Sonata |

italiano. sonata, de sonare - para soar

Um dos principais gêneros de solo ou conjunto de câmara instr. música. Clássico S., como regra, produção de muitas partes. com partes extremas rápidas (a primeira – na chamada forma sonata) e meio lento; às vezes um minueto ou scherzo também é incluído no ciclo. Com exceção das variedades antigas (trio sonata), S., ao contrário de alguns outros gêneros de câmara (trio, quarteto, quinteto, etc.), não envolve mais de 2 intérpretes. Essas normas foram formadas na era do classicismo (veja a Escola Clássica de Viena).

O surgimento do termo “S”. remonta à época da formação do independente. instr. gêneros. Inicialmente, S. eram chamados de wok. peças com instrumentos ou por conta própria. instr. trabalhos, que, no entanto, ainda estavam intimamente ligados com o wok. maneira de escrever e eram preim. transcrições wok simples. tocam. Como um instr. joga o termo “S”. encontrado já no século 13. Mais amplamente chamado de “sonata” ou “sonado” começa a ser usado apenas na época do Renascimento tardio (século XVI) na Espanha em decomp. tablatura (por exemplo, em El Maestro por L. Milan, 16; em Sila de Sirenas por E. Valderrabano, 1535), depois na Itália. Muitas vezes há um nome duplo. – canzona da sonar ou canzona per sonare (por exemplo, y H. Vicentino, A. Bankieri e outros).

Enganar. século 16 na Itália (chefe arr. na obra de F. Maskera), a compreensão do termo "S." como uma designação de um instr independente. peças (em oposição a cantata como peças wok.). Ao mesmo tempo, especialmente em con. 16 – implorar. Século XVII, o termo “S”. aplicado aos mais diversos em forma e função instr. ensaios. Às vezes S. eram chamados de instr. partes dos serviços da igreja (os títulos “Alla devozione” – “Em um personagem piedoso” ou “Graduale” nas sonatas de Banchieri são dignos de nota, o nome de uma das obras deste gênero de K. Monteverdi é “Sonata sopra Sancta Maria” – “Sonata-liturgia da Virgem Maria”), bem como aberturas de ópera (por exemplo, a introdução à ópera de MA Honor The Golden Apple, chamada por S. – Il porno d'oro, 17). Durante muito tempo não houve distinção clara entre as designações “S.”, “sinfonia” e “concerto”. No início do século XVII (início do Barroco), formaram-se 1667 tipos de S.: sonata da chiesa (igreja. S.) e sonata da câmara (câmara, front. S.). Pela primeira vez estas designações são encontradas em “