioria dos programas de computador projetados para trabalhar com som. Assim como a maioria das técnicas polifônicas são descritas de acordo com o esquema “uma voz – uma faixa”, os programas de processamento de som têm uma faixa separada para cada linha melódica. É assim que a versão mais simples de mixar duas faixas pode parecer no SoundForge:

Assim, se você precisar misturar, por exemplo, voz, guitarra elétrica, baixo, sintetizador e bateria, serão 5 faixas. E se você precisar fazer uma gravação orquestral em estúdio, já haverá várias dezenas de faixas, uma para cada instrumento.

O processo de mixagem musical não é apenas seguir a notação musical e a localização exata do início e fim das linhas musicais uma em relação à outra. Embora isso não seja fácil, se houver muitas semicolcheias, trigésimas segundas e sexagésimas quartas na gravação, que são mais difíceis de acertar do que números inteiros.

Claro, o produtor de som deve ouvir e neutralizar as inclusões de sons estranhos que podem aparecer mesmo durante a gravação em um bom estúdio, sem falar nas gravações feitas em casa ou, ao contrário, durante os shows. No entanto, uma gravação ao vivo também pode ser de alta qualidade.

Um exemplo é o álbum ao vivo HAARP da banda de rock britânica Muse. A gravação foi feita no Estádio de Wembley. Então, com uma diferença de 1 dia, aconteceram 2 shows do grupo: nos dias 16 e 17 de junho. Curiosamente, para a versão de áudio em CD, eles levaram a gravação de 16 de junho, e para a versão de vídeo em DVD, eles usaram gravação de concerto, realizada em 17 de junho de 2007:

Em qualquer caso, um engenheiro de som ou produtor de som terá que trabalhar duro para transformar até mesmo uma polifonia complexa bem gravada em um trabalho completo e completo. Este é realmente um processo criativo no qual você deve levar em consideração muitas nuances. Mas, como vimos repetidamente, a música é descrita por categorias contáveis ​​bastante específicas - hertz, decibéis, etc. E também existem critérios para mixagem de alta qualidade de uma faixa, e conceitos técnicos objetivos e artísticos subjetivos são usados ​​lá.

Critérios para gravação de áudio de qualidade

Esses critérios foram desenvolvidos pela International Organization for Television and Radio Broadcasting (OIRT), que existiu na segunda metade do século XX, e são conhecidos como Protocolo OIRT, e as disposições do Protocolo ainda tomam muitas estruturas como base para avaliar a qualidade das gravações de áudio. Vamos considerar brevemente quais critérios uma gravação de alta qualidade deve atender de acordo com este protocolo.

Visão geral das disposições do Protocolo OIRT:

A conformidade com os critérios do Protocolo é avaliada em uma escala de 5 pontos. O protocolo OIRT é seguido de perto na avaliação de música clássica, folk e jazz. Para música eletrônica, pop e rock, não existe um protocolo único para avaliar a qualidade do som, e as provisões do Protocolo OIRT são de natureza mais consultiva. De uma forma ou de outra, para fazer uma gravação de alta qualidade, são necessárias certas condições técnicas. Vamos falar sobre eles com mais detalhes.

Suporte técnico

Acima, já começamos a falar sobre o fato de que, para um resultado final de alta qualidade, é importante um material de origem de alta qualidade. Portanto, para gravações de alta qualidade de jazz, música clássica e folclórica, costuma-se gravar em um par de microfones estéreo, o que subsequentemente não requer mixagem. Na verdade, consoles de mixagem analógicos, digitais ou virtuais (eles também são mixers) são usados ​​para mixagem. Sequenciadores são usados ​​para mixagem virtual de trilhas.

Os requisitos técnicos para um computador geralmente são prescritos pelos fabricantes de programas de computador para trabalhar com som. Portanto, você pode verificar a conformidade do seu dispositivo com os requisitos ao decidir sobre a escolha do software. Até o momento, existem vários programas populares para processamento de áudio e mixagem de som.

Sound Forge

Primeiro, já foi mencionado acima Sound Forge. É conveniente porque possui um conjunto de funções básicas de processamento de som e você pode encontrar uma versão gratuita em russo [MoiProgrammy.net, 2020]:

Se você precisa entender a versão em inglês, há uma descrição detalhada [B. Kairov, 2018].

