Dmitry Dmitrievich Shostakovich |
Dmitri Shostakovich
D. Shostakovich é um clássico da música do século XNUMX. Nenhum de seus grandes mestres estava tão intimamente ligado ao difícil destino de seu país natal, não podia expressar as gritantes contradições de seu tempo com tanta força e paixão, avaliá-lo com um duro julgamento moral. É nessa cumplicidade do compositor com as dores e angústias de seu povo que reside o principal significado de sua contribuição para a história da música no século das guerras mundiais e grandiosas convulsões sociais, que a humanidade não conhecia antes.
Shostakovich é por natureza um artista de talento universal. Não há um único gênero em que ele não tenha dito sua palavra de peso. Ele entrou em contato próximo com o tipo de música que às vezes era tratada com arrogância por músicos sérios. Ele é o autor de uma série de canções escolhidas pelas massas populares, e até hoje suas brilhantes adaptações da música popular e do jazz, que ele gostava especialmente na época da formação do estilo - nos anos 20 - 30, delícia. Mas o principal campo de aplicação das forças criativas para ele era a sinfonia. Não porque outros gêneros de música séria lhe fossem completamente estranhos – ele era dotado de um talento insuperável como compositor verdadeiramente teatral, e o trabalho em cinematografia lhe proporcionava o principal meio de subsistência. Mas a bronca grosseira e injusta infligida em 1936 no editorial do jornal Pravda sob o título “Confusão em vez de música” o desencorajou por muito tempo a se envolver no gênero operístico – as tentativas feitas (a ópera “Jogadores” de N. Gogol) permaneceu inacabado e os planos não passaram para a fase de implementação.
Talvez seja precisamente nisso que os traços de personalidade de Shostakovich tenham influenciado – por natureza ele não estava inclinado a abrir formas de expressar protesto, ele cedeu facilmente a nulidades teimosas devido à sua inteligência especial, delicadeza e indefesa contra arbitrariedades grosseiras. Mas isso foi apenas na vida – em sua arte ele foi fiel aos seus princípios criativos e os afirmou no gênero em que se sentia completamente livre. Portanto, a sinfonia conceitual tornou-se o centro das buscas de Shostakovich, onde ele poderia falar abertamente a verdade sobre seu tempo sem compromisso. No entanto, ele não se recusou a participar de empreendimentos artísticos nascidos sob a pressão das rígidas exigências da arte impostas pelo sistema de comando-administrativo, como o filme de M. Chiaureli “A Queda de Berlim”, onde o elogio desenfreado da grandeza e a sabedoria do “pai das nações” chegou ao limite extremo. Mas a participação neste tipo de monumentos cinematográficos, ou outros, por vezes até talentosos, que distorceram a verdade histórica e criaram um mito que agradava à liderança política, não protegeu o artista da brutal represália cometida em 1948. O principal ideólogo do regime stalinista , A. Zhdanov, repetiu os ataques grosseiros contidos em um artigo antigo do jornal Pravda e acusou o compositor, juntamente com outros mestres da música soviética da época, de adesão ao formalismo antipopular.
Posteriormente, durante o "degelo" de Khrushchev, tais acusações foram retiradas e as obras notáveis do compositor, cuja apresentação pública foi proibida, chegaram ao ouvinte. Mas o drama do destino pessoal do compositor, que sobreviveu a um período de perseguição injusta, deixou uma marca indelével em sua personalidade e determinou o rumo de sua busca criativa, dirigida aos problemas morais da existência humana na terra. Isso foi e continua sendo a principal coisa que distingue Shostakovich entre os criadores da música no século XNUMX.
