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Moysikn grego, de mousa - musa

Um tipo de arte que reflete a realidade e afeta uma pessoa através de sequências sonoras que são significativas e especialmente organizadas em altura e tempo, consistindo principalmente de tons (sons de uma certa altura, ver Som musical). Expressando os pensamentos e emoções de uma pessoa de forma audível, M. serve como meio de comunicação entre as pessoas e influencia sua psique. A possibilidade disso decorre da conexão física e biologicamente condicionada das manifestações sonoras de uma pessoa (assim como de muitos outros seres vivos) com seu mental. vida (especialmente emocional) e da atividade do som como irritante e um sinal para a ação. Em vários aspectos, M. é semelhante à fala, mais precisamente, à entonação da fala, onde ext. o estado de uma pessoa e sua atitude emocional em relação ao mundo são expressos por meio de mudanças no tom e outras características do som da voz durante a emissão. Essa analogia nos permite falar sobre a natureza entoacional do M. (ver Entonação). Ao mesmo tempo, M. difere significativamente da fala, principalmente pelas qualidades inerentes a ela como arte. Entre eles: a mediação do reflexo da realidade, as funções utilitárias opcionais, o papel mais importante da estética. funções, art. o valor do conteúdo e da forma (a natureza individual das imagens e sua incorporação, a manifestação de criatividade, talento artístico geral e especificamente musical do autor ou intérprete, etc.). Em comparação com os meios universais de comunicação sonora humana – a fala, a especificidade de M. e duração de cada um deles), o que aumenta muito sua expressividade emocional e estética.

Sendo “a arte do significado entoado” (BV Asafiev), a música realmente existe e funciona na sociedade apenas no som ao vivo, na performance. Em várias artes, M. se une, em primeiro lugar, ao não pictórico (poesia lírica, arquitetura, etc.), ou seja, a tais, para os quais não é necessário reproduzir a estrutura material de objetos específicos, e, em segundo lugar, aos temporários. os (dança, literatura, teatro, cinema), ou seja, tais, to-rye desdobram-se no tempo, e, em terceiro lugar, para performar (a mesma dança, teatro, cinema), ou seja, exigindo intermediários entre criatividade e percepção. Ao mesmo tempo, tanto o conteúdo quanto a forma de arte são específicos em relação a outros tipos de arte.

O conteúdo de M. é constituído por imagens artístico-entonacionais, ou seja, captadas em sons significativos (entoações), resultados de reflexão, transformação e estética. avaliação da realidade objetiva na mente de um músico (compositor, intérprete).

O papel dominante no conteúdo de M. é desempenhado pelos “arts. emoções” – selecionadas de acordo com as possibilidades e objetivos da reivindicação, livres de momentos aleatórios e estados e processos emocionais significativos. Seu lugar de liderança na música. o conteúdo é pré-determinado pela natureza sonora (entonação) e temporal de M., o que lhe permite, por um lado, contar com milhares de anos de experiência em revelar externamente as emoções das pessoas e transferi-las para outros membros da sociedade, principalmente e CH. arr. através dos sons e, por outro lado, expressar adequadamente a experiência como um movimento, um processo com todas as suas mudanças e matizes, dinâmico. subidas e descidas, transições mútuas de emoções e suas colisões.

A partir de dezembro tipos de emoções M. acima de tudo tendem a incorporar estados de espírito – os estados emocionais de uma pessoa, não direcionados, ao contrário dos sentimentos, a nenhum específico. sujeito (embora causado por razões objetivas): diversão, tristeza, alegria, desânimo, ternura, confiança, ansiedade, etc. M. também reflete amplamente os aspectos emocionais das qualidades intelectuais e volitivas de uma pessoa (e os processos correspondentes): reflexão , determinação, energia, inércia, impulsividade, contenção, perseverança, falta de vontade, seriedade, frivolidade, etc. Isso permite que M. se revele não apenas psicológico. estados de pessoas, mas também seus personagens. Na expressão mais concreta (mas não traduzida para a linguagem das palavras), muito sutil e “infecciosa” das emoções, M. não conhece igual. É nesta capacidade que se baseia a sua definição generalizada como a “linguagem da alma” (AN Serov).

Na música O conteúdo também inclui “Arts. pensamentos” selecionados, como as emoções, e intimamente relacionadas a estas, “sentidas”. Ao mesmo tempo, por seus próprios meios, sem a ajuda de palavras, etc. vnemuz. fatores, M. não pode expressar todos os tipos de pensamentos. Ela não se caracteriza por mensagens de pensamento extremamente concretas, facilmente acessíveis para expressão em palavras, contendo informações sobre quaisquer fatos, e extremamente abstratas, não causando associações emocionais e visual-figurativas. No entanto, M. é bastante acessível a tais generalizações de pensamentos, expressas em conceitos relacionados à dinâmica. lado do social e mental. fenômenos, às qualidades morais, traços de caráter e estados emocionais de uma pessoa e sociedade. Em puro instr. As obras de grandes compositores de diferentes épocas incorporaram profunda e vividamente suas ideias sobre a harmonia ou desarmonia do mundo, a estabilidade ou instabilidade das relações sociais em uma determinada sociedade, a integridade ou fragmentação das sociedades. e consciência pessoal, o poder ou impotência de uma pessoa, etc. Um grande papel na incorporação de generalizações de pensamentos abstratos é desempenhado pela dramaturgia musical, ou seja, comparação, colisão e desenvolvimento de imagens musicais. As maiores oportunidades para expressar ideias generalizantes significativas das musas propriamente ditas. meio dá o sinfonismo como dialético. desenvolvimento de um sistema de imagens, levando à formação de uma nova qualidade.

Num esforço para alargar o âmbito do mundo das ideias filosóficas e sociais, os compositores recorrem frequentemente à síntese da música com a palavra como portadora de um conteúdo conceptual específico (vok. e program instr. M., ver Program music), assim como com a música de palco. ação. Graças à síntese com a palavra, a ação e outros fatores não musicais, as possibilidades da música se expandem. Novos tipos de musas são formados nele. imagens, to-rye constantemente associadas nas sociedades. consciência com conceitos e idéias expressas por outros componentes da síntese, e então passar para M. “puro” como portadores dos mesmos conceitos e idéias. Além disso, os compositores usam símbolos sonoros (sinais convencionais) que surgiram nas sociedades. prática (vários tipos de sinais, etc.; isso também inclui melodias ou melodias que existem em um determinado ambiente social e receberam um significado estável e inequívoco nele, que se tornaram “emblemas musicais” de quaisquer conceitos), ou eles criam seus próprios , nova música. sinais.” Como resultado, o conteúdo de M. inclui um círculo de ideias enorme e continuamente enriquecido.

Um lugar relativamente limitado em M. é ocupado por imagens visuais de fenômenos específicos da realidade, incorporados na música. imagens, ou seja, em sons, to-rye reproduzem os signos sensuais desses fenômenos (ver pintura sonora). O pequeno papel da representação na arte deve-se objetivamente à capacidade muito menor da audição, em comparação com a visão, de informar uma pessoa sobre características materiais específicas dos objetos. No entanto, esboços da natureza e “retratos” são frequentemente encontrados em M. dez. pessoas e fotos ou “cenas” da vida de dez. camadas da sociedade de um determinado país e época. Apresentam-se como uma imagem (reprodução) mais ou menos direta (embora inevitavelmente sujeita à lógica musical) dos sons da natureza (barulho do vento e da água, canto dos pássaros, etc.), de uma pessoa (entonação da fala, etc.) sociedade (sons não-musicais e gêneros musicais cotidianos que fazem parte da vida prática), e a recriação de características concretas-sensoriais visíveis e outras de objetos com a ajuda de associações (canto de pássaros – uma imagem de uma floresta), analogias (uma ampla mover em uma melodia – uma ideia de uXNUMXbuXNUMXbspace) e sinestesia – conexões entre sensações auditivas e visuais, táteis, sensações de peso, etc. (sons altos são leves, agudos, leves, finos; sons baixos são escuros, maçantes, pesados , espesso). As representações espaciais, pela presença de associações, analogias e sinestesias, necessariamente acompanham a percepção de M., porém, nem sempre significam a presença neste produto. imagens como imagens visuais integrais de objetos específicos. Se as imagens estão disponíveis na música. os produtos, então, em regra, servem apenas como um meio adicional de revelar o conteúdo ideológico e emocional, ou seja, pensamentos e humores das pessoas, seus personagens e aspirações, seus ideais e avaliações da realidade. Assim, específico. O tema das reflexões musicais é a atitude (cap. arr. emocional) de uma pessoa e de uma sociedade em relação ao mundo, tomada em sua dinâmica.

O conteúdo de M. (em uma sociedade de classes) é uma unidade do indivíduo, classe e universal. M. sempre expressa não apenas a atitude pessoal do autor em relação à realidade, sua ext. mundo, mas também alguns dos mais importantes, típicos. características da ideologia e, especialmente, da psicologia de um determinado grupo social, incl. seu sistema de sentimentos, o “tom psicológico” geral, seu ritmo de vida inerente e interno. ritmo. Ao mesmo tempo, muitas vezes transmite a coloração emocional, o ritmo, o ritmo da época como um todo, pensamentos e emoções que estão próximos não de um, mas de vários. classes (por exemplo, as ideias de transformação democrática da sociedade, libertação nacional, etc.) ou mesmo todas as pessoas (por exemplo, humores despertados pela natureza, amor e outras experiências líricas), incorpora altos ideais universais. No entanto, como o universal no mundo ideológico e emocional de uma pessoa não está divorciado de seu ser social, então o universal em M. inevitavelmente adquire uma orientação social.

