Cláudio Monteverdi (Cláudio Monteverdi) |

Claudio Monteverdi

Monteverdi. dominó cantado

Monteverdi defende os direitos dos sentimentos e da liberdade na música. Apesar dos protestos dos defensores das regras, ele quebra os grilhões em que a música se enredou e quer que ela siga apenas os ditames do coração de agora em diante. R. Rollan

A obra do compositor de ópera italiano C. Monteverdi é um dos fenômenos únicos na cultura musical do século XNUMX. Em seu interesse pelo homem, em suas paixões e sofrimentos, Monteverdi é um verdadeiro artista renascentista. Nenhum dos compositores da época conseguiu expressar na música o trágico, o sentimento da vida dessa forma, aproximar-se da compreensão de sua verdade, revelar dessa forma a natureza primordial dos personagens humanos.

Monteverdi nasceu em uma família de médicos. Seus estudos musicais foram conduzidos por M. Ingenieri, um músico experiente, maestro da Catedral de Cremona. Ele desenvolveu a técnica polifônica do futuro compositor, apresentou-o às melhores obras corais de G. Palestrina e O. Lasso. Moiteverdi começou a compor cedo. Já no início da década de 1580. as primeiras coleções de obras vocais polifônicas (madrigals, motetos, cantatas) foram publicadas e, no final desta década, ele se tornou um compositor famoso na Itália, membro da Academia de Site Cecilia em Roma. A partir de 1590, Monteverdi serviu na capela da corte do Duque de Mântua (primeiro como membro da orquestra e cantor, e depois como maestro). A exuberante e rica corte Vincenzo Gonzaga atraiu as melhores forças artísticas da época. Com toda a probabilidade, Monteverdi poderia se encontrar com o grande poeta italiano T. Tasso, o artista flamengo P. Rubens, membros da famosa camerata florentina, os autores das primeiras óperas – J. Peri, O. Rinuccini. Acompanhando o duque em frequentes viagens e campanhas militares, o compositor viajou para Praga, Viena, Innsbruck e Antuérpia. Em fevereiro de 1607, a primeira ópera de Monteverdi, Orpheus (libreto de A. Strigio), foi encenada com grande sucesso em Mântua. Monteverdi transformou uma peça pastoral destinada às festividades do palácio em um verdadeiro drama sobre o sofrimento e o trágico destino de Orfeu, sobre a beleza imortal de sua arte. (Monteverdi e Striggio mantiveram a versão trágica do desenlace do mito - Orfeu, deixando o reino dos mortos, viola a proibição, olha para trás para Eurídice e a perde para sempre.) "Orfeu" se distingue por uma riqueza de meios surpreendentes para um antigo trabalhar. Declamação expressiva e uma ampla cantilena, coros e conjuntos, ballet, uma parte orquestral desenvolvida servem para dar corpo a uma ideia profundamente lírica. Apenas uma cena da segunda ópera de Monteverdi, Ariadne (1608), sobreviveu até hoje. Este é o famoso "Lamento de Ariadne" ("Deixe-me morrer ..."), que serviu de protótipo para muitas árias de lamento (árias de reclamação) na ópera italiana. (Lamento de Ariadne é conhecido em duas versões – para voz solo e na forma de um madrigal de cinco vozes.)

Em 1613, Monteverdi mudou-se para Veneza e até o fim de sua vida permaneceu a serviço do Kapellmeister na Catedral de São Marcos. A rica vida musical de Veneza abriu novas oportunidades para o compositor. Monteverdi escreve óperas, balés, interlúdios, madrigais, música para festas religiosas e da corte. Uma das obras mais originais desses anos é a cena dramática “O duelo de Tancredo e Clorinda” baseada no texto do poema “Jerusalém libertada” de T. Tasso, combinando leitura (o papel do Narrador), atuação (o partes recitativas de Tancredo e Clorinda) e uma orquestra que retrata o desenrolar do duelo, revela a natureza emocional da cena. A propósito do “Duelo”, Monteverdi escreveu sobre o novo estilo de concitato (excitado, agitado), contrastando-o com o estilo “suave, moderado” que prevalecia na época.

Muitos dos madrigais de Monteverdi também se distinguem por seu caráter fortemente expressivo e dramático (a última oitava coleção de madrigais, 1638, foi criada em Veneza). Nesse gênero de música vocal polifônica, formou-se o estilo do compositor e ocorreu a seleção dos meios expressivos. A linguagem harmônica dos madrigais é especialmente original (comparações tonais arrojadas, acordes cromáticos, dissonantes, etc.). No final dos anos 1630 - início dos anos 40. a obra operística de Monteverdi atinge seu auge (“Retorno de Ulisses à sua pátria” – 1640, “Adonis” – 1639, “O Casamento de Enéias e Lavínia” – 1641; as 2 últimas óperas não foram preservadas).