Sua trajetória de vida não foi rica em eventos. Depois de se formar no Conservatório de Leningrado com uma estreia brilhante – a magnífica Primeira Sinfonia, ele começou a vida de compositor profissional, primeiro na cidade do Neva, depois durante a Grande Guerra Patriótica em Moscou. A sua atividade como professor no conservatório foi relativamente breve – deixou-o contra a sua vontade. Mas até hoje seus alunos conservam a memória do grande mestre, que teve um papel decisivo na formação de sua individualidade criativa. Já na Primeira Sinfonia (1925), duas propriedades da música de Shostakovich são claramente perceptíveis. Um deles se refletiu na formação de um novo estilo instrumental com sua inerente facilidade, facilidade de competição dos instrumentos de concerto. Outra se manifestou em um desejo persistente de dar à música o mais alto significado, de revelar um conceito profundo de significado filosófico por meio do gênero sinfônico.
Muitas das obras do compositor que se seguiram a um início tão brilhante refletiam a atmosfera inquieta da época, onde o novo estilo da época foi forjado na luta de atitudes conflitantes. Assim, na Segunda e Terceira Sinfonias (“Outubro” – 1927, “Dia de Maio” – 1929) Shostakovich prestou homenagem ao cartaz musical, eles mostraram claramente a influência da arte marcial e de propaganda dos anos 20. (Não é por acaso que o compositor incluiu neles fragmentos corais de poemas dos jovens poetas A. Bezymensky e S. Kirsanov). Ao mesmo tempo, eles também mostraram uma teatralidade vívida, que tanto cativou nas produções de E. Vakhtangov e Vs. Meyerhold. Foram suas performances que influenciaram o estilo da primeira ópera de Shostakovich, The Nose (1928), baseada na famosa história de Gogol. Daí vem não só a sátira afiada, a paródia, chegando ao grotesco na representação de personagens individuais e os crédulos, rapidamente entrando em pânico e rápido para julgar a multidão, mas também aquela entonação pungente de “riso através das lágrimas”, que nos ajuda a reconhecer uma pessoa mesmo em uma nulidade tão vulgar e deliberada, como o maior Kovalev de Gogol.
O estilo de Shostakovich não só absorveu as influências emanadas da experiência da cultura musical mundial (aqui as mais importantes para o compositor foram M. Mussorgsky, P. Tchaikovsky e G. Mahler), mas também absorveu os sons da então vida musical – que geralmente cultura acessível do gênero “light” que dominava as mentes das massas. A atitude do compositor em relação a ela é ambivalente – ele às vezes exagera, parodia as viradas características das canções e danças da moda, mas ao mesmo tempo as enobrece, eleva-as às alturas da verdadeira arte. Essa atitude foi especialmente pronunciada nos primeiros balés The Golden Age (1930) e The Bolt (1931), no Primeiro Concerto para Piano (1933), onde o trompete solo se torna um digno rival do piano junto com a orquestra, e mais tarde em o scherzo e o finale das sextas sinfonias (1939). Virtuosismo brilhante, excêntricos insolentes são combinados nesta composição com letras sinceras, naturalidade surpreendente do desdobramento da melodia “sem fim” na primeira parte da sinfonia.
E, finalmente, não se pode deixar de mencionar o outro lado da atividade criativa do jovem compositor – ele trabalhou muito no cinema, primeiro como ilustrador para a demonstração de filmes mudos, depois como um dos criadores de filmes sonoros soviéticos. Sua música do filme “Oncoming” (1932) ganhou popularidade nacional. Ao mesmo tempo, a influência da “jovem musa” também afetou o estilo, a linguagem e os princípios composicionais de suas composições concerto-filarmônicas.
O desejo de encarnar os conflitos mais agudos do mundo moderno com suas convulsões grandiosas e confrontos ferozes de forças opostas refletiu-se especialmente nas obras capitais do mestre do período dos anos 30. Um passo importante nesse caminho foi a ópera Katerina Izmailova (1932), baseada no enredo da história de N. Leskov Lady Macbeth do distrito de Mtsensk. Na imagem do personagem principal, uma complexa luta interna se revela na alma de uma natureza inteira e ricamente dotada à sua maneira – sob o jugo das “abominações da vida”, sob o poder dos cegos, irracionais. paixão, ela comete crimes graves, seguidos de retribuição cruel.
