Evgeny Malinin (Evgeny Malinin) |

Evgeny Malinin

Yevgeny Vasilyevich Malinin foi, talvez, uma das figuras mais marcantes e atraentes entre os primeiros laureados soviéticos dos anos do pós-guerra – aqueles que entraram no palco de concertos no final dos anos quarenta e início dos anos cinquenta. Ele conquistou sua primeira vitória em 1949 em Budapeste, no Segundo Festival Internacional da Juventude Democrática e dos Estudantes. Os festivais da época desempenhavam um papel importante no destino dos jovens artistas, e os músicos que recebiam os maiores prêmios neles se tornaram amplamente conhecidos. Algum tempo depois, o pianista tornou-se laureado do Concurso Chopin em Varsóvia. No entanto, sua apresentação no Concurso Marguerite Long-Jacques Thibaud em Paris em 1953 teve a maior ressonância.

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Malinin mostrou-se soberbamente na capital da França, revelou plenamente seu talento lá. De acordo com DB Kabalevsky, que presenciou a competição, ele tocou “com excepcional brilho e habilidade… Sua performance (Segundo Concerto de Rakhmaninov.— Sr. C.), brilhante, suculento e temperamental, cativou o maestro, a orquestra e o público” (Kabalevsky DB Um mês na França // Música soviética. 1953. No. 9. P. 96, 97.). Ele não recebeu o primeiro prêmio – como acontece em tais situações, as circunstâncias presentes desempenharam seu papel; junto com o pianista francês Philippe Antremont, Malinin dividiu o segundo lugar. No entanto, de acordo com a maioria dos especialistas, ele foi o primeiro. Margarita Long declarou publicamente: “A russa jogou melhor” (Ibid. S. 98.). Na boca do artista mundialmente famoso, essas palavras em si soavam como o maior prêmio.

Malinin naquela época tinha pouco mais de vinte anos. Ele nasceu em Moscou. Sua mãe era uma modesta artista de coro no Teatro Bolshoi, seu pai era um trabalhador. “Ambos amavam a música desinteressadamente”, lembra Malinin. Os Malinins não tinham seu próprio instrumento e, a princípio, o menino correu para uma vizinha: ela tinha um piano no qual você podia fantasiar e selecionar músicas. Quando ele tinha quatro anos, sua mãe o trouxe para a Escola Central de Música. “Lembro-me bem do comentário insatisfeito de alguém – em breve, dizem eles, os bebês serão trazidos”, continua Malinin. “Mesmo assim, fui aceito e enviado para o grupo rítmico. Mais alguns meses se passaram e as verdadeiras aulas de piano começaram.

A guerra logo estourou. Ele acabou em uma evacuação – em uma vila distante e perdida. Por cerca de um ano e meio, uma pausa forçada nas aulas continuou. Então a Escola Central de Música, que estava em Penza durante a guerra, encontrou Malinin; ele voltou para seus colegas, voltou ao trabalho, começou a recuperar o atraso. “Minha professora Tamara Alexandrovna Bobovich me ajudou muito naquela época. Se desde os meus anos de menino me apaixonei pela música até a inconsciência, isso, claro, é o seu mérito. É difícil para mim agora descrever em todos os detalhes como ela se saiu; Só me lembro que era ao mesmo tempo inteligente (racional, como dizem) e excitante. Ela me ensinou o tempo todo, com atenção incessante, a me ouvir. Agora repito com frequência para meus alunos: o principal é ouvir como seu piano soa; Recebi isso dos meus professores, de Tamara Alexandrovna. Estudei com ela todos os meus anos de escola. Às vezes me pergunto: o estilo de seu trabalho mudou durante esse tempo? Pode ser. Aulas-instruções, aulas-instruções cada vez mais se transformavam em aulas-entrevistas, em uma troca de opiniões livre e criativamente interessante. Como todos os grandes professores, Tamara Alexandrovna acompanhou de perto o amadurecimento dos alunos…”

E então, no conservatório, o “período Neuhausiano” começa na biografia de Malinin. Um período que durou nada menos que oito anos – cinco deles na bancada estudantil e três anos na pós-graduação.