Verdadeiro e, além disso, digitado, ou seja, combinando uma generalização com sócio-histórico, nat. e a concretude psicológica individual, um reflexo dos humores e personagens das pessoas como membros do definido. sociedade serve como uma manifestação do realismo na música. A completa ausência na produção de conteúdo ideológico e emocional (incluindo o mundo mental do homem), “brincar” sem sentido com sons ou sua transformação apenas em meio fisiológico. as influências sobre os ouvintes trazem essa “construção sonora” para além dos limites do M. como arte.

M. conteúdo disponível dec. Gênero: épico, dramático, lírico. Ao mesmo tempo, porém, devido à sua natureza não pictórica, as letras mais próximas a ela, prevendo a predominância da “autoexpressão” sobre a imagem do mundo exterior, dos “auto-retratos” psicológicos sobre as características de outros pessoas. O conteúdo de M. como um todo é dominado por imagens positivas que correspondem ao ideal ético e estético do autor. Embora as imagens negativas (e com elas a ironia, a caricatura e o grotesco) também tenham entrado no mundo musical há muito tempo - e especialmente amplamente desde a era do romantismo - elas continuaram sendo a principal tendência na música. conteúdo, permanece uma tendência à afirmação, ao “canto”, e não à negação, à denúncia. A tendência de um M tão orgânico de revelar e enfatizar o melhor de uma pessoa aumenta sua importância como porta-voz do humanismo. o início e portador da função moral e educativa.

A encarnação material do conteúdo de M., o modo de sua existência é a música. forma – um sistema de música. sons, nos quais se realizam os pensamentos, emoções e representações figurativas do compositor (ver Forma Musical). Musas. a forma é secundária ao conteúdo e geralmente subordinada a ele. Ao mesmo tempo, possui relações. independência, que é tanto mais grande porque a arte, como todos os tipos de arte não pictórica, é muito limitada no uso de formas de fenômenos da vida real e, portanto, inevitavelmente dá origem a suas próprias formas em grande escala que não repetem as formas naturais. uns. Essas formas especiais são criadas para expressar específicos. o conteúdo musical, por sua vez, o influencia ativamente, o “forma”. A forma musical (assim como qualquer artística) é caracterizada por uma tendência à estabilidade, estabilidade, repetição de estruturas e elementos individuais, que entra em conflito com a variabilidade, mobilidade e originalidade das musas. contente. Isso é dialética. a contradição dentro do quadro de interconexão e unidade é resolvida cada vez à sua maneira no processo de criação de musas específicas. produção, quando, por um lado, a forma tradicional é individualizada e atualizada sob a influência do novo conteúdo e, por outro, o conteúdo é tipificado e nele são revelados e cristalizados momentos que correspondem às características estáveis ​​do forma utilizada.

A proporção na música. criatividade e desempenho entre estável e mudando de maneiras diferentes na música. culturas de vários tipos. Na tradição oral de M. (folclore de todos os países, prof. reivindicando o princípio da improvisação (cada vez com base em certas normas estilísticas), a forma permanece aberta, “aberta”. Ao mesmo tempo, as estruturas típicas de Nar. música pl. povos são mais estáveis ​​do que as estruturas da música profissional (ver música popular). Na tradição escrita M. (europeia) cada produto. tem uma forma fechada, mais ou menos estável, embora aqui, em alguns estilos, elementos de improvisação são fornecidos (veja Improvisação).

Além da fixação material do conteúdo, a forma em M. também cumpre a função de sua transmissão, “mensagem” para a sociedade. Essa função comunicativa também determina certos aspectos essenciais das musas. formas e, acima de tudo – conformidade com os padrões gerais de percepção do ouvinte e (dentro de certos limites) seu tipo e capacidades em uma determinada época.

Mesmo tomadas separadamente musas. as sondagens já têm expressos primários. oportunidades. Cada um deles é capaz de causar fisiológicas. uma sensação de prazer ou desprazer, excitação ou calma, tensão ou descarga, bem como sinestésicas. sensações (peso ou leveza, calor ou frio, escuridão ou luz, etc.) e as associações espaciais mais simples. Essas possibilidades são usadas de uma forma ou de outra em qualquer música. prod., mas geralmente apenas como um lado em relação a esses recursos psicológicos. e influências estéticas, que estão contidas nas camadas mais profundas da forma musical, onde os sons já atuam como elementos de estruturas organizadas integrais.

Mantendo alguma semelhança com os sons da vida real, musas. os sons ao mesmo tempo diferem fundamentalmente deles por estarem incluídos nos sistemas historicamente estabelecidos desenvolvidos pelas musas. a prática de uma determinada sociedade (ver Sistema de som). Cada música. o sistema de som (trichord, tetrachord, pentatonic, diatonic, equal-tempered system de doze sons, etc.) fornece os pré-requisitos para o surgimento de várias combinações estáveis ​​de tons que podem ser repetidamente reproduzidos horizontal e verticalmente. De maneira semelhante em cada cultura são selecionados e adicionados ao sistema de duração dos sons, o que possibilita formar tipos estáveis ​​de suas sequências temporais.

Em M., além de tons, também são usados ​​sons indefinidos. altura (ruído) ou algo semelhante, cuja altura não é levada em consideração. No entanto, eles desempenham um papel dependente e secundário, pois, como mostra a experiência, apenas a presença de um tom fixo permite à mente humana organizar sons, estabelecer relações entre eles, trazê-los para um sistema e formá-los em formas logicamente organizadas, significativas e , além disso, estruturas sonoras suficientemente desenvolvidas. Portanto, as construções apenas a partir do ruído (por exemplo, dos sons da fala “não-musical” ou dos instrumentos de percussão sem um tom específico) ou pertencem à “pré-música” (nas culturas primitivas), ou extrapolam o âmbito da música. ação judicial nesse sentido, que estava entrincheirada no histórico-social. a prática da maioria dos povos por muitos anos. séculos.

Em cada música dada. em uma obra, os tons formam seu próprio sistema de sequências horizontais e (na polifonia) conexões verticais (consonâncias), que compõem sua forma (ver Melodia, Harmonia, Polifonia). Nesta forma, deve-se distinguir entre os lados externo (físico) e interno (“linguístico”). O lado externo inclui a mudança de timbres, a direção do melódico. movimento e seu padrão (suave, espasmódico), dinâmico. curva (mudanças no volume, veja Dinâmica), andamento, caráter geral do ritmo (veja Ritmo). Este lado das formas musicais são percebidos de forma semelhante à fala em uma língua desconhecida, que pode ter um impacto emocional no ouvinte (nos níveis fisiológico e mental inferior) com seu som geral, sem entender seu conteúdo. O lado interno (“linguístico”) da música. formas são sua entonação. composição, ou seja, os pares sonoros significativos incluídos nela (voltas melódicas, harmônicas e rítmicas), já dominadas anteriormente pelas sociedades. consciência (ou semelhantes às dominadas), cujos significados potenciais são geralmente conhecidos pelos ouvintes. Este lado das formas musicais são percebidos de forma semelhante à fala em uma linguagem familiar, afetando não apenas pelo seu som, mas também pelo seu significado.

M. de cada nação em cada época é caracterizada por um certo. um complexo de tipos estáveis ​​de combinações de sons (entonações) junto com as regras (normas) para seu uso. Tal complexo pode ser chamado (metaforicamente) de musas. “língua” desta nação e época. Ao contrário da linguagem verbal (verbal), é desprovida de certas criaturas. signos de um sistema de signos, porque, em primeiro lugar, seus elementos não são formações estáveis ​​específicas (signos), mas apenas tipos de combinações sonoras e, em segundo lugar, cada um desses elementos tem mais de uma definição. valor, mas um conjunto de valores potenciais, cujo campo não possui limites precisamente estabelecidos; em terceiro lugar, a forma de cada elemento é inseparável de seus valores, não pode ser substituído por outro, nem alterado significativamente sem alterar o valor; por isso, em M. é impossível transferir de uma musa. língua para outra.

O campo de valores potenciais de qualquer elemento musical-linguístico depende, por um lado, de seu físico. (acústicas) e, por outro lado, da experiência do seu uso nas sociedades musicais. prática e suas conexões, como resultado dessa experiência, com outros fenômenos. Tais são os vnemuz. associações (com os sons da fala, da natureza, etc., e através deles com as correspondentes imagens de pessoas e fenômenos naturais) e intramusicais, que, por sua vez, se dividem em associações extratextuais (com outras obras musicais) e intratexto (eles surgem dentro de uma determinada obra com base em vários tipos de conexões entoacionais, semelhanças temáticas, etc.). Na formação da semântica. possibilidades diferem. elementos musicais. A linguagem desempenha um grande papel na experiência de seu uso repetido no M. cotidiano, assim como no M. com a palavra e o palco. ação, onde seus fortes laços são formados com situações de vida e com aqueles elementos de conteúdo que são corporificados fora da musa. significa.

Aos elementos repetitivos da música. formas, semântica. oportunidades para-rykh dependem das tradições de seu uso em sociedades musicais. prática, pertencem não apenas aos tipos de entonações (palavras musicais), mas também a tal unidade de expressões musicais. significa, quais são os gêneros (marcha, dança, música, etc., veja Gênero musical). Panela. Os significados de cada gênero são amplamente determinados por suas funções cotidianas primárias, ou seja, seu lugar na prática de vida.