No entanto, o compositor alcançou o maior sucesso na Quinta Sinfonia (1937), a conquista mais significativa e fundamental no desenvolvimento da sinfonia soviética nos anos 30. (uma mudança para uma nova qualidade de estilo foi delineada na Quarta Sinfonia escrita anteriormente, mas depois não soou – 1936). A força da Quinta Sinfonia reside no fato de que as experiências de seu herói lírico se revelam na mais estreita conexão com a vida das pessoas e, mais amplamente, de toda a humanidade às vésperas do maior choque já experimentado pelos povos do mundo – a Segunda Guerra Mundial. Isso determinou o drama acentuado da música, sua expressão inerentemente elevada – o herói lírico não se torna um contemplador passivo nesta sinfonia, ele julga o que está acontecendo e o que está por vir com o mais alto tribunal moral. Na indiferença ao destino do mundo, a posição cívica do artista, a orientação humanista de sua música, também foi afetada. Isso pode ser sentido em várias outras obras pertencentes aos gêneros da criatividade instrumental de câmara, entre as quais se destaca o Piano Quinteto (1940).
Durante a Grande Guerra Patriótica, Shostakovich tornou-se uma das primeiras fileiras dos artistas – combatentes contra o fascismo. Sua Sétima Sinfonia (“Leningrado”) (1941) foi percebida em todo o mundo como a voz viva de um povo lutador, que entrou em uma luta de vida ou morte em nome do direito de existir, em defesa dos mais elevados direitos humanos. valores. Nesta obra, como na posterior Oitava Sinfonia (1943), o antagonismo dos dois campos opostos encontrou expressão direta e imediata. Nunca antes na arte da música as forças do mal foram retratadas de forma tão vívida, nunca antes a mecanicidade maçante de uma “máquina de destruição” fascista trabalhando ativamente foi exposta com tanta fúria e paixão. Mas as sinfonias “militares” do compositor (assim como em várias de suas outras obras, por exemplo, no Piano Trio em memória de I. Sollertinsky – 1944) são tão vividamente representadas nas sinfonias de “guerra” do compositor, o espiritual beleza e riqueza do mundo interior de uma pessoa que sofre com os problemas de seu tempo.
Nos anos do pós-guerra, a atividade criativa de Shostakovich se desenvolveu com vigor renovado. Como antes, a linha principal de suas pesquisas artísticas foi apresentada em telas sinfônicas monumentais. Depois da Nona (1945), um tanto aligeirada, espécie de intermezzo, que, no entanto, não ficou sem ecos claros da guerra recém-terminada, o compositor criou a inspirada Décima Sinfonia (1953), que levantou o tema do trágico destino da artista, a alta medida de sua responsabilidade no mundo moderno. No entanto, o novo foi em grande parte fruto dos esforços das gerações anteriores – é por isso que o compositor foi tão atraído pelos eventos de um ponto de virada na história russa. A revolução de 1905, marcada pelo Domingo Sangrento em 9 de janeiro, ganha vida na monumental sinfonia programática Décima Primeira (1957), e as realizações do vitorioso 1917 inspiraram Shostakovich a criar a Décima Segunda Sinfonia (1961).