Malinin se lembra de muitos encontros com seu professor: na sala de aula, em casa, à margem das salas de concerto; ele pertencia ao círculo de pessoas próximas a Neuhaus. Ao mesmo tempo, não é fácil para ele falar sobre seu professor hoje. “Tanta coisa foi dita sobre Heinrich Gustavovich ultimamente que eu teria que me repetir, mas não quero. Há outra dificuldade para quem se lembra dele: afinal, ele sempre foi tão diferente… Às vezes até me parece que esse não era o segredo do seu charme? Por exemplo, nunca era possível saber de antemão como seria a aula com ele – sempre trazia uma surpresa, uma surpresa, um enigma. Houve aulas que mais tarde foram lembradas como feriados, e também aconteceu de nós, os alunos, cairmos sob uma saraivada de comentários cáusticos.

Às vezes, ele literalmente fascinava com sua eloquência, erudição brilhante, palavra pedagógica inspirada, e em outros dias ouvia o aluno em completo silêncio, exceto que corrigia seu jogo com um gesto lacônico. (Ele possuía, aliás, uma maneira extremamente expressiva de reger. Para quem conhecia e entendia bem Neuhaus, os movimentos de suas mãos às vezes falavam nada menos que palavras.) Em geral, poucas pessoas estavam tão sujeitas aos caprichos do momento, humor artístico, como ele era. Veja pelo menos este exemplo: Heinrich Gustavovich sabia ser extremamente pedante e exigente – não perdia a menor imprecisão no texto musical, explodia em máximas raivosas por causa de uma única liga errada. E outra vez ele poderia dizer com calma: “Querida, você é uma pessoa talentosa e você mesma sabe de tudo… Então continue trabalhando”.

Malinin deve muito a Neuhaus, que ele nunca perde uma oportunidade de recordar. Como todos os que já estudaram na classe de Heinrich Gustavovich, ele recebeu em seu tempo o impulso mais forte do contato com o talento neuhausiano; ficou com ele para sempre.

Neuhaus estava cercado por muitos jovens talentosos; não foi fácil chegar lá. Mali não teve sucesso. Depois de se formar no conservatório em 1954, e depois na pós-graduação (1957), ele foi deixado na classe Neuhaus como assistente – fato que testemunhou por si só.

Após as primeiras vitórias em competições internacionais, Malinin costuma se apresentar. Ainda havia relativamente poucos artistas convidados profissionais na virada dos anos quarenta e cinquenta; convites de várias cidades chegaram a ele um após o outro. Mais tarde, Malinin vai reclamar que ele deu concertos demais durante seus dias de estudante, isso também teve lados negativos – eles geralmente os veem apenas quando olham para trás …

“No início da minha vida artística, meu sucesso inicial me serviu mal”, lembra Evgeny Vasilievich. “Sem a experiência necessária, regozijando-me com meus primeiros sucessos, aplausos, bis e coisas do gênero, concordei facilmente com as turnês. Agora está claro para mim que isso exigiu muita energia, longe de um trabalho real e profundo. E claro, foi devido ao acúmulo de repertório. Posso afirmar com toda a certeza: se nos primeiros dez anos da minha prática de palco eu tivesse metade das apresentações, teria acabado com o dobro…”

No entanto, então, no início dos anos cinquenta, tudo parecia muito mais simples. Há naturezas felizes a quem tudo vem facilmente, sem esforço aparente; Evgeny Malinin, 20, foi um deles. Tocar em público geralmente lhe trazia apenas alegria, as dificuldades eram superadas de alguma forma por si mesmas, o problema do repertório a princípio não o incomodava. O público inspirou, os críticos elogiaram, professores e familiares aplaudiram.

Ele realmente tinha uma aparência artística incomumente atraente – uma combinação de juventude e talento. Os jogos o cativaram com vivacidade, espontaneidade, juventude frescor da experiência; funcionou irresistivelmente. E não só para o público em geral, mas também para profissionais exigentes: quem se lembra do palco de concertos da capital nos anos XNUMX poderá testemunhar que Malinin gostou todos os. Não filosofou por trás do instrumento, como alguns dos jovens intelectuais, não inventou nada, não tocou, não trapaceou, foi ao ouvinte de alma aberta e ampla. Stanislávski já teve o maior elogio para um ator – o famoso “eu acredito”; Malinin poderia Acreditar, ele realmente sentiu a música exatamente como mostrou com sua performance.