O compositor pode usar em suas obras. como padrões gerais de música. “linguagem” da nação e época, bem como seus elementos específicos. Ao mesmo tempo, certos elementos passam dentro de um determinado estilo de obra para obra e de um autor para outro sem ser. mudanças (desenvolver giros melódicos e harmônicos, cadências, fórmulas rítmicas de gêneros cotidianos, etc.). Outros servem apenas como protótipos para a criação de novos elementos, em cada caso, originais das musas. formas (tais são os giros primários dos temas – seus “grãos”, bem como as entonações culminantes). Quando você liga qualquer elemento da música. linguagem em uma obra, o campo de seus significados muda: por um lado, ele se estreita devido ao papel concretizador das musas. contexto, bem como palavras ou cenas. A ação (nos gêneros sintéticos), por outro lado, está se expandindo devido ao surgimento de conexões intratextuais. Usando os elementos e regras das musas existentes. linguagens, modificando-as, criando novas, o compositor forma assim sua própria música individual, de certa forma única. a linguagem de que necessita para incorporar o seu próprio conteúdo original.

Musas. idiomas diferentes. épocas, nações, compositores são extraordinariamente diversos, mas todos eles também têm alguns princípios gerais para organizar os tons – tom e tempo. Na grande maioria das culturas e estilos musicais, as relações de altura dos tons são organizadas com base no modo, e as relações temporais são organizadas com base na métrica. Fret e metro servem ao mesmo tempo como generalizações de todo o ritmo de entonação anterior. práticas e reguladores de maior criatividade, que direcionam o fluxo de pares sonoros gerados pela consciência do compositor ao longo de um determinado canal. Implantação coerente e significativa (em monofonia) de relações de altitude e temporais das musas. sons baseados em traste e medidor formam uma melodia, que é o mais importante do express. meio de M., sua alma.

Combinando a música de fundo principal. expressividade (entonação, altura, organização rítmica e sintática), a melodia as implementa de forma concentrada e individualizada. Alívio e originalidade melódica. material servem como critério essencial para o valor das musas. obras, contribuem significativamente para sua percepção e memorização.

Em cada música dada. um trabalho de elementos individuais de sua forma é formado no processo de combinação e subordinação de uma estrutura geral, consistindo em um conjunto de estruturas privadas. Estes últimos incluem estruturas melódicas, rítmicas, harmônicas, texturais, timbres, dinâmicas, tempo, etc. De particular importância é temática. estrutura, cujos elementos são musas. temas juntamente com diff. tipos e estágios de sua mudança e desenvolvimento. Na maioria dos estilos musicais, são os temas os principais portadores materiais das musas. imagens e, consequentemente, temáticas. estrutura musical. formas em meios. grau serve como uma manifestação externa da estrutura figurativa do conteúdo. Ambas, fundidas, constituem a temática figurativo. a estrutura do trabalho.

Todas as estruturas privadas de musas. as formas são ligadas entre si e coordenadas sintaticamente. estrutura (unindo motivos, frases, frases, períodos) e composicional (unindo partes, seções, partes, etc.). As duas últimas estruturas formam as musas. forma no sentido estrito da palavra (ou seja, a composição de uma obra musical). Devido à independência relativa particularmente grande da forma na arte como uma forma de arte não pictórica, tipos estáveis ​​e relativamente duráveis ​​de estruturas composicionais se desenvolveram nela – musas típicas. formas (no sentido estrito da palavra) capazes de incorporar uma gama muito ampla de imagens. Estes são os que existem na Europa. M. por vários anos já. séculos, formas de duas e três partes, variações, rondó, sonata allegro, fuga, etc.; existem formas típicas na música. culturas do Oriente. Cada um deles geralmente reflete os tipos característicos e mais comuns de movimento na natureza, sociedade e consciência humana (a formação de fenômenos, sua repetição, mudança, desenvolvimento, comparação, colisão etc.). Isso determina seu significado potencial, que é especificado de diferentes maneiras em várias obras. O esquema típico é realizado de uma maneira nova a cada vez, transformando-se em uma composição única desta obra.

Como o conteúdo, a música. a forma se desdobra no tempo, sendo um processo. Cada elemento de cada estrutura desempenha um papel nesse processo, desempenha um certo. função. As funções do elemento na música. a forma pode ser múltipla (multifuncionalidade) e mutável (variabilidade de funções). Elementos seg. estruturas (assim como tons – em elementos) se conectam e funcionam com base em musas. lógica, que é específica. refração dos padrões gerais do ser humano. Atividades. Em cada estilo de música (ver Estilo musical) forma sua própria variedade de musas. lógica, refletindo e resumindo a prática criativa desta época, nat. escola, qualquer de suas correntes ou um autor individual.

Tanto o conteúdo de M. quanto sua forma estão se desenvolvendo gradualmente. Suas oportunidades internas são cada vez mais reveladas e enriquecidas gradualmente sob a influência de fatores externos e, sobretudo, mudanças na vida social. M. continuamente inclui novos temas, imagens, ideias, emoções, que dão origem a novas formas. Ao mesmo tempo, elementos obsoletos de conteúdo e forma estão morrendo. No entanto, tudo de valioso criado em Moscou permanece vivo na forma de obras que compõem o clássico. herança, e como tradições criativas adotadas em épocas subsequentes.

A atividade musical humana é dividida em três variedades principais: criatividade (ver Composição), performance (ver Performance musical) e percepção (ver Psicologia musical). Correspondem a três fases da existência das musas. obras: criação, reprodução, escuta. Em cada etapa, o conteúdo e a forma da obra aparecem de forma especial. Na fase de criação, quando na mente do compositor ao mesmo tempo. o conteúdo do autor (ideal) e a forma do autor (material) são desenvolvidos, o conteúdo existe em uma forma real e a forma existe apenas em uma forma potencial. Quando o trabalho é realizado em performance (em culturas musicais escritas, isso geralmente é precedido por uma codificação condicional da forma musical na forma de uma notação musical, veja Escrita musical), então a forma é atualizada, passa para um estado sonoro. Ao mesmo tempo, tanto o conteúdo quanto a forma mudam um pouco, são transformados pelo performer de acordo com sua visão de mundo, estética. ideais, experiência pessoal, temperamento, etc. Isso mostra sua percepção individual e interpretação do trabalho. Existem variantes performáticas de conteúdo e forma. Finalmente, os ouvintes ignoram o produto percebido. pelo prisma de suas visões, gostos, vida e musas. experiência e através disso novamente transformá-la um pouco. Nascem variantes de conteúdo e forma do ouvinte, derivadas das performativas, e através delas – do conteúdo do autor e da forma do autor. Assim, em todas as fases da música. atividade é criativa. personagem, embora em graus variados: o autor cria M., o intérprete ativamente o recria e recria, enquanto o ouvinte o percebe mais ou menos ativamente.

A percepção de M. é um processo complexo multinível, inclusive físico. ouvindo M., sua compreensão, vivência e avaliação. A audição física é uma percepção sensorial direta do lado externo (som) das musas. formas, acompanhadas de fisiológicas. impacto. Compreender e experimentar é a percepção dos significados das musas. formas, ou seja, o conteúdo de M., através da compreensão de suas estruturas. A condição para a percepção neste nível é um conhecimento preliminar (pelo menos de maneira geral) com o correspondente. linguagem musical e a assimilação da lógica da música. pensamento inerente a este estilo, que permite ao ouvinte não só comparar cada momento da implantação das musas. formas com os anteriores, mas também para prever (“antecipar”) a direção do movimento posterior. Nesse nível, o impacto ideológico e emocional de M. no ouvinte é realizado.

Estágios adicionais de percepção da música. obras que ultrapassam os limites de sua sonoridade real no tempo são, por um lado, a formação da atitude do ouvinte em relação à percepção (baseada nas circunstâncias da próxima audição, conhecimento prévio do gênero da obra, nome de sua autor, etc.), e por outro lado, a posterior compreensão do que foi ouvido, sua reprodução na memória (“pós-audição”) ou na própria. desempenho (por exemplo, cantando pelo menos fragmentos e vozes individuais) e a avaliação final (enquanto a avaliação preliminar já é formada durante a emissão do M.).

A capacidade do ouvinte de perceber significativamente (compreender e experimentar) esta ou aquela música. a obra, o conteúdo de sua percepção e avaliação dependem tanto do objeto (obra) quanto do sujeito (ouvinte), mais precisamente, da relação entre necessidades espirituais e interesses estéticos. ideais, o grau de arte. desenvolvimento, a experiência do ouvinte de música e as qualidades internas do trabalho. Por sua vez, as necessidades e outros parâmetros do ouvinte são formados pelo ambiente social e sua música pessoal. experiência faz parte do público. Portanto, a percepção da música é tão socialmente condicionada quanto a criatividade ou a performance (o que não exclui a certa importância das habilidades inatas e propriedades psicológicas individuais para todos os tipos de atividade musical). Em particular, os fatores sociais desempenham um papel importante na formação de interpretações individuais e de massa (interpretações) e avaliações de musas. funciona. Essas interpretações e avaliações são historicamente mutáveis, refletem diferenças no significado objetivo e valor de uma mesma obra para diferentes épocas e grupos sociais (dependendo de sua conformidade com as exigências objetivas da época e das necessidades da sociedade).

Três tipos básicos de atividades musicais estão intimamente interligados, formando uma única cadeia. Cada elo subsequente recebe material do anterior e experimenta sua influência. Há também uma retroalimentação entre eles: o desempenho estimula (mas, em certa medida, limita) a criatividade às suas necessidades e capacidades; sociedades. A percepção influencia diretamente a performance (através das reações do público em seu contato direto e ao vivo com o intérprete e outras formas) e indiretamente na criatividade (uma vez que o compositor, voluntária ou involuntariamente, se concentra em um ou outro tipo de percepção musical e se apoia na linguagem musical que se desenvolveu em uma determinada sociedade).