Reflexões sobre o significado da história, sobre o significado dos feitos de seus heróis, também foram refletidas no poema sinfônico vocal de uma parte “A Execução de Stepan Razin” (1964), que se baseia em um fragmento da obra de E. Yevtushenko poema “A Usina Hidrelétrica de Bratsk”. Mas os acontecimentos do nosso tempo, causados por mudanças drásticas na vida do povo e em sua visão de mundo, anunciadas pelo XX Congresso do PCUS, não deixaram indiferente o grande mestre da música soviética – seu sopro vivo é palpável no século XIII. Sinfonia (1962), também escrita com as palavras de E. Yevtushenko. Na XIV Sinfonia, o compositor voltou-se para os poemas de poetas de várias épocas e povos (FG Lorca, G. Apollinaire, W. Kuchelbecker, RM Rilke) – atraído pelo tema da transitoriedade da vida humana e da eternidade da criações da verdadeira arte, diante da qual até a morte soberana. O mesmo tema serviu de base para a ideia de um ciclo vocal-sinfônico baseado em poemas do grande artista italiano Michelangelo Buonarroti (1974). E finalmente, na última, Décima Quinta Sinfonia (1971), as imagens da infância ganham vida novamente, recriadas diante do olhar de um criador sábio em vida, que veio a conhecer uma medida verdadeiramente imensurável do sofrimento humano.
Por todo o significado da sinfonia na obra pós-guerra de Shostakovich, ela está longe de esgotar tudo de mais significativo que foi criado pelo compositor nos últimos trinta anos de sua vida e caminho criativo. Ele prestou atenção especial aos gêneros de concerto e instrumentos de câmara. Ele criou 2 concertos para violino (1948 e 1967), dois concertos para violoncelo (1959 e 1966) e o Segundo Concerto para Piano (1957). As melhores obras desse gênero incorporam conceitos profundos de significado filosófico, comparáveis aos expressos com força tão impressionante em suas sinfonias. A nitidez da colisão do espiritual e do não espiritual, os impulsos mais elevados do gênio humano e o ataque agressivo da vulgaridade, primitivismo deliberado é palpável no Segundo Concerto para violoncelo, onde um simples motivo de “rua” é transformado além do reconhecimento, expondo seu essência desumana.
No entanto, tanto nos concertos como na música de câmara, o virtuosismo de Shostakovich revela-se na criação de composições que abrem espaço para a livre concorrência entre os músicos. Aqui o principal gênero que chamou a atenção do mestre foi o tradicional quarteto de cordas (há tantos escritos pelo compositor quanto sinfonias – 15). Os quartetos de Shostakovich surpreendem com uma variedade de soluções de ciclos de várias partes (Décima Primeira – 1966) a composições de um único movimento (1970 – 1960). Em várias das suas obras de câmara (no Oitavo Quarteto – 1975, na Sonata para Viola e Piano – XNUMX), o compositor retoma a música das suas composições anteriores, dando-lhe uma nova sonoridade.
Entre as obras de outros gêneros, pode-se citar o monumental ciclo de Prelúdios e Fugas para piano (1951), inspirado nas celebrações de Bach em Leipzig, o oratório Canção das Florestas (1949), onde pela primeira vez na música soviética o foi levantado o tema da responsabilidade humana pela preservação da natureza ao seu redor. Você também pode citar Dez Poemas para coro a cappella (1951), o ciclo vocal “From Jewish Folk Poetry” (1948), ciclos sobre poemas dos poetas Sasha Cherny (“Sátiras” – 1960), Marina Tsvetaeva (1973).
O trabalho no cinema continuou nos anos do pós-guerra – a música de Shostakovich para os filmes “The Gadfly” (baseado no romance de E. Voynich – 1955), bem como para as adaptações das tragédias de Shakespeare “Hamlet” (1964) e “Rei Lear” (1971) tornou-se amplamente conhecido. ).
Shostakovich teve um impacto significativo no desenvolvimento da música soviética. Expressou-se não tanto na influência direta do estilo do mestre e meios artísticos característicos dele, mas no desejo de alto conteúdo da música, sua conexão com os problemas fundamentais da vida humana na terra. Humanista em sua essência, verdadeiramente artístico na forma, o trabalho de Shostakovich ganhou reconhecimento mundial, tornou-se uma clara expressão do novo que a música da Terra dos Sovietes deu ao mundo.
M. Tarakanov