Ele era especialmente bom em letras. Logo após a estreia do pianista, GM Kogan, crítico rigoroso e preciso em suas formulações, escreveu em uma de suas resenhas sobre o notável charme poético de Malinin; era impossível discordar disso. O próprio vocabulário dos revisores em suas declarações sobre Malinin é indicativo. Nos materiais dedicados a ele, piscam constantemente: “alma”, “penetração”, “cordialidade”, “suavidade elegíaca de maneiras”, “calor espiritual”. Nota-se ao mesmo tempo ingenuidade letras de Malinin, incrível naturalidade sua presença de palco. O artista, nas palavras de A. Kramskoy, executa de forma simples e verdadeira a sonata em si bemol menor de Chopin (Kramskoy A. Piano noite E. Malinina / / música soviética. '955. No. 11. P. 115.), de acordo com K. Adzhemov, ele “suborna com simplicidade” em “Aurora” de Beethoven (Dzhemov K. Pianists // Música Soviética. 1953. No. 12. P. 69.) etc.

E outro momento característico. As letras de Malinin são verdadeiramente russas por natureza. O princípio nacional sempre se fez sentir claramente em sua arte. Derramamentos livres de sentimento, uma propensão para composições espaçosas e “simples”, arrebatadores e proezas no jogo – em tudo isso ele foi e continua sendo um artista de caráter verdadeiramente russo.

Em sua juventude, talvez, algo Yesenin escorregou nele ... Houve um caso em que, após um dos concertos de Malinin, um dos ouvintes, obedecendo-lhe apenas uma associação interna compreensível, recitou inesperadamente as conhecidas falas de Yesenin para aqueles ao seu redor:

Eu sou um cara descuidado. Não precisa de nada. Se apenas para ouvir músicas – para cantar junto com meu coração…

Muitas coisas foram dadas a Malinin, mas talvez em primeiro lugar – a música de Rachmaninov. Harmoniza-se com o próprio espírito, com a natureza de seu talento; não tanto, no entanto, naquelas obras onde Rachmaninoff (como em obras posteriores) é sombrio, severo e autocontido, mas onde sua música está imbuída de alegria primaveril de sentimentos, sangue puro e suculência da visão de mundo, iridescência de emoções coloração. Malinin, por exemplo, muitas vezes tocava e ainda toca o Segundo Concerto Rachmaninov. Esta composição deve ser especialmente notada: acompanha o artista ao longo de quase toda a sua vida cênica, está associada à maioria de seus triunfos, desde a competição de Paris em 1953 até a mais bem sucedida das turnês dos últimos anos.

Não seria exagero dizer que os ouvintes ainda se lembram da encantadora apresentação de Malinin do Segundo Concerto de Rachmaninoff até hoje. Realmente nunca deixou ninguém indiferente: uma cantilena magnífica, de fluxo livre e natural (Malinnik disse uma vez que a música de Rachmaninov deve ser cantada no piano da mesma forma que as árias das óperas clássicas russas são cantadas no teatro. A comparação é adequada, ele próprio interpreta seu autor favorito exatamente dessa maneira.), uma frase musical expressivamente delineada (os críticos falaram, e com razão, da penetração intuitiva de Malinin na essência expressiva da frase), uma nuance rítmica viva, bela... E mais uma coisa. Na maneira de tocar a música Malinin tinha um traço característico: a execução de fragmentos extensos e volumosos da obra “sobre uma respiração', como os críticos costumam dizer. Ele parecia “aumentar” a música em grandes camadas – em Rachmaninoff isso foi muito convincente.

Ele também teve sucesso nos clímax de Rachmaninov. Ele amava (e ainda ama) as “nonas ondas” do elemento sonoro furioso; às vezes, os lados mais brilhantes de seu talento eram revelados em sua crista. O pianista sempre soube falar do palco com entusiasmo, paixão, sem se esconder. Sendo levado por si mesmo, ele atraiu os outros. Emil Gilels escreveu certa vez sobre Malinin: “… Seu impulso prende o ouvinte e o faz acompanhar com interesse como o jovem pianista revela de maneira peculiar e talentosa a intenção do autor…”