Juntamente com atividades como a distribuição e propaganda de M. com a ajuda de decomp. mídia, pesquisa científica em música (ver Musicologia, Etnografia Musical, Estética Musical), crítica (ver Crítica Musical), formação de pessoal, liderança organizacional, etc., e as instituições correspondentes a eles, os assuntos desta atividade e os valores gerados por ela, criatividade, performance e percepção formam um sistema – musas. a cultura da sociedade. Na cultura musical desenvolvida, a criatividade é representada por muitas variedades que se cruzam, o to-rye pode ser diferenciado de acordo com o dec. sinais.

1) Por tipo de conteúdo: M. lírico, épico, dramático, bem como heróico, trágico, humorístico, etc.; em outro aspecto – música séria e música leve.

2) Por finalidade performativa: música vocal e música instrumental; em um aspecto diferente – solo, ensemble, orquestral, coral, misto (com possível esclarecimento adicional das composições: por exemplo, para uma orquestra sinfônica, para uma orquestra de câmara, para jazz, etc.).

3) Por síntese com outros tipos de arte e com a palavra: M. teatral (ver Música teatral), coreográfica (ver Música de dança), programa instrumental, melodrama (leitura de música), vocal com palavras. M. fora da síntese – vocalizações (canto sem palavras) e instrumental “puro” (sem programa).

4) De acordo com as funções vitais: música aplicada (com posterior diferenciação em música de produção, música militar, música de sinalização, música de entretenimento, etc.) e música não aplicada.

5) De acordo com as condições de som: M. para ouvir em especial. um ambiente onde os ouvintes são separados dos performers (“apresentados” M., de acordo com G. Besseler), e M. para performance em massa e escuta em uma situação de vida comum (“cotidiano” M.). Por sua vez, o primeiro é dividido em espetacular e concerto, o segundo – em massa-doméstico e ritual. Cada uma dessas quatro variedades (grupos de gêneros) pode ser diferenciada ainda mais: espetacular – em M. para musas. teatro, teatro teatral e cinema (ver Música para cinema), concerto – sobre música sinfónica, música de câmara e música pop. música, missa-todos os dias – em M. para canto e movimento, ritual – em M. ritos de culto (ver música da Igreja) e seculares. Finalmente, dentro de ambas as áreas da música cotidiana de massa, na mesma base, em conjunto com a função vital, gêneros de canções (hino, canção de ninar, serenata, barcarola, etc.), gêneros de dança (hopak, valsa, polonaise, etc.) . ) e marcha (marcha de combate, marcha fúnebre, etc.).

6) Por tipo de composição e música. linguagem (juntamente com meios performáticos): vários de uma parte ou cíclicos. gêneros dentro de variedades (grupos de gêneros) identificados de acordo com as condições sonoras. Por exemplo, entre o espetacular M. – ópera, balé, opereta, etc., entre o concerto – oratório, cantata, romance, sinfonia, suíte, abertura, poema, instr. concerto, sonata solo, trio, quarteto, etc., entre os cerimoniais – hinos, coral, missa, réquiem, etc. nível: por exemplo, ária, conjunto, coro na ópera, opereta, oratório e cantata, adagio e variação solo no balé, andante e scherzo na sinfonia, sonata, câmara-instr. ensemble, etc. Devido à sua conexão com fatores não-musicais e intra-musicais estáveis ​​como função vital, circunstâncias de performance e tipo de estrutura, os gêneros (e grupos de gêneros) também possuem grande estabilidade, durabilidade, às vezes persistindo por vários anos. épocas. Ao mesmo tempo, uma certa esfera de conteúdo e certas características das musas são atribuídas a cada uma delas. formulários. No entanto, com uma mudança no ambiente histórico geral e nas condições de funcionamento do M. na sociedade, os gêneros também evoluem. Alguns deles se transformam, outros desaparecem, dando lugar a novos. (Em particular, no século 20, o desenvolvimento do rádio, cinema, televisão e outros meios técnicos de divulgação da mídia contribuiu para a formação de novos gêneros.) Como resultado, cada época e nat. a cultura musical é caracterizada por seu “fundo de gênero”.

7) Por estilos (histórico, nacional, grupal, individual). Assim como o gênero, o estilo é um conceito geral que abrange um grande número de musas. fenômenos que são semelhantes em certos aspectos (cap. arr. de acordo com o tipo de pensamento musical incorporado neles). Ao mesmo tempo, os estilos, via de regra, são muito mais móveis, mais mutáveis ​​que os gêneros. Se a categoria de gênero reflete a semelhança das musas. obras do mesmo tipo pertencentes a diferentes estilos e épocas, depois na categoria de estilo – a comunidade de obras de diferentes gêneros pertencentes à mesma época. Em outras palavras, o gênero dá uma generalização do histórico-musical. processo em sequência, diacronia e estilo – em simultaneidade, sincronia.

A performance, como a criatividade, divide-se em vocal e instrumental e, ainda, de acordo com os instrumentos e de acordo com a composição dos conjuntos ou orquestras; por grupos de gênero (música-teatral, concerto, etc.), às vezes também por subgrupos (sinfônico, de câmara, pop) e por otd. gêneros (ópera, balé, canção, etc.); por estilos.

A percepção é subdividida em variedades de acordo com o grau de concentração (“autopercepção” – incluída no próprio desempenho; percepção “concentrada” – totalmente concentrada no meio percebido e não acompanhada de outra atividade; “acompanhante” – acompanhada de atividade CL ); de acordo com a orientação do ouvinte para um ou outro tipo de conteúdo M. (M. grave ou leve), para um determinado grupo de gênero, ou mesmo para um grupo separado. gênero (por exemplo, para uma música), para um determinado estilo; pela capacidade de compreender e avaliar adequadamente o M. de um determinado gênero e estilo (habilidoso, amador, incompetente). De acordo com isso, há uma divisão dos ouvintes em camadas e grupos, em última análise determinados por fatores sociais: a música. educação em uma determinada sociedade. ambiente, a assimilação de seus pedidos e gostos, suas circunstâncias habituais de percepção de M., etc. (ver Educação musical, Educação musical). Um certo papel também é desempenhado pela diferenciação da percepção de acordo com o psicológico. signos (analiticidade ou sinteticidade, predominância de um início racional ou emocional, uma ou outra atitude, um sistema de expectativas em relação a M. e à arte em geral).

M. desempenha importantes funções sociais. Respondendo às diversas necessidades da Sociedade, entra em contacto com o dec. tipos de pessoas. atividades – materiais (participação em processos de trabalho e rituais relacionados), cognitivas e avaliativas (reflexão da psicologia de pessoas individuais e grupos sociais, expressão de sua ideologia), espirituais e transformadoras (impacto ideológico, ético e estético), comunicativas (comunicação entre pessoas). Sociedades particularmente grandes. O papel de M. como meio de educação espiritual de uma pessoa, a formação de crenças, morais. qualidades, gostos e ideais estéticos, o desenvolvimento das emoções. capacidade de resposta, sensibilidade, bondade, senso de beleza, estimulação da criatividade. habilidades em todas as áreas da vida. Todas essas funções sociais de M. formam um sistema, que muda dependendo do histórico-social. condições.

História da música. Sobre a origem de M. no século XIX. e hipóteses do início do século 19 foram levantadas, segundo as quais as origens de M. foram as entonações da fala emocionalmente excitada (G. Spencer), o canto dos pássaros e os chamados amorosos dos animais (C. Darwin), os ritmos do trabalho de povos primitivos (K. Bucher), seus sinais sonoros (K. Stumpf), magia. feitiços (J. Combarier). De acordo com a ciência materialista moderna baseada na arqueologia. e dados etnográficos, na sociedade primitiva houve um longo processo de “amadurecimento” gradual de M. dentro da prática. atividades das pessoas e o sincrético primitivo que ainda não emergiu dela. complexo — pré-arte, que abrigava os embriões de M., dança, poesia e outros tipos de arte e servia aos propósitos de comunicação, organização de trabalhos conjuntos e processos rituais e impacto emocional em seus participantes, a fim de educar as qualidades espirituais necessário para a equipe. Inicialmente caóticos, desorganizados, abrangendo uma vasta gama de sucessão de um grande número de sons de altura indefinida (imitação de pássaros cantando, uivos de animais, etc.) foram substituídos por melodias e melodias, compostas apenas por algumas. tons diferenciados por lógicos. valor em referência (estável) e lado (instável). Repetição múltipla de melódicos e rítmicos. fórmulas enraizadas nas sociedades. prática, levou a uma consciência e assimilação gradual das possibilidades da lógica. organização dos sons. Formaram-se os sistemas de som-musicais mais simples (os instrumentos musicais tiveram um papel importante na sua consolidação), tipos elementares de métrica e modo. Isso contribuiu para a conscientização inicial de expressões potenciais. possibilidades de tons e suas combinações.

Durante o período de decomposição do primitivo sistema comunal (tribal), quando o art. a atividade é gradualmente separada da prática e sincrética. O complexo pré-arte está se desintegrando gradativamente, e a arte também nasce como uma entidade independente. tipo de reclamação. Nos mitos de diferentes povos relacionados a essa época, a ideia de M. como uma força poderosa capaz de influenciar a natureza, domar animais selvagens, curar uma pessoa de doenças, etc. Com o crescimento da divisão do trabalho e o surgimento das classes, inicialmente uma música única e homogênea. a cultura pertencente a toda a sociedade se divide em cultura das classes dominantes e cultura dos oprimidos (o povo), bem como profissional e não profissional (amador). A partir deste momento, começa a ser independente. a existência da música. folclore como ação popular não profissional. Musas. a criatividade das massas populares torna-se no futuro a base das musas. a cultura da sociedade como um todo, a mais rica fonte de imagens e expressões. fundos para o prof. compositores.