Audacity

Em segundo lugar, outro programa conveniente e descomplicado em russo Audacity [Audácia, 2020]:

Além da versão gratuita, você pode encontrar um manual muito sensato para ela [Audacity 2.2.2, 2018].

Desumanizador 2

Em terceiro lugar, é amado pelos desenvolvedores de jogos de computador e vocais extremos. Desumanizador 2. A interface é em inglês e é visivelmente mais complicada, mas dá para entender:

E não será apenas mixagem, mas também oportunidades de design de som [Krotos, 2020].

Elementos do Cubase

Em quarto lugar, vale a pena prestar atenção ao programa Elementos do Cubase [Elementos de Cubase, 2020]. Lá, além do conjunto padrão de funções, há também um painel de acordes que permitirá criar uma faixa “do zero” ou “lembrar” uma gravação feita anteriormente, aplicando na prática técnicas polifônicas previamente aprendidas:

Antes de começar, estude a visão geral das funções do programa [A. Olenchikov, 2017].

Efeitorix

E, finalmente, este é o sequenciador de efeitos Efeitorix. Para trabalhar com isso, você precisa de alguma experiência, mas vale a pena anotar este programa agora, porque com a prática regular, a experiência virá muito em breve [Sugar Bytes, 2020]:

Você pode aprender mais no artigo “Programas para mixagem de música e voz”, onde são considerados uma dezena de programas, incluindo aqueles para músicos profissionais e DJs [V. Kairov, 2020]. E agora vamos falar sobre a preparação para a mixagem da faixa.

Preparação da mistura e processo de mistura

Quanto mais preparado você estiver, mais rápida e melhor será a mixagem. Não se trata apenas de suporte técnico, um local de trabalho confortável e iluminação de alta qualidade. É importante levar em consideração várias questões organizacionais, bem como as características do trabalho dos hemisférios cerebrais. Em geral, observe…

Como se preparar para o processo de mistura:

Comece o processo de mixagem com baterias, pois elas ocupam uma parte significativa da faixa de frequência de graves (bumbo) a altas frequências (pratos). Só depois disso passe para outros instrumentos e vocais. Depois de mixar os instrumentos principais, adicione, se planejado, efeitos especiais (eco, distorção, modulação, compressão, etc.).

Em seguida, você precisa formar uma imagem estéreo, ou seja, organizar todos os sons no campo estéreo. Depois disso, ajuste o arranjo, se necessário, e comece a trabalhar a profundidade do som. Para fazer isso, adicione atrasos e reverberação aos sons, mas não muito, caso contrário, “pressionará os ouvidos” dos ouvintes.

Quando terminar, verifique o volume, EQ, configurações de efeitos novamente e ajuste se necessário. Teste a faixa finalizada no estúdio e depois em diferentes dispositivos: execute o arquivo de áudio em seu smartphone, tablet, ouça no carro. Se em todos os lugares o som for percebido normalmente, tudo foi feito corretamente!

Se você encontrar muitas palavras desconhecidas, leia o livro “Computer Sound Processing” [A. Zagumennov, 2011]. Não se envergonhe pelo fato de que muito é considerado no exemplo de versões antigas de programas de computador. As leis da física não mudaram desde então. Aqueles que já experimentaram trabalhar com programas de mixagem de som podem ser recomendados para ler sobre “Erros ao mixar música”, que ao mesmo tempo fornece recomendações sobre como evitá-los [I. Evsyukov, 2018].

Se você achar mais fácil perceber uma explicação ao vivo, poderá ver vídeo de treinamento neste tópico:

Durante o processo de mistura, recomenda-se fazer pequenas pausas a cada 45 minutos. Isso é útil não apenas para sua saúde, mas também para restaurar a objetividade da percepção auditiva. O ouvido musical é muito importante para uma mixagem de alta qualidade. Toda a nossa próxima lição é dedicada ao desenvolvimento do ouvido para a música, mas, por enquanto, sugerimos que você passe no teste de domínio do material desta lição.

Teste de compreensão da lição

Se você quiser testar seus conhecimentos sobre o tópico desta lição, você pode fazer um pequeno teste composto por várias perguntas. Apenas 1 opção pode estar correta para cada questão. Depois de selecionar uma das opções, o sistema passa automaticamente para a próxima pergunta. Os pontos que você recebe são afetados pela exatidão de suas respostas e pelo tempo gasto para passar. Observe que as perguntas são diferentes a cada vez e as opções são embaralhadas.

E agora nos voltamos para o desenvolvimento do ouvido musical.