Juntamente com o Segundo Concerto de Rachmaninov, Malinin tocava frequentemente as sonatas de Beethoven nos anos cinquenta (principalmente Op. 22 e 110), Mephisto Waltz, Funeral Procession, Betrothal e a sonata B menor de Liszt; noturnos, polonesas, mazurcas, scherzos e muitas outras peças de Chopin; Segundo Concerto de Brahms; “Quadros de uma Exposição” de Mussorgsky; poemas, estudos e a Quinta Sonata de Scriabin; a quarta sonata e ciclo de Prokofiev “Romeu e Julieta”; finalmente, algumas peças de Ravel: “Alborada”, uma sonatina, um tríptico para piano “Night Gaspard”. Ele expressou claramente predileções estilísticas de repertório? Uma coisa pode ser dita com certeza – sobre sua rejeição da chamada modernidade musical “moderna” em suas manifestações radicais, sobre uma atitude negativa em relação às construções sonoras de um armazém construtivista – esta sempre foi organicamente alheia à sua natureza. Em uma de suas entrevistas, ele disse: “Uma obra que carece de emoções humanas vivas (o que se chama de alma!), é apenas um objeto de análise mais ou menos interessante. Isso me deixa indiferente e eu simplesmente não quero jogar.” (Evgeny Malinin (conversa) // Vida musical. 1976. No. 22. P. 15.). Ele queria, e ainda quer, tocar a música do século XNUMX: grandes compositores russos, românticos da Europa Ocidental. . ..Então, o final dos anos quarenta – o início dos anos cinquenta, a época dos sucessos barulhentos de Malinin. Mais tarde, o tom da crítica de sua arte muda um pouco. Ele ainda recebe crédito por seu talento, “charme” de palco, mas nas respostas às suas performances, não, não, e algumas reprovações passarão. Preocupações são expressas de que o artista tenha “diminuído” seu passo; Neuhaus uma vez lamentou que seu aluno tenha se tornado “comparativamente subtreinado”. Malinin, de acordo com alguns de seus colegas, se repete com mais frequência do que gostaria em seus programas, é hora de ele “experimentar novas direções de repertório, expandir o leque de interesses performáticos” (Kramskoy A. Piano à noite E. Malinina//Sov. music. 1955. No. 11. p. 115.). Muito provavelmente, o pianista deu certos motivos para tais censuras.

Chaliapin tem palavras significativas: “E se eu levar algo a meu crédito e me permitir ser considerado um exemplo digno de imitação, isso é minha autopromoção, incansável, ininterrupta. Nunca, não depois dos mais brilhantes sucessos, eu disse a mim mesmo: “Agora, irmão, durma nesta coroa de louros com fitas magníficas e inscrições incomparáveis ​​…” Lembrei-me de que minha troika russa com um sino Valdai me esperava na varanda , que não tenho tempo para dormir – preciso ir mais longe! .. ” (Chaliapin FI Patrimônio literário. – M., 1957. S. 284-285.).

Alguém, mesmo entre mestres conhecidos e reconhecidos, seria capaz de dizer com sincera franqueza sobre si mesmo o que Chaliapin disse? E é realmente uma raridade quando, depois de uma série de triunfos e vitórias no palco, o relaxamento se instala – excesso de esforço nervoso, fadiga que vem se acumulando ao longo dos anos … “Preciso ir mais longe!”

No início dos anos setenta, mudanças significativas ocorreram na vida de Malinin. De 1972 a 1978, chefiou o departamento de piano do Conservatório de Moscou como reitor; desde meados dos anos oitenta – chefe do departamento. O ritmo de sua atividade está se acelerando febrilmente. Uma variedade de tarefas administrativas, uma série interminável de reuniões, reuniões, conferências metodológicas, etc., discursos e relatórios, participação em todos os tipos de comissões (de admissões à faculdade à graduação, de crédito ordinário e exames a concursos), enfim , muitas outras coisas que não podem ser apreendidas e contadas com um único olhar - tudo isso agora absorve uma parte significativa de sua energia, tempo e forças. Ao mesmo tempo, ele não quer romper com o palco do show. E não apenas “não quero”; ele não teria o direito de fazê-lo. Um músico conhecido e autoritário, que hoje entrou em um período de plena maturidade criativa – ele não pode tocar? .. O panorama da turnê de Malinin nos anos setenta e oitenta parece muito impressionante. Ele visita regularmente muitas cidades do nosso país, sai em turnê no exterior. A imprensa escreve sobre sua grande e frutífera experiência no palco; ao mesmo tempo, nota-se que em Malinin ao longo dos anos sua sinceridade, abertura emocional e simplicidade não diminuíram, que ele não esqueceu como falar com os ouvintes em uma linguagem musical viva e compreensível.

Seu repertório é baseado em antigos autores. Chopin é frequentemente realizado – talvez com mais frequência do que qualquer outra coisa. Assim, na segunda metade dos anos oitenta, Malinin ficou especialmente viciado no programa, composto pela Segunda e Terceira Sonatas de Chopin, que são acompanhadas por várias mazurcas. Há também obras em seus cartazes que ele não havia tocado antes, em sua juventude. Por exemplo, o Primeiro Concerto para Piano e 24 Prelúdios de Shostakovich, o Primeiro Concerto de Galynin. Em algum momento na virada dos anos setenta e oitenta, a Fantasia em dó maior de Schumann, bem como os concertos de Beethoven, tornaram-se enraizados no repertório de Yevgeny Vasilyevich. Na mesma época, aprendeu o Concerto para Três Pianos e Orquestra de Mozart, o trabalho foi feito por ele a pedido de seus colegas japoneses, em colaboração com quem Malinin executou esta obra de sonoridade rara no Japão.