Musas. cultura da escravatura e das primeiras rixas. estados do Mundo Antigo (Egito, Suméria, Assíria, Babilônia, Síria, Palestina, Índia, China, Grécia, Roma, os estados da Transcaucásia e Ásia Central) já se caracteriza pela extensa atividade do prof. músicos (geralmente combinando um compositor e um intérprete), que serviam nos templos, nas cortes dos governantes e da nobreza, participavam de ações rituais em massa, sociedades. festividades, etc. M. mantém Ch. arr. funções materiais e espirituais práticas herdadas da sociedade primitiva e diretamente associadas a ela. participação no trabalho, na vida cotidiana, na vida militar, nos ritos civis e religiosos, na educação da juventude etc. No entanto, pela primeira vez, delineia-se uma separação da estética. funções, aparecem as primeiras amostras de música, destinadas apenas à audição (por exemplo, cantos e peças de instr. executadas na Grécia em concursos de músicos). Vários estão se desenvolvendo. canção (épica e lírica) e dança. gêneros, em muitos dos quais a poesia, o canto e a dança mantêm sua unidade original. M. desempenha um grande papel no teatro. representações, nomeadamente em grego. tragédia (Ésquilo, Sófocles, Eurípides não eram apenas dramaturgos, mas também músicos). Várias musas estão melhorando, adquirindo uma forma e construção estáveis. instrumentos (incluindo harpa, lira, sopro antigo e percussão). Surgem os primeiros sistemas de escrita M. (cuneiforme, hieroglífico ou alfabético), embora predominem. a forma de sua preservação e divulgação permanece oral. Surgem as primeiras estéticas musicais. e ensinamentos teóricos e sistemas. Muitos filósofos da antiguidade escrevem sobre M. (na China – Confúcio, na Grécia – Pitágoras, Heráclito, Demócrito, Platão, Aristóteles, Aristóxeno, em Roma – Lucrécio Caro). M. é considerado na prática e na teoria como uma atividade próxima à ciência, artesanato e religião. culto, como “modelo” do mundo, contribuindo para o conhecimento de suas leis, e como o meio mais forte de influenciar a natureza (magia) e o homem (formação de qualidades cívicas, educação moral, cura, etc.). A este respeito, é estabelecida uma regulamentação pública estrita (em alguns países – até mesmo estadual) do uso de M. de diferentes tipos (até modos individuais).

Na era da Idade Média na Europa, há uma musa. cultura de um novo tipo – feudal, unindo prof. arte, música amadora e folclore. Visto que a igreja domina em todas as áreas da vida espiritual, a base do prof. música arte é a atividade de músicos em templos e mosteiros. Profa secular. a arte é representada a princípio apenas por cantores que criam e executam épicos. lendas na corte, nas casas da nobreza, entre guerreiros, etc. (bardos, escaldos, etc.). Com o tempo, desenvolveram-se formas amadoras e semiprofissionais de fazer música de cavalaria: na França – a arte dos trovadores e trouveurs (Adam de la Halle, século XIII), na Alemanha – minnesingers (Wolfram von Eschenbach, Walter von der Vogelweide, 13 -12os séculos), bem como montanhas. artesãos. Na briga. castelos e cidades cultivavam todo tipo de gêneros, gêneros e formas de canções (épico, “madrugada”, rondó, le, virelet, baladas, canzones, laudas, etc.). Novas musas ganham vida. ferramentas, inclusive aqueles que vieram do Oriente (viola, alaúde, etc.), surgem conjuntos (composições instáveis). O folclore floresce entre o campesinato. Há também os “profissionais populares”: contadores de histórias, sintéticos errantes. artistas (malabaristas, mímicos, menestréis, shpilmans, bufões). M. novamente executa Ch. arr. aplicada e espiritual-prática. funções. A criatividade atua em unidade com o desempenho (como regra – em uma pessoa) e com a percepção. A coletividade domina tanto no conteúdo da massa quanto em sua forma; o começo individual se submete ao geral, sem se destacar dele (o músico-mestre é o melhor representante da comunidade). O tradicionalismo estrito e a canonicidade reinam por toda parte. A consolidação, preservação e disseminação de tradições e padrões (mas também sua renovação gradual) foi facilitada pela transição dos neumas, que indicavam apenas aproximadamente a natureza do melódico. movimento, à notação linear (Guido d'Arezzo, século X), que permitia fixar com precisão o tom dos tons e depois a sua duração.

Gradualmente, ainda que lentamente, o conteúdo da música, seus gêneros, formas e meios de expressão são enriquecidos. Em Zap. Europa dos séculos VI a VII. um sistema estritamente regulamentado de igreja monofônica (monódica, veja Monofônica, Monodia) está tomando forma. M. com base na diatônica. trastes (canto gregoriano), combinando recitação (salmodia) e canto (hinos). Na virada do 6º e 7º milênio, nasce a polifonia. Novos woks estão sendo formados. (coral) e wok.-instr. (coro e órgão) gêneros: organum, moteto, regência, depois missa. na França no século XII. a primeira escola de compositores (criativa) foi formada na Catedral de Notre Dame (Leonin, Perotin). Na virada do Renascimento (estilo ars nova na França e Itália, século XIV) no prof. M. monofonia é suplantada por polifonia, M. começa a libertar-se gradualmente de puramente prático. funções (servindo ritos da igreja), aumenta a importância dos gêneros seculares, incl. canções (Guillaume de Machaux).

Em Vost. A Europa e a Transcaucásia (Armênia, Geórgia) desenvolvem suas próprias musas. culturas com sistemas independentes de modos, gêneros e formas. Em Bizâncio, Bulgária, Kievan Rus, mais tarde Novgorod, o culto znamenny floresce (veja o canto Znamenny), osn. no sistema diatônico. vozes, limitadas apenas ao wok puro. gêneros (troparia, stichera, hinos, etc.) e usando um sistema de notação especial (ganchos).

Ao mesmo tempo, no Oriente (o Califado Árabe, os países da Ásia Central, Irã, Índia, China, Japão), formava-se uma musa feudal. um tipo especial de cultura. Seus sinais são a ampla disseminação do profissionalismo secular (tanto cortês quanto folclórico), adquirindo um caráter virtuoso, limitação à tradição oral e monódico. formas, atingindo, no entanto, alta sofisticação em relação à melodia e ritmo, a criação de sistemas de musas nacionais e internacionais muito estáveis. pensamento, combinando um estritamente definido. tipos de modos, gêneros, entonação e estruturas composicionais (mugams, makams, ragi, etc.).

Durante o Renascimento (séculos 14-16) no Ocidente. e Centro, música feudal da Europa. a cultura começa a se tornar burguesa. A arte secular floresce com base na ideologia do humanismo. M. em meios. grau está isento da prática obrigatória. destino. Cada vez mais vêm à tona sua estética. e sabe. funções, sua capacidade de servir como meio não só de gestão do comportamento das pessoas, mas também de reflexão interna. o mundo humano e a realidade circundante. Em M. o começo individual aloca-se. Ela ganha maior liberdade do poder dos cânones tradicionais. estabelecimentos. A percepção é gradualmente separada da criatividade e da performance, o público é formado como independente. componente musical. cultura. Instr florescendo. amadorismo (alaúde). O wok doméstico recebe o maior desenvolvimento. tocando música (nas casas dos cidadãos, círculos de amantes da música). Polygoals simples são criados para ele. canções – villanella e frottola (Itália), chansons (França), bem como mais difíceis de executar e muitas vezes refinadas no estilo (com características cromáticas) 4- ou 5-goal. madrigais (Luca Marenzio, Carlo Gesualdo di Venosa), incl. aos versos de Petrarca, Ariosto, Tasso. Músicos semiprofissionais estão ativos na Alemanha. associações de artesãos da cidade – oficinas de mestres cantores, onde numerosas. canções (Hans Sachs). Hinos de massa social, nat. e movimentos religiosos: hino hussita (República Tcheca), canto luterano (Reforma e Guerra Camponesa do século XVI na Alemanha), salmo huguenote (França).

No prof. M. atinge seu coro máximo. polifonia a cappella (polifonia de “estilo estrito”) é puramente diatônica. armazém nos gêneros de massa, moteto ou polígono secular. canções com uso virtuoso de imitações complexas. formas (cânone). Principais escolas de compositores: a escola franco-flamenga ou holandesa (Guillaume Dufay, Johayanes Okeghem, Jacob Obrecht, Josquin Despres, Orlando di Lasso), a escola romana (Palestrina), a escola veneziana (Andrea e Giovanni Gabrieli). Os principais mestres do coro estão avançando. criatividade na Polônia (Vaclav de Shamotul, Mikolaj Gomulka), República Tcheca. Simultaneamente pela primeira vez ganha independência instr. M., em um enxame também desenvolve a imitação. polifonia (prelúdios de órgão, ricercars, canzones dos venezianos A. e G. Gabrieli, variações do compositor espanhol Antonio Cabezon). O científico é revivido. pensado em M., novos meios são criados. teórico-musical. tratados (Glarean na Suíça, G. Tsarlino e V. Galilei na Itália, etc.).

Na Rússia, após a libertação de Mong.-Tat. o jugo desabrocha M., no prof. M. atinge um alto desenvolvimento do canto Znamenny, desenvolve a criatividade. as atividades de excelentes compositores-"cantores" (Fyodor Krestyanin), a polifonia original ("três linhas") nasce, as principais musas estão ativas. colectivos (coro de “soberanos cantores”, séc. XVI).

