Alexander Alexandrovich Slobodyanik |
Alexandre Slobodyanik
Alexander Alexandrovich Slobodyanik desde muito jovem esteve no centro das atenções de especialistas e do público em geral. Hoje, com muitos anos de atuação em concertos, pode-se dizer sem medo de errar que ele foi e continua sendo um dos pianistas mais populares de sua geração. Ele é espetacular no palco, tem uma aparência imponente, no jogo sente-se um talento grande e peculiar – sente-se logo, desde as primeiras notas que faz. E, no entanto, a simpatia do público por ele se deve, talvez, a razões de natureza especial. Talentoso e, além disso, aparentemente espetacular no palco do concerto é mais do que suficiente; Slobodianik atrai outros, mas mais sobre isso depois.
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Slobodyanyk começou seu treinamento regular em Lviv. Seu pai, um médico famoso, gostava de música desde muito jovem, chegou a ser o primeiro violino de uma orquestra sinfônica. A mãe não era ruim no piano e deu ao filho as primeiras lições para tocar esse instrumento. Então o menino foi enviado para uma escola de música, para Lydia Veniaminovna Galembo. Lá ele rapidamente chamou a atenção para si mesmo: aos quatorze anos tocou na sala da Filarmônica de Lviv o Terceiro Concerto para Piano e Orquestra de Beethoven, e mais tarde se apresentou com uma banda solo de cravo. Ele foi transferido para Moscou, para a Escola Central de Música de Dez Anos. Por algum tempo ele esteve na classe de Sergei Leonidovich Dizhur, um conhecido músico de Moscou, um dos alunos da escola Neuhaus. Em seguida, ele foi levado como aluno pelo próprio Heinrich Gustavovich Neuhaus.
Com Neuhaus, as aulas de Slobodyanik, pode-se dizer, não deram certo, embora ele tenha ficado perto do famoso professor por cerca de seis anos. “Não deu certo, é claro, apenas por minha culpa”, diz o pianista, “do qual nunca paro de me arrepender até hoje”. O Slobodyannik (para ser honesto) nunca pertenceu àqueles que têm fama de organizados, controlados, capazes de se manter dentro da estrutura férrea da autodisciplina. Ele estudou de forma desigual na juventude, de acordo com seu humor; seus primeiros sucessos vieram muito mais de um rico talento natural do que de um trabalho sistemático e intencional. Neuhaus não se surpreendeu com seu talento. Jovens capazes ao seu redor estavam sempre em abundância. “Quanto maior o talento”, ele repetiu mais de uma vez em seu círculo, “mais legítima é a exigência de responsabilidade e independência precoces” (Neigauz GG Sobre a arte de tocar piano. – M., 1958. P. 195.). Com toda a sua energia e veemência, rebelou-se contra o que mais tarde, voltando em pensamento a Slobodyanik, chamou diplomaticamente de “incumprimento de vários deveres” (Neigauz GG Reflexões, memórias, diários. S. 114.).
O próprio Slobodyanik admite honestamente que, deve-se notar, ele geralmente é extremamente direto e sincero em suas autoavaliações. “Eu, para dizer com mais delicadeza, nem sempre fui devidamente preparado para as aulas com Genrikh Gustavovich. O que posso dizer agora em minha defesa? Moscou depois de Lvov me cativou com muitas impressões novas e poderosas ... Virou minha cabeça com atributos brilhantes e aparentemente extraordinariamente tentadores da vida metropolitana. Muitas coisas me fascinavam – muitas vezes em detrimento do trabalho.
No final, ele teve que se separar de Neuhaus. No entanto, a memória de um músico maravilhoso ainda hoje lhe é querida: “Há pessoas que simplesmente não podem ser esquecidas. Eles estão com você sempre, pelo resto de sua vida. Diz-se com razão: um artista está vivo enquanto for lembrado… A propósito, senti a influência de Henry Gustavovich por muito tempo, mesmo quando não estava mais em sua classe.
Slobodyanik se formou no conservatório e depois na pós-graduação, sob a orientação de uma aluna de Neuhaus – Vera Vasilievna Gornostaeva. “Um músico magnífico”, diz ele sobre seu último professor, “sutil, perspicaz… Um homem de cultura espiritual sofisticada. E o que foi especialmente importante para mim foi um excelente organizador: devo a ela vontade e energia não menos que sua mente. Vera Vasilievna me ajudou a me encontrar na performance musical.”
Com a ajuda de Gornostaeva, Slobodyanik completou com sucesso a temporada competitiva. Ainda antes, durante seus estudos, ele recebeu prêmios e diplomas em concursos em Varsóvia, Bruxelas e Praga. Em 1966, ele fez sua última aparição no Terceiro Concurso Tchaikovsky. E ele recebeu um quarto prêmio honorário. Terminado o período de seu aprendizado, começou a vida cotidiana de um concertista profissional.
… Então, quais são as qualidades de Slobodianik que atraem o público? Se você olhar para a “sua” imprensa desde o início dos anos sessenta até o presente, a abundância de características como “riqueza emocional”, “plenitude de sentimentos”, “espontaneidade da experiência artística” etc. , não tão raro, encontrado em muitas resenhas e críticas musicais. Ao mesmo tempo, é difícil condenar os autores dos materiais sobre Slobodyanyk. Seria muito difícil escolher outro, falando dele.
Na verdade, Slobodyanik ao piano é a plenitude e a generosidade da experiência artística, a espontaneidade da vontade, uma reviravolta aguda e forte das paixões. E não é de admirar. A emotividade vívida na transmissão da música é um sinal claro de talento performático; Slobodian, como foi dito, é um talento excepcional, a natureza o dotou por completo, sem restrição.
E, no entanto, penso que não se trata apenas de musicalidade inata. Por trás da alta intensidade emocional da performance de Slobodyanik, o sangue puro e a riqueza de suas experiências de palco é a capacidade de perceber o mundo em toda a sua riqueza e o multicolorido sem limites de suas cores. A capacidade de responder viva e entusiasticamente ao ambiente, de fazer Diversos: ver amplamente, absorver tudo o que interessa, respirar, como se costuma dizer, de peito cheio … Slobodianik é geralmente um músico muito espontâneo. Nem um iota estampado, nem desbotado ao longo dos anos de sua longa atividade no palco. É por isso que os ouvintes são atraídos por sua arte.
É fácil e agradável estar na companhia de Slobodyanik – quer você o encontre no camarim após uma apresentação, quer o observe no palco, ao teclado de um instrumento. Alguma nobreza interior é intuitivamente sentida nele; “bela natureza criativa”, eles escreveram sobre Slobodyanik em uma das críticas – e com razão. Parece: é possível captar, reconhecer, sentir essas qualidades (beleza espiritual, nobreza) em uma pessoa que, sentada ao piano de concerto, toca um texto musical previamente aprendido? Acontece – é possível. Não importa o que Slobodyanik coloque em seus programas, até os mais espetaculares, vencedores, cenicamente atraentes, nele como performer não se percebe nem uma sombra de narcisismo. Mesmo naqueles momentos em que você pode realmente admirá-lo: quando ele está no seu melhor e tudo o que ele faz, como dizem, acaba e sai. Nada mesquinho, presunçoso, vaidoso pode ser encontrado em sua arte. “Com seus dados de palco felizes, não há um indício de narcisismo artístico”, admiram aqueles que estão familiarizados com Slobodyanik. Isso mesmo, nem a menor dica. De onde, de fato, vem isso: já foi dito mais de uma vez que o artista sempre “continua” uma pessoa, queira ou não, saiba ou não.
Ele tem um estilo meio lúdico, parece que estabeleceu uma regra para si mesmo: não importa o que você faça no teclado, tudo é feito devagar. O repertório de Slobodyanik inclui uma série de peças virtuosas brilhantes (Liszt, Rachmaninoff, Prokofiev…); é difícil lembrar que ele se apressou, “conduziu” pelo menos um deles – como acontece, e muitas vezes, com bravura de piano. Não é por acaso que os críticos o censuraram às vezes por um ritmo um tanto lento, nunca por muito alto. Provavelmente é assim que um artista deve olhar no palco, acho que em alguns momentos, observando-o: não perder a calma, não perder a calma, pelo menos no que diz respeito a um comportamento puramente externo. Em todas as circunstâncias, esteja calmo, com dignidade interior. Mesmo nos momentos de performance mais quentes - você nunca sabe quantos deles estão na música romântica que Slobodyanik há muito prefere - não caia na exaltação, excitação, confusão ... Como todos os artistas extraordinários, Slobodyanik tem uma característica, única característica estilo jogos; a maneira mais precisa, talvez, seria designar esse estilo com o termo Grave (devagar, majestosamente, significativamente). É assim, um pouco pesado no som, delineando relevos texturizados de forma ampla e convexa, que Slobodyanik interpreta a sonata em fá menor de Brahms, o Quinto Concerto de Beethoven, o Primeiro de Tchaikovsky, os Quadros de uma Exposição de Mussorgsky, as sonatas de Myaskovsky. Tudo o que agora foi chamado são os melhores números de seu repertório.
Certa vez, em 1966, durante o Terceiro Concurso de Imprensa Tchaikovsky, falando com entusiasmo sobre sua interpretação do concerto em ré menor de Rachmaninov, ela escreveu: “Slobodianik toca verdadeiramente em russo”. A “entonação eslava” é claramente visível nele – em sua natureza, aparência, visão de mundo artística, jogo. Geralmente não é difícil para ele se abrir, expressar-se exaustivamente nas obras pertencentes a seus compatriotas - especialmente naquelas inspiradas em imagens de amplitude ilimitada e espaços abertos ... Certa vez, um dos colegas de Slobodyanik observou: “Há claros, tempestuosos, temperamentos explosivos. Aqui o temperamento, sim, do escopo e amplitude. A observação está correta. É por isso que as obras de Tchaikovsky e Rachmaninov são tão boas para o pianista e muito para o falecido Prokofiev. É por isso (uma circunstância notável!) que ele recebe tanta atenção no exterior. Para os estrangeiros, é interessante como um fenômeno tipicamente russo na performance musical, como um personagem nacional suculento e colorido na arte. Ele foi calorosamente aplaudido mais de uma vez nos países do Velho Mundo, e muitas de suas viagens ao exterior também foram bem-sucedidas.
Certa vez, em uma conversa, Slobodyanik tocou no fato de que para ele, como intérprete, são preferíveis obras de grandes formas. “No gênero monumental, de alguma forma me sinto mais confortável. Talvez mais calmo do que em miniatura. Talvez aqui o instinto artístico de autopreservação se faça sentir – existe tal … Se de repente eu “tropeço” em algum lugar, “perco” algo no processo de tocar, então a obra – quero dizer uma grande obra que está muito espalhada no espaço de som - ainda não será completamente arruinado. Ainda haverá tempo de salvá-lo, de se reabilitar de um erro acidental, de fazer outra coisa bem. Se você estragar uma miniatura em um único lugar, você a destrói completamente.
Ele sabe que a qualquer momento pode “perder” algo no palco – isso aconteceu com ele mais de uma vez, desde muito jovem. “Antes, eu tinha ainda pior. Agora a prática de palco acumulada ao longo dos anos, o conhecimento do próprio negócio ajudam … ”E realmente, qual dos participantes do show não teve que se perder durante o jogo, esquecer, entrar em situações críticas? Slobodyaniku, provavelmente com mais frequência do que muitos dos músicos de sua geração. Também aconteceu com ele: como se algum tipo de nuvem inesperadamente encontrasse em sua performance, de repente ela se tornasse inerte, estática, desmagnetizada internamente … E hoje, mesmo quando um pianista está no auge da vida, totalmente munido de uma experiência de variedade, acontece que fragmentos de música vivos e coloridos se alternam em suas noites com outros monótonos e inexpressivos. Como se por um tempo perdesse o interesse pelo que está acontecendo, mergulhando em algum transe inesperado e inexplicável. E então, de repente, ele se inflama novamente, se empolga, conduz o público com confiança.
Houve tal episódio na biografia de Slobodyanik. Ele tocou em Moscou uma composição complexa e raramente executada de Reger - Variações e Fuga sobre um Tema de Bach. No começo saiu do pianista não é muito interessante. Era evidente que ele não conseguiu. Frustrado com o fracasso, ele encerrou a noite repetindo as variações do bis de Reger. E repetiu (sem exagero) suntuosamente – brilhante, inspirador, quente. Clavirabend parecia ter se dividido em duas partes que não eram muito parecidas – isso era o Slobodyanik inteiro.
Existe uma desvantagem agora? Talvez. Quem vai argumentar: um artista moderno, um profissional no alto sentido da palavra, é obrigado a administrar sua inspiração. Deve ser capaz de chamá-lo à vontade, ser pelo menos estável na sua criatividade. Só que, falando com toda a franqueza, sempre foi possível a cada um dos frequentadores dos concertos, mesmo os mais conhecidos, conseguir fazê-lo? E não eram, apesar de tudo, alguns artistas “instáveis” que em nada se distinguiam pela sua constância criativa, como V. Sofronitsky ou M. Polyakin, eram a decoração e o orgulho da cena profissional?
Há mestres (no teatro, na sala de concertos) que podem atuar com a precisão de aparatos automáticos impecavelmente ajustados – honra e louvor a eles, qualidade digna da atitude mais respeitosa. Há outros. As flutuações no bem-estar criativo são naturais para eles, como o jogo do claro-escuro em uma tarde de verão, como o fluxo e refluxo do mar, como a respiração de um organismo vivo. O magnífico conhecedor e psicólogo da performance musical GG Neuhaus (ele já tinha algo a dizer sobre os caprichos da fortuna no palco - tanto sucessos quanto fracassos brilhantes) não via, por exemplo, nada de repreensível no fato de um determinado concertista ser incapaz de para ” produzir produtos padrão com precisão de fábrica – suas aparições públicas ” (Neigauz GG Reflexões, memórias, diários. S. 177.).
A lista acima dos autores com os quais a maioria das realizações interpretativas de Slobodyanik estão associadas – Tchaikovsky, Rachmaninov, Prokofiev, Beethoven, Brahms … Você pode complementar esta série com os nomes de compositores como Liszt (no repertório de Slobodyanik, a Sexta Rapsódia, Campanella, Mephisto Waltz e outras peças de Liszt), Schubert (Sonata em si bemol maior), Schumann (Carnaval, Estudos sinfônicos), Ravel (Concerto para a mão esquerda), Bartok (Sonata para piano, 1926), Stravinsky ("Salsa ”).
Slobodianik é menos convincente em Chopin, embora ame muito esse autor, muitas vezes se refere ao seu trabalho - os pôsteres do pianista apresentam prelúdios, estudos, scherzos, baladas de Chopin. Como regra, o século 1988 os ignora. Scarlatti, Haydn, Mozart – estes nomes são bastante raros nos programas dos seus concertos. (É verdade que na temporada XNUMX Slobodyanik tocou publicamente o concerto de Mozart em si bemol maior, que ele havia aprendido pouco antes. Mas isso, em geral, não marcou mudanças fundamentais em sua estratégia de repertório, não o tornou um pianista “clássico” ). Provavelmente, o ponto aqui está em algumas características e propriedades psicológicas que eram originalmente inerentes à sua natureza artística. Mas em alguns traços característicos de seu “aparelho pianístico” – também.
Ele tem mãos poderosas que podem esmagar qualquer dificuldade de execução: técnica de acordes forte e confiante, oitavas espetaculares e assim por diante. Em outras palavras, o virtuosismo close-up. O chamado “pequeno equipamento” de Slobodyanik parece mais modesto. Sente-se que às vezes ela carece de sutileza a céu aberto no desenho, leveza e graça, caligrafia nos detalhes. É possível que a natureza seja parcialmente culpada por isso – a própria estrutura das mãos de Slobodyanik, sua “constituição” pianística. É possível, no entanto, que ele próprio seja o culpado. Ou melhor, o que GG Neuhaus chamou em seu tempo de não cumprimento de vários tipos de “deveres” educacionais: algumas deficiências e omissões desde a primeira juventude. Nunca passou sem consequências para ninguém.
Slobodyanik viu muito nos anos em que esteve no palco. Diante de muitos problemas, pensou neles. Ele está preocupado com o fato de que entre o público em geral, como ele acredita, há um certo declínio no interesse pela vida de concerto. “Parece-me que os nossos ouvintes sentem uma certa desilusão com as noites filarmónicas. Não deixe todos os ouvintes, mas, em qualquer caso, uma parte considerável. Ou talvez apenas o próprio gênero de concerto esteja "cansado"? Também não descarto.”
Ele não para de pensar no que pode atrair o público ao Philharmonic Hall hoje. Artista de alta classe? Sem dúvida. Mas há outras circunstâncias, acredita Slobodyanik, que não interferem na consideração. Por exemplo. Em nosso tempo dinâmico, programas longos e de longo prazo são percebidos com dificuldade. Era uma vez, 50-60 anos atrás, artistas de concerto davam noites em três seções; agora pareceria um anacronismo - provavelmente, os ouvintes simplesmente sairiam da terceira parte ... Slobodyanik está convencido de que os programas de concerto hoje em dia deveriam ser mais compactos. Sem comprimentos! Na segunda metade dos anos oitenta, teve clavirabendas sem intervalos, numa parte. “Para o público de hoje, ouvir música por dez a uma hora e quinze minutos é mais do que suficiente. O intervalo, na minha opinião, nem sempre é necessário. Às vezes, apenas amortece, distrai…”
Ele também pensa sobre alguns outros aspectos deste problema. O fato de que chegou a hora, aparentemente, de fazer algumas mudanças na própria forma, estrutura, organização das apresentações de concertos. É muito proveitoso, de acordo com Alexander Alexandrovich, introduzir números de conjuntos de câmara em programas solo tradicionais – como componentes. Por exemplo, os pianistas devem se unir aos violinistas, violoncelistas, vocalistas, etc. Em princípio, isso anima as noites filarmônicas, torna-as mais contrastantes na forma, mais diversificadas no conteúdo e, portanto, atraentes para os ouvintes. Talvez seja por isso que a música de conjunto o atraiu cada vez mais nos últimos anos. (Um fenômeno, aliás, geralmente característico de muitos intérpretes na época da maturidade criativa.) Em 1984 e 1988, ele costumava se apresentar com Liana Isakadze; executaram obras para violino e piano de Beethoven, Ravel, Stravinsky, Schnittke…
Cada artista tem atuações mais ou menos comuns, como se costuma dizer, passageiras, e há concertos-eventos, cuja memória se conserva por muito tempo. Se falar sobre tal Das apresentações de Slobodyanik na segunda metade dos anos oitenta, não se pode deixar de mencionar a sua execução conjunta do Concerto para Violino, Piano e Orquestra de Cordas de Mendelssohn (1986, acompanhado pela Orquestra de Câmara do Estado da URSS), Concerto para Violino, Piano e Cordas de Chausson Quarteto (1985) com V. Tretyakov ano, juntamente com V. Tretyakov e o Quarteto Borodin), concerto para piano de Schnittke (1986 e 1988, acompanhado pela State Chamber Orchestra).
E gostaria de mencionar mais um lado de sua atividade. Ao longo dos anos, toca cada vez mais e com boa vontade em instituições de ensino musical – escolas de música, escolas de música, conservatórios. “Aí, pelo menos você sabe que eles vão te ouvir com muita atenção, com interesse, com conhecimento do assunto. E eles vão entender o que você, como performer, queria dizer. Acho que isso é o mais importante para um artista: para ser entendido. Deixe algumas observações críticas virem mais tarde. Mesmo que você não goste de algo. Mas tudo o que sai com sucesso, que você consegue, também não passará despercebido.
A pior coisa para um músico de concerto é a indiferença. E nas instituições de ensino especial, via de regra, não existem pessoas indiferentes e indiferentes.
Na minha opinião, tocar em escolas de música e escolas de música é algo mais difícil e responsável do que tocar em muitas salas filarmónicas. E eu pessoalmente gosto disso. Além disso, aqui o artista é valorizado, tratam-no com respeito, não o obrigam a viver aqueles momentos humilhantes que por vezes recaem sobre ele nas relações com a administração da sociedade filarmónica.
Como todo artista, Slobodyanik ganhou algo ao longo dos anos, mas ao mesmo tempo perdeu outra coisa. No entanto, sua feliz capacidade de “inflamar espontaneamente” durante as apresentações ainda foi preservada. Lembro-me de uma vez que conversamos com ele sobre vários assuntos; conversamos sobre momentos sombrios e as vicissitudes da vida de um artista convidado; Perguntei-lhe: é possível, em princípio, tocar bem, se tudo à volta do artista o leva a tocar, mal: tanto a sala (se se pode chamar de sala aquelas salas absolutamente inadequadas para concertos, nas quais às vezes se tem para se apresentar), e o público (se for possível considerar reuniões aleatórias e extremamente poucas de pessoas para um público filarmônico real), e um instrumento quebrado, etc., etc. “Você sabe”, respondeu Alexander Alexandrovich, “mesmo nesses , por assim dizer, “condições insalubres” funcionam muito bem. Sim, sim, você pode, confie em mim. Mas – se apenas ser capaz de desfrutar de música. Que essa paixão não venha imediatamente, que sejam gastos 20 a 30 minutos para se ajustar à situação. Mas então, quando a música realmente te cativa, quando fique excitado, – tudo ao redor se torna indiferente, sem importância. E aí você pode jogar muito bem…”
Bem, esta é a propriedade de um verdadeiro artista - mergulhar tanto na música que deixa de perceber absolutamente tudo ao seu redor. E Slobodianik, como disseram, não perdeu essa habilidade.
Certamente, no futuro, novas alegrias e alegrias de encontro com o público o aguardam – haverá aplausos, e outros atributos de sucesso que lhe são bem conhecidos. Só é improvável que isso seja o principal para ele hoje. Marina Tsvetaeva certa vez expressou uma ideia muito correta de que quando um artista entra na segunda metade de sua vida criativa, isso já se torna importante para ele não sucesso, mas tempo...
G. Tsypin, 1990