Há outra coisa que atrai cada vez mais Malinin ao longo dos anos – ensinar. Tem uma aula forte e até em composição, da qual já saíram muitos laureados de concursos internacionais; Não é fácil entrar nas fileiras de seus alunos. Ele também é conhecido como professor no exterior: ele tem realizado repetidamente e com sucesso seminários internacionais sobre performance de piano em Fontainebleau, Tours e Dijon (França); ele teve que dar aulas demonstrativas em outras cidades do mundo. “Sinto que estou cada vez mais ligado à pedagogia”, diz Malinin. “Agora eu adoro isso, talvez não menos do que dar concertos, eu dificilmente poderia imaginar que isso aconteceria antes. Eu amo o conservatório, a aula, a juventude, a atmosfera da aula, encontro cada vez mais alegria no próprio processo de criatividade pedagógica. Na sala de aula muitas vezes esqueço a hora, me empolgo. Acontece que sou questionado sobre meus princípios pedagógicos, solicitado a caracterizar meu sistema de ensino. O que pode ser dito aqui? Liszt disse uma vez: “Provavelmente uma coisa boa é um sistema, só que eu nunca poderia encontrá-lo …””.

Talvez Malinin realmente não tenha um sistema no sentido literal da palavra. Não estaria em seu espírito... Mas, sem dúvida, ele tem certas atitudes e abordagens pedagógicas desenvolvidas ao longo de muitos anos de prática – como todo professor experiente. Ele fala sobre eles assim:

“Tudo o que é executado por um aluno deve ser saturado de significado musical até o limite. É o mais importante. Mas nem uma única nota vazia e sem sentido! Nem uma única revolução ou modulação harmônica neutra emocional! É exatamente disso que procedo nas minhas aulas com os alunos. Alguém, talvez, dirá: é, dizem, exatamente como “duas vezes dois”. Quem sabe… A vida mostra que muitos performers chegam a este ponto longe de ser imediatos.

Lembro-me que uma vez na minha juventude toquei a sonata em si menor de Liszt. Em primeiro lugar, eu estava preocupado que as sequências de oitavas mais difíceis “saíssem” para mim, as figurações dos dedos ficassem sem “borrões”, os temas principais soassem bonitos e assim por diante. E o que está por trás de todas essas passagens e trajes sonoros luxuosos, para quê e em nome de quê eles foram escritos por Liszt, eu provavelmente não imaginei isso com muita clareza. Apenas intuitivamente sentida. Mais tarde, eu entendi. E então tudo se encaixou, eu acho. Ficou claro o que é primário e o que é secundário.

Portanto, quando vejo jovens pianistas em minha classe hoje, cujos dedos correm lindamente, que são muito emotivos e querem muito tocar “mais expressivamente” este ou aquele lugar, estou bem ciente de que eles, como intérpretes, muitas vezes passam por cima a superfície. E que eles “não se fartam” na principal e principal coisa que defino como significado música, conteúdo chame como quiser. Talvez alguns desses jovens venham eventualmente para o mesmo lugar que eu fiz no meu tempo. Eu quero que isso aconteça o mais rápido possível. Esse é meu cenário pedagógico, meu objetivo.

Muitas vezes se pergunta a Malinin: o que ele pode dizer sobre o desejo de jovens artistas por originalidade, sobre sua busca por seu próprio rosto, ao contrário de outros rostos? Esta questão, de acordo com Yevgeny Vasilyevich, não é simples, não é inequívoca; a resposta aqui não está na superfície, como pode parecer à primeira vista.