O processo de transição na Europa das musas. cultura do tipo feudal para o burguês continua no século 17. e 1º andar. Século 18 O domínio geral do M secular é finalmente determinado (embora na Alemanha e em alguns outros países, a igreja M. mantenha grande importância). Seu conteúdo abrange uma ampla gama de tópicos e imagens, incl. filosófico, histórico, moderno, civil. Além de tocar música na aristocracia. salões e propriedades nobres, nas casas dos representantes do “terceiro estado”, bem como na conta. instituições (universidades) é intensamente implantado público. vida de Música. Suas lareiras são musas permanentes. instituições de natureza aberta: casas de ópera, filarmónicas. (concerto) sobre-va. As violas estão sendo substituídas pelas modernas. instrumentos de cordas com arco (violino, violoncelo, etc.; mestres notáveis ​​de sua fabricação – A. e N. Amati, G. Guarneri, A. Stradivari de Cremona, Itália), o primeiro pianoforte foi criado (1709, B. Cristofori, Itália ). A música de impressão (que se originou no final do século XV) está se desenvolvendo. A música está se expandindo. educação (conservatórios na Itália). Das musas. a ciência sobressai a crítica (I. Mattheson, Alemanha, início do século XVIII).

No desenvolvimento da criatividade do compositor, esse período foi marcado pelo cruzamento de influências de tais artes. estilos, como barroco (instr. italiano e alemão e coro M.), classicismo (ópera italiana e francesa), rococó (instr. francês M.) e uma transição gradual de gêneros, estilos e formas previamente estabelecidos para novos, mantendo o domínio . posição na Europa M. até os dias atuais. Entre os gêneros monumentais, ao lado da continuidade da existência de “paixões” (paixões) pela religião. os temas e a missa, a ópera e o oratório rapidamente vêm à tona. Cantata (solo e coral), instr. concerto (solo e orquestral), câmara-instr. ensemble (trio, etc.), música solo com instr. escolta; a suíte ganha um novo visual (sua variedade é partita), que combina danças cotidianas. No final do período, a formação do moderno. sinfonias e sonatas, bem como balés como independentes. gênero. Paralelamente à polifonia de imitação do “estilo livre”, que atinge seu ápice, com a ampla utilização do cromatismo, com base nos mesmos modos (maior e menor), aquele que amadureceu ainda mais cedo, dentro da polifonia e em dança cotidiana, se afirma. M., homofônico-harmônico. armazém (a voz superior é a principal, o resto é acompanhamento de acordes, veja Homofonia), cristalização harmônica. funções e um novo tipo de melodia baseada nelas, a prática do baixo digital, ou baixo geral, é amplamente difundida (improvisação pelo intérprete no órgão, cravo ou alaúde de acompanhamento harmônico para uma melodia ou recitativo baseado na voz inferior escrita pelo compositor – baixo com notação condicional, digital de harmonia). Simultaneamente às formas polifônicas (passacaglia, chacona, fuga) somam-se algumas homofônicas: rondó, sonata antiga.

Nos países onde neste momento ocorre o processo de formação das nações unidas (Itália, França, Inglaterra, em parte Alemanha) (ou termina), nacionalmente altamente desenvolvido. cultura musical. Entre eles estão o domínio. o papel é mantido pelo italiano. Foi na Itália que nasceu a ópera (Florença, na virada dos séculos XVI e XVII), e foram criadas as primeiras óperas clássicas. exemplos deste novo gênero (a primeira metade do século 16, a escola veneziana, C. Monteverdi), suas variedades estáveis ​​são formadas, que se espalham por toda a Europa: uma ópera séria, ou ópera séria, heróica. e trágico. personagem, no mitológico. e enredos históricos (segunda metade do século XVII, escola napolitana, A. Scarlatti), e cômico, ou ópera bufa, sobre assuntos cotidianos (primeira metade do século II, escola napolitana, G. Pergolesi). No mesmo país, surgiram o oratório (17) e a cantata (exemplos destacados de ambos os gêneros são de G. Carissimi e A. Stradella). Finalmente, na base dos amores de apogeu. e conc. performance (os maiores virtuosos do violino – J. Vitali, A. Corelli, J. Tartini) está desenvolvendo e atualizando intensivamente a instr. M.: órgão (1ª metade do século XVIII, G. Frescobaldi), orquestral, ensemble, solo para cordas. Ferramentas. No 17º andar. 2 – implorar. XVII os gêneros de concerto grosso (Corelli, Vivaldi) e solo instr. concerto (Vivaldi, Tartini), variedades (“igreja” e “câmara”) trio sonata (para 17 cordas ou instrumentos de sopro e cravo ou órgão – de Vitali) e sonata solo (para violino ou para violino solo e cravo – de Corelli, Tartini, para o cravo de D. Scarlatti).

Na França, existem nacionais especiais. gêneros op. para música t-ra: “lyric. tragédia” (um tipo monumental de ópera) e ópera-ballet (J. B. Luli, J. F. Rameau), comédia-ballet (Lully em colaboração com Molière). Uma galáxia de excelentes cravistas - compositores e intérpretes (final do século XVII - início do século XVIII, F. Couperin, Rameau) – que desenvolveu formas de rondó (muitas vezes em peças de natureza programática) e variações, vieram à tona. Na Inglaterra, na virada dos séculos 16 e 17, na era de Shakespeare, surgiu a primeira escola de compositores de música para piano da Europa – os virginalistas (W. Pássaro e J. Touro). M. ocupa um grande lugar no teatro shakespeariano. No 2º andar. Exemplos notáveis ​​do século XVII de nat. ópera, coro, órgão, câmara-instr. e Clavier M. (g. Purcel). No 1º andar. A criatividade do século 18 está se desdobrando no Reino Unido. atividades de g. F. Handel (oratórios, ópera séria), ao mesmo tempo. o nascimento de um gênero cômico nacional. ópera – ópera balada. Na Alemanha do século XVII aparecem obras originais de oratório (“paixões”, etc.) e os primeiros exemplos de pátrias. ópera e balé (G. Schutz), floresce org. arte (D. Buxtehude, E. Froberger, E. Pachelbel). No 1º andar. significa século 18. estímulo. em muitos gêneros (“paixões”, outros gêneros de oratório; cantatas; fantasias, prelúdios, fugas, sonatas para órgão e cravo, suítes para cravo; concertos para orquestra e para instrumentos separados, etc.) cria J. S. Bach , cujo trabalho foi o resultado e o auge de todo o desenvolvimento anterior do europeu. polifonia e todos os M. barroco. Na Espanha, nascem os teatros musicais originais. gêneros operísticos com diálogos coloquiais: zarzuela (conteúdo dramático), tonadilla (cômico). Na Rússia, a polifonia na música cult está em ascensão (partes cantando do final do século XVII e início do século XVIII – concertos para coro de V. Titov e N. Kalachnikov). Simultaneamente, na época das reformas de Pedro I, nasceu a música profissional secular (cantes panegíricos), e foi ativado o desenvolvimento da música cotidiana urbana (cantes líricos, salmos). O desenvolvimento do europeu M. 2nd andar. O século XVIII e início do século XIX prossegue sob a influência das ideias do Iluminismo, e depois dos Grandes Franceses. revolução, que não só deu origem a uma nova música de massa cotidiana (marchas, canções heróicas, incluindo a Marselhesa, festivais de massa e rituais revolucionários), mas também encontrou uma resposta direta ou indireta em outras músicas. gêneros. O barroco, o “estilo galante” (rococó) e o classicismo nobre dão lugar ao lugar dominante do burguês. classicismo (iluminista), que afirma as ideias de razão, igualdade das pessoas, serviço à sociedade, altos ideais éticos. No francês A expressão mais alta dessas aspirações foi a obra operística de K. Gluck, nas obras austro-alemãs – sinfônicas, operísticas e de câmara dos representantes da escola clássica vienense J. Haydn, W. A. Mozart e L.

Acontecer significa. avanços em todas as áreas prof. M. Gluck e Mozart, cada um à sua maneira, estão reformando o gênero da ópera, tentando superar a convencionalidade ossificada do aristocrático. ópera “séria”. Em diferentes países, democracias próximas umas das outras estão se desenvolvendo rapidamente. gêneros: ópera buffa (Itália – D. Cimarosa), quadrinhos. ópera (França – JJ Rousseau, P. Monsigny, A. Gretry; Rússia – VA Pashkevich, EI Fomin), Singspiel (Áustria – Haydn, Mozart, K. Dittersdorf). Durante a Grande Revolução Francesa aparece “ópera de salvação” sobre o heróico. e melodrama. parcelas (França – L. Cherubini, JF Lesueur; Áustria – Fidelio de Beethoven). Separados como independentes. gênero balé (Gluck, Beethoven). Na obra de Haydn, Mozart, Beethoven, ela se fixa e recebe um clássico. a incorporação do gênero da sinfonia em seu moderno. compreensão (ciclo de 4 partes). Antes disso, na criação da sinfonia (assim como na formação final da orquestra sinfônica do tipo moderno), o tcheco (J. Stamitz) e o alemão tiveram um papel importante. músicos que trabalharam em Mannheim (Alemanha). Em paralelo, o clássico tipo sonata grande e câmara-instr. conjunto (trio, quarteto, quinteto). A forma da sonata allegro está sendo desenvolvida e uma nova, dialética, está sendo formada. o método de pensamento musical é o sinfonismo, que atingiu seu ápice na obra de Beethoven.