Em 1642, A Coroação de Poppea, de Monteverdi, foi encenada em Veneza (libreto de F. Businello baseado nos Anais de Tácito). A última ópera do compositor de 75 anos tornou-se um verdadeiro auge, fruto do seu percurso criativo. Nele atuam figuras históricas específicas da vida real – o imperador romano Nero, conhecido por sua astúcia e crueldade, seu professor – o filósofo Sêneca. Muito em The Coronation sugere analogias com as tragédias do brilhante contemporâneo do compositor, W. Shakespeare. Abertura e intensidade de paixões, contrastes nítidos e verdadeiramente “Shakespeareanos” de cenas sublimes e de gênero, comédia. Assim, a despedida de Sêneca dos alunos – trágica culminação da oaera – é substituída por um alegre interlúdio de um pajem e uma criada, e então começa uma verdadeira orgia – Nero e seus amigos zombam do professor, comemoram sua morte.

“Sua única lei é a própria vida”, escreveu R. Rolland sobre Monteverdi. Com a coragem das descobertas, a obra de Monteverdi estava muito à frente de seu tempo. O compositor previu um futuro muito distante do teatro musical: o realismo da dramaturgia operística de WA Mozart, G. Verdi, M. Mussorgsky. Talvez por isso o destino de suas obras tenha sido tão surpreendente. Por muitos anos eles permaneceram no esquecimento e voltaram à vida apenas em nosso tempo.

Eu. Okhalova

Filho de um médico e o mais velho de cinco irmãos. Ele estudou música com MA Ingenieri. Aos quinze anos publicou Melodias Espirituais, em 1587 – o primeiro livro de madrigais. Em 1590, na corte do Duque de Mântua, Vincenzo Gonzaga tornou-se violista e cantor, então líder da capela. Acompanha o duque à Hungria (durante a campanha turca) e à Flandres. Em 1595 casa-se com a cantora Claudia Cattaneo, que lhe dará três filhos; ela morrerá em 1607 logo após o triunfo do Orfeu. Desde 1613 – cargo vitalício de chefe da capela na República de Veneza; a composição de música sacra, os últimos livros de madrigais, obras dramáticas, na sua maioria perdidas. Por volta de 1632 ele assumiu o sacerdócio.

A obra operística de Monteverdi tem uma base muito sólida, sendo fruto de uma experiência anterior na composição de madrigais e música sacra, géneros em que o mestre cremonense alcançou resultados incomparáveis. As principais fases da sua atividade teatral – pelo menos pelo que nos chegou – parecem ser dois períodos claramente distintos: a Mântua do início do século e a Veneziana, que cai a meio.

Sem dúvida, “Orpheus” é a declaração mais marcante na Itália do estilo vocal e dramático do início do século XVII. Seu significado é determinado pela teatralidade, uma grande saturação de efeitos, incluindo apelos orquestrais, sensíveis e encantamentos, em que a recitação do canto florentino (muito enriquecido com altos e baixos emocionais) parece estar lutando com inúmeras inserções madrigais, de modo que o canto de Orpheus é um exemplo quase clássico de sua competição.

Nas últimas óperas do período veneziano, escritas mais de trinta anos depois, podem-se sentir as várias mudanças estilísticas ocorridas no melodrama italiano (especialmente após o florescimento da escola romana) e as correspondentes mudanças nos meios expressivos, todas apresentadas e combinados com grande liberdade em uma tela dramática muito ampla e até pródiga. Episódios corais são removidos ou significativamente reduzidos, ariose e recitativo são combinados de forma flexível e funcional dependendo das necessidades do drama, enquanto outras formas, mais desenvolvidas e simétricas, com movimentos rítmicos mais claros, são introduzidas na arquitetônica teatral, antecipando a técnica subsequente de autonomização a linguagem operística, introdução, por assim dizer, modelos e esquemas formais, mais independentes das exigências sempre mutáveis ​​do diálogo poético.

No entanto, Monteverdi, claro, não corria o risco de se afastar do texto poético, pois sempre foi fiel às suas ideias sobre a natureza e a finalidade da música como serva da poesia, auxiliando-a em sua excepcional capacidade de expressão. sentimentos humanos.

Não podemos esquecer que em Veneza o compositor encontrou um ambiente propício para um libreto com enredos históricos que avançassem no caminho da busca da “verdade”, ou, em todo caso, com enredos propícios à pesquisa psicológica.

Memorável é a pequena ópera de câmara de Monteverdi “O duelo de Tancredo e Clorinda” ao texto de Torquato Tasso – na verdade, um madrigal em estilo pictórico; colocado na casa do conde Girolamo Mocenigo durante o carnaval de 1624, ele emocionou o público, “quase arrancando-lhe as lágrimas”. Trata-se de uma mistura de oratório e ballet (os acontecimentos são retratados em pantomima), em que o grande compositor estabelece uma ligação estreita, persistente e precisa entre a poesia e a música ao estilo da mais pura recitação melodiosa. O maior exemplo de poesia musicada, quase conversacional, “Duel” inclui momentos grandiosos e sublimes, místicos e sensuais em que o som se torna quase um gesto figurativo. No final, uma curta série de acordes se transforma em um “maior” radiante, em que a modulação se encerra sem o tom inicial necessário, enquanto a voz executa uma cadência em uma nota não incluída no acorde, pois neste momento uma imagem de um mundo novo e diferente se abre. A palidez da moribunda Clorinda significa bem-aventurança.

G. Marchesi (traduzido por E. Greceanii)