“Muitas vezes você pode ouvir: o talento nunca seguirá o caminho batido, sempre procurará algo próprio, novo. Parece ser verdade, não há nada a objetar aqui. No entanto, também é verdade que se você seguir esse postulado muito literalmente, se você o entender de forma muito categórica e direta, isso também não levará ao bem. Hoje em dia, por exemplo, não é incomum encontrar jovens artistas que resolutamente não querem ser como seus antecessores. Eles não estão interessados ​​no repertório usual e geralmente aceito – Bach, Beethoven, Chopin, Tchaikovsky, Rachmaninoff. Muito mais atraentes para eles são os mestres dos séculos XNUMX-XNUMX – ou os autores mais modernos. Eles estão procurando por música gravada digitalmente ou algo assim – de preferência nunca tocada antes, desconhecida até mesmo pelos profissionais. Eles estão procurando algumas soluções interpretativas incomuns, truques e maneiras de jogar…

Estou convencido de que existe uma certa linha, eu diria, uma linha de demarcação que percorre o desejo de algo novo na arte e a busca da originalidade por si mesma. Em outras palavras, entre Talento e uma farsa habilidosa para isso. Este último, infelizmente, é mais comum hoje em dia do que gostaríamos. E você precisa ser capaz de distinguir um do outro. Em uma palavra, eu não colocaria um sinal de igual entre conceitos como talento e originalidade, o que às vezes se tenta fazer. O original no palco não é necessariamente talentoso, e a prática de concertos de hoje confirma isso de forma bastante convincente. Por outro lado, o talento pode não ser evidente para seus incomum, alteridade no resto – e, ao mesmo tempo, ter todos os dados para um trabalho criativo frutífero. É importante para mim agora enfatizar a ideia de que algumas pessoas na arte parecem fazer o que outras fariam – mas nível qualitativamente diferente. Este “mas” é o ponto principal da questão.

Em geral, sobre o tema – o que é talento nas artes musicais e cênicas – Malinin tem que pensar com bastante frequência. Quer ele estude com os alunos em sala de aula, quer participe dos trabalhos da comissão de seleção para a seleção de candidatos ao conservatório, ele, de fato, não pode fugir dessa questão. Como não evitar tais pensamentos em competições internacionais, onde Malinin, junto com outros membros do júri, tem que decidir o destino dos jovens músicos. De alguma forma, durante uma entrevista, Evgeny Vasilyevich foi perguntado: qual, em sua opinião, é o grão do talento artístico? Quais são seus elementos e termos constituintes mais importantes? Malin respondeu:

“Parece-me que neste caso é possível e necessário falar de algo comum tanto para músicos performáticos quanto para atores, recitadores – todos aqueles, enfim, que têm que se apresentar no palco, se comunicar com o público. O principal é a capacidade de impacto direto e momentâneo nas pessoas. A capacidade de cativar, inflamar, inspirar. O público, de fato, vai ao teatro ou à Filarmônica para experimentar esses sentimentos.

No palco do show o tempo todo algo deve tomar lugar — interessante, significativo, fascinante. E esse “algo” deve ser sentido pelas pessoas. Quanto mais brilhante e forte, melhor. O artista que faz isso – talentoso. E vice versa…

Há, no entanto, os concertistas mais famosos, mestres de primeira classe, que não têm esse impacto emocional direto nos outros de que estamos falando. Embora existam poucos deles. Unidades talvez. Por exemplo, A. Benedetti Michelangeli. Ou Maurizio Pollini. Eles têm um princípio criativo diferente. Eles fazem isso: em casa, longe dos olhos humanos, atrás das portas fechadas de seu laboratório de música, eles criam uma espécie de obra-prima performática – e depois a mostram ao público. Ou seja, eles trabalham como, digamos, pintores ou escultores.

Bem, isso tem suas vantagens. Um grau excepcionalmente alto de profissionalismo e habilidade é alcançado. Mas ainda assim… Para mim pessoalmente, devido às minhas ideias sobre arte, assim como a educação recebida na infância, outra coisa sempre foi mais importante para mim. O que eu estava falando antes.

Há uma palavra bonita, que eu amo muito – insight. É quando algo inesperado aparece no palco, vem, ofusca o artista. O que poderia ser mais maravilhoso? Claro, insights só vêm de artistas natos.”

… Em abril de 1988, uma espécie de festival dedicado ao 100º aniversário do nascimento de GG Neuhaus foi realizado na URSS. Malinin foi um dos seus principais organizadores e participantes. Ele falou na televisão com uma história sobre seu professor, tocado duas vezes em concertos em memória de Neuhaus (inclusive em um concerto realizado no Hall of Columns em 12 de abril de 1988). Durante os dias do festival, Malinin constantemente voltava seus pensamentos para Heinrich Gustavovich. “Imitá-lo em qualquer coisa seria, claro, inútil e ridículo. E, no entanto, algum estilo geral de trabalho de ensino, sua orientação criativa e caráter para mim e para outros alunos da Neuhaus, vem de nosso professor. Ele ainda está na frente dos meus olhos o tempo todo…”

G. Tsypin, 1990