Nos povos M. eslavos (Rússia, Polônia, República Tcheca), o desenvolvimento do wok continua. gêneros (coro. concerto na Rússia – MS Berezovsky, DS Bortnyansky, romance cotidiano), aparecem as primeiras pátrias. ópera, o terreno está sendo preparado para a criação do nat. clássicos da música. Em toda a Europa. prof. M. polifônico. os estilos são, em sua maioria, substituídos pelos homofônicos-harmônicos; o sistema funcional de harmonia é finalmente formado e consolidado.

No século 19 na maioria dos países europeus e no Norte. A América completa a educação das musas. cultura “clássica”. tipo burguês. Este processo ocorre no contexto e sob a influência da democratização ativa de todas as sociedades. e música. vida e superar as barreiras de classe herdadas do feudalismo. De salões aristocráticos, teatros da corte e capelas, pequenos conc. salas destinadas a um círculo fechado de público privilegiado, M. entra no vasto recinto (e mesmo na praça), aberto ao acesso democrático. ouvintes. Há muitas novas musas. teatros, conc. instituições, esclarecer. organizações, editoras de música, música. uh. instituições (incluindo conservatórios em Praga, Varsóvia, Viena, Londres, Madri, Budapeste, Leipzig, São Petersburgo, Moscou e outras; um pouco antes, no final do século XVIII, um conservatório foi fundado em Paris). Musas aparecem. revistas e jornais. O processo de performance é finalmente separado da criatividade como independente. tipo de atividades musicais, representadas por um grande número de conjuntos e solistas (os mais destacados intérpretes do século XIX e início do século XX: pianistas – F. Liszt, X. Bulow, AG e NG Rubinstein, SV Rachmaninov; violinistas – N. Paganini, A. Vieton, J. Joachim, F. Kreisler; cantores – G. Rubini, E. Caruso, FI Chaliapin; violoncelista P. Casals, maestros – A. Nikish, A. Toscanini). Delimitação prof. criatividade com desempenho e apelo a um público de massa contribuem para o seu rápido desenvolvimento. Ao mesmo tempo, a estratificação de cada um dos nat. culturas propriamente burguesas e democráticas. A comercialização da música está crescendo. vida que os músicos progressistas estão lutando contra. M. ocupa um lugar cada vez mais importante no social e político. vida. Desenvolve-se uma revolução democrática geral e depois uma revolução operária. música. Suas melhores amostras (“International”, “Red Banner”, “Varshavyanka”) são adquiridas por internacionais. significado. Ao lado do nat previamente formado. Estão florescendo escolas de jovens compositores de um novo tipo: russo (fundado por MI Glinka), polonês (F. Chopin, S. Moniuszko), tcheco (B. Smetana, A. Dvorak), húngaro (F. Erkel, F. Liszt) , norueguês (E. Grieg), espanhol (I. Albeniz, E. Granados).

Na obra do compositor de uma série de europeus. países no 1º semestre. Afirma-se o romantismo do século XIX (alemão e austríaco M. – ETA Hoffmann, KM Weber, F. Schubert, F. Mendelssohn, R. Schumann; francês – G. Berlioz; húngaro – Liszt; polonês – Chopin, russo – AA Alyabiev, AN Verstovsky). Seus traços característicos em M. (em comparação com o classicismo): atenção redobrada ao mundo emocional do indivíduo, individualização e dramatização das letras, promoção do tema da discórdia entre o indivíduo e a sociedade, entre o ideal e a realidade, e um apelo ao histórico. (meados do século), cenas folclóricas e folclóricas do cotidiano e imagens da natureza, interesse nacional, histórico. e geográfica a originalidade da realidade refletida, uma encarnação mais concreta do nacional a partir de canções de diferentes povos, o fortalecimento do papel do vocal, início da canção, assim como o colorido (na harmonia e orquestração), uma interpretação mais livre das tradições. gêneros e formas e a criação de novos (poema sinfônico), o desejo de uma síntese diversa de M. com outras artes. A música programada está sendo desenvolvida (com base em enredos e temas de epos folclóricos, literatura, pintura, etc.), instr. miniatura (prelúdio, momento musical, improviso, etc.) e um ciclo de miniaturas programáticas, romance e trabalho de câmara. ciclo, “grande ópera” de tipo decorativo sobre o lendário e histórico. temas (França – J. Meyerbeer). Na Itália, a ópera buffa (G. Rossini) chega ao topo, nat. variedades de óperas românticas (lírica – V. Bellini, G. Donizetti; heróica – cedo G. Verdi). A Rússia está formando seus próprios clássicos da música nacional, adquirindo significado mundial, tipos originais de folclore histórico são formados. e épico. óperas e sinfonias. M. no beliche. temas (Glinka), o gênero romance atinge um alto nível de desenvolvimento, em que as características psicológicas amadurecem gradualmente. e realismo cotidiano (AS Dargomyzhsky).

Toda R. e 2º andar. Século 19 alguns compositores da Europa Ocidental continuam românticos. direção em ópera (R. Wagner), sinfonia (A. Bruckner, Dvorak), software instr. M. (Liszt, Grieg), canção (X. Wolf) ou procuram combinar os princípios estilísticos do romantismo e do classicismo (I. Brahms). Mantendo contato com a tradição romântica, as formas originais são italianas. ópera (seu ápice é obra de Verdi), francês. ópera (Ch. Gounod, J. Wiese, J. Massenet) e balé (L. Delibes), ópera polaca e checa (Moniuszko, Smetana). No trabalho de uma série de europeus ocidentais. compositores (Verdi, Bizet, Wolf, etc.), as tendências do realismo estão se intensificando. Eles se manifestam de forma especialmente clara e ampla no M russo deste período, que está ideologicamente ligado ao democrático. sociedades. movimento e literatura avançada (o falecido Dargomyzhsky; os compositores de The Mighty Handful são MA Balakirev, AP Borodin, MP Mussorgsky, NA Rimsky-Korsakov e Ts. A. Cui; PI Tchaikovsky). Baseado em nar russo. canções, bem como M. East rus. compositores (Mussorgsky, Borodin e Rimsky-Korsakov) estão desenvolvendo novos melódicos, rítmicos. e harmônico. fundos que enriquecem significativamente a Europa. sistema de trastes.

De Ser. século 19 em Zap. Europa, um novo teatro musical está sendo formado. gênero – opereta (França – F. Herve, J. Offenbach, Ch. Lecoq, R. Plunket; Áustria – F. Suppe, K. Millöker, J. Strauss-son, compositores posteriores Hung., representantes do “neo-Vienense ” escola de F. Legar e I. Kalman). No prof. criatividade se destaca por conta própria. a linha de “luz” (dança cotidiana) M. (valsas, polcas, galopes de I. Strauss-son, E. Waldteuffel). A cena do entretenimento nasce. M. como independente. indústria da música. vida.

Em con. Século 19 e início do século 20 na Europa Um período de transição começa em Moscou, correspondendo ao início do imperialismo como o estágio mais alto e último do capitalismo. Este período é marcado por uma crise de vários antecessores. tendências ideológicas e estilísticas.

As tradições estabelecidas são amplamente revisadas e frequentemente atualizadas. Em conexão com a mudança no “clima espiritual” geral, novos métodos e estilos estão surgindo. Os recursos musicais estão se expandindo. expressividade, há uma busca intensa por meios capazes de transmitir uma percepção aguçada e refinada da realidade. Ao mesmo tempo, crescem as tendências do individualismo e do esteticismo, em alguns casos corre-se o risco de perder um grande tema social (o modernismo). Na Alemanha e na Áustria, a linha romântica termina. sinfonia (G. Mahler, R. Strauss) e a música nasce. expressionismo (A. Schoenberg). Outras novas tendências também se desenvolveram: na França, o impressionismo (C. Debussy, M. Ravel), na Itália, o verismo (óperas de P. Mascagni, R. Leoncavallo e, até certo ponto, G. Puccini). Na Rússia, as linhas provenientes dos “Kuchkists” e Tchaikovsky (SI Taneev, AK Glazunov, AK Lyadov, SV Rakhmaninov) continuam e se desenvolvem parcialmente, ao mesmo tempo. também surgem novos fenômenos: uma espécie de música. simbolismo (AN Skryabin), modernização do nar. fabulosidade e antiguidade “bárbara” (primeiro IF Stravinsky e SS Prokofiev). As bases dos clássicos da música nacional na Ucrânia (NV Lysenko, ND Leontovich), na Geórgia (ZP Paliashvili), Armênia (Komitas, AA Spendiarov), Azerbaijão (U. Gadzhibekov), Estônia (A. Kapp ), Letônia (J. Vitol), Lituânia (M. Čiurlionis), Finlândia (J. Sibelius).

Sistema de música clássico europeu. O pensamento, baseado na harmonia funcional maior-menor, está passando por profundas mudanças na obra de vários compositores. Departamento os autores, preservando o princípio da tonalidade, expandem sua base usando modos naturais (diatônicos) e artificiais (Debussy, Stravinsky), saturam-na com abundantes alterações (Scriabin). Outros geralmente abandonam este princípio, passando para a música atonal (Schoenberg, American C. Ive). O enfraquecimento das conexões harmônicas estimulou o renascimento da teoria. e interesse criativo pela polifonia (Rússia – Taneyev, Alemanha – M. Reger).

De 1917-18 música burguesa. cultura entrou em um novo período de sua história. Seu desenvolvimento é fortemente influenciado por fatores sociais como o envolvimento de milhões de pessoas na política. e sociedades. vida, o poderoso crescimento da massa libertará. movimentos, o surgimento em vários países, em oposição às novas sociedades burguesas. sistema – socialista. Significa. impacto sobre o destino de M. na moderna. a sociedade burguesa também teve um rápido desenvolvimento científico e técnico. progresso, que levou ao surgimento de novos meios de comunicação de massa: cinema, rádio, televisão, gravações. Como resultado, a metafísica se espalhou globalmente, penetrando em todos os “poros” das sociedades. vida, enraizada com a ajuda dos meios de comunicação de massa na vida de centenas de milhões de pessoas. Enormes novos contingentes de ouvintes se juntaram a ela. Sua capacidade de influenciar a consciência dos membros da sociedade, todo o seu comportamento, aumentou muito. Musas. vida no capitalista desenvolvido. países adquiriram um caráter exteriormente tempestuoso, muitas vezes febril. Seus sinais eram a abundância de festivais e concursos, acompanhados pelo hype publicitário, a rápida mudança da moda, um caleidoscópio de sensações causadas artificialmente.

Nos países capitalistas, duas culturas se destacam ainda mais claramente, opostas em sua ideologia. direções um para o outro: burgueses e democráticos (incluindo elementos socialistas). Burzh. a cultura aparece em duas formas: elite e “massa”. A primeira delas é antidemocrática; muitas vezes nega o capitalista. modo de vida e critica a burguesia. moralidade, no entanto, apenas a partir das posições do pequeno-burguês. individualismo. Burzh. A cultura de “massa” é pseudo-democrática e, na verdade, serve aos interesses das dominações, das classes, distraindo as massas da luta por seus direitos. Seu desenvolvimento está sujeito às leis do capitalismo. produção de mercadorias. Toda uma “indústria” de peso leve foi criada, trazendo enormes lucros para seus proprietários; M. é amplamente utilizado em sua nova função de publicidade. A cultura da música democrática é representada pelas atividades de muitos músicos progressistas que lutam pela contenção. uma ação judicial que afirma as ideias de humanismo e nacionalidade. Exemplos de tal cultura são, além das obras de teatro musical. e conc. gêneros, muitas canções revolucionárias. movimento e luta antifascista dos anos 1920-40. (Alemanha -X. Eisler), moderno. canções de protesto político. Em seu desenvolvimento, juntamente com o prof. Grandes massas de semiprofissionais e amadores desempenharam e continuam a desempenhar um grande papel como músicos.

Na criatividade do compositor do século 20 no capitalista. países se distingue por uma diversidade sem precedentes e diversidade de tendências estilísticas. O expressionismo atinge seu auge, caracterizado por uma forte rejeição da realidade, subjetividade elevada e intensidade das emoções (a Nova Escola Vienense - Schoenberg e seus alunos A. Berg e A. Webern, e o compositor italiano L. Dallapiccola - desenvolveram um sistema de dodecafonia melódica atonal). O neoclassicismo é amplamente difundido, caracterizado pelo desejo de fugir das contradições irreconciliáveis ​​do moderno. sociedades. vida no mundo das imagens e das musas. formas dos séculos XVI-XVIII, racionalismo fortemente pronunciado (Stravinsky nos anos 16-18; Alemanha – P. Hindemith; Itália – O. Respighi, F. Malipiero, A. Casella). A influência dessas tendências, de uma forma ou de outra, também foi experimentada por outros grandes compositores, que, em geral, no entanto, conseguiram superar as limitações das correntes devido à sua ligação com o democrático. e realista. tendências da época e de Nar. criatividade (Hungria – B. Bartok, Z. Kodai; França – A. Honegger, F. Poulenc, D. Millau; Alemanha – K. Orff; Polónia – K. Shimanovsky; Checoslováquia – L. Janacek, B. Martinu; Roménia – J. Enescu, Grã-Bretanha – B. Britten).

Nos anos 50. existem diferentes correntes de música. vanguarda (Alemanha – K. Stockhausen; França – P. Boulez, J. Xenakis; EUA – J. Cage; Itália – L. Berio, em parte L. Nono, que se destaca por suas posições políticas avançadas), rompendo completamente com o clássico. tradições e cultivo de música específica (montagem de ruído), música eletrônica (montagem de sons obtidos pela arte), sonorismo (montagem de sons musicais díspares de timbres incomuns), aleatórios (combinação de sons separados ou seções de forma musical no princípio do acaso ). O vanguardismo, via de regra, expressa o humor do pequeno-burguês na obra. individualismo, anarquismo ou esteticismo sofisticado.

Uma característica do mundo M. século 20. – o despertar para uma nova vida e o crescimento intensivo das musas. culturas de países em desenvolvimento da Ásia, África, Lat. América, sua interação e aproximação com as culturas europeias. modelo. Esses processos são acompanhados por uma luta acirrada de músicos progressistas, por um lado, contra as influências niveladoras da Europa Ocidental. e norte-americana. M. elitista e pseudo-massa, infectado pelo cosmopolitismo e, por outro lado, contra os reacionários. tendências de conservação nat. culturas de uma forma inabalável. Para essas culturas, os países do socialismo servem como exemplo de solução do problema do nacional e internacional na Moldávia.

Após a vitória do Grande Socialista de Outubro. revolução no país soviético (após a 2ª Guerra Mundial de 1939-1945 e em vários outros países que embarcaram no caminho do socialismo), formou-se uma música musical. cultura de um tipo fundamentalmente novo — socialista. Distingue-se por um caráter consistentemente democrático e nacional. Uma extensa e ramificada rede de música pública foi criada nos países socialistas. instituições (teatros, sociedades filarmónicas, instituições de ensino, etc.), grupos de ópera e concertos com actuação musical e estética. esclarecimento e educação de todo o povo. Em cooperação com o prof. processo desenvolver música de massa. criatividade e performance nas formas de performances amadoras e folclore. Todas as nações e nacionalidades, incl. e não tinha música previamente escrita. culturas, tiveram a oportunidade de revelar e desenvolver plenamente as características originais de seu povo. M. e ao mesmo tempo juntar as alturas do prof mundo. arte, para dominar gêneros como ópera, balé, sinfonia, oratório. As culturas musicais nacionais interagem ativamente umas com as outras, trocando pessoal, ideias criativas e realizações, o que leva à sua estreita reunião.

Papel de liderança na música mundial. alegação do século 20. pertence às corujas. M. Muitos compositores proeminentes vieram à tona (incluindo russos – N. Ya. Myaskovsky, Yu. A. Shaporin, SS Prokofiev, DD Shostakovich, V. Ya. Shebalin, DB Kabalevsky, TN Khrennikov, GV Sviridov, RK Shchedrin; Tatar – N. Zhiganov; Daguestão – G. Gasanov, Sh. Chalaev; Ucraniano – LN Revutsky, BN Lyatoshinsky; Bielorrusso – EK Tikotsky, AV Bogatyrev, Georgiano – Sh. Harutyunyan, AA Babadzhanyan, EM Mirzoyan; Azerbaijano – K. Karaev, F . Amirov; cazaque – EG Brusilovsky, M. Tulebaev; uzbeque – M. Burkhanov; turcomeno – V. Mukhatov; estoniano – E. Kapp, G. Ernesaks, E. Tamberg; letão – J. Ivanov, M. Zarin; lituano – B. Dvarionas, E. Balsis), bem como artistas (EA Mravinsky, EP Svetlanov, GN Rozhdestvensky, KN Igumnov, VV Sofronitsky, ST Richter, EG Gilels, DF Oistrakh, LB Kogan, LV Sobinov, AV Nezhdan ova, IS Kozlovsky , S. Ya. Lemeshev, ZA Dolukhanova), musicólogos (BV Asafiev) e outras músicas. figuras.

Ideológica e estética. a base das corujas. A matemática é composta pelos princípios de partidarismo e nacionalidade na arte, o método do realismo socialista, que prevê uma variedade de gêneros, estilos e maneiras individuais. Nas corujas M. encontrou uma nova vida, muitas tradições. gêneros musicais. Ópera, balé, sinfonia, mantendo o clássico. grande forma monumental (em grande parte perdida no Ocidente), foram atualizadas de dentro sob a influência dos temas da revolução e da modernidade. Com base na revolução histórica. e pessoas-patrióticas. coro floresceu tema. e wok.-symp. M. (oratório, cantata, poema). Corujas. a poesia (juntamente com a clássica e o folclore) estimulou o desenvolvimento do gênero romance. Novo gênero prof. criatividade composicional era a música – em massa e todos os dias (AV Aleksandrov, AG Novikov, AA Davidenko, Dm. Ya. e Dan. Ya. Pokrassy, ​​​​IO Dunaevsky, VG Zakharov, MI Blanter, VP Solovyov-Sedoy, VI Muradeli, BA Mokrousov, AI Ostrovsky, AN Pakhmutova, AP Petrov). Corujas. a música desempenhou um grande papel na vida e luta de Nar. massas e teve uma forte influência sobre outras musas. gêneros. Em todas as musas. culturas dos povos da URSS receberam modernas. refração e desenvolvimento da tradição do folclore e, ao mesmo tempo, com base no socialismo. conteúdo foi enriquecido e transformado nat. estilos que absorveram muitas novas entonações e outros meios expressivos.

Significa. sucessos na construção da música. Culturas também foram alcançadas em outros países socialistas, onde muitos compositores notáveis ​​trabalharam e continuam a trabalhar (RDA—H. Eisler e P. Dessau; Polônia—V. Lutoslawski; Bulgária—P. Vladigerov e L. Pipkov; Hungria—Z . Kodály, F. Sabo, Tchecoslováquia – V. Dobiash, E. Suchon).

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UM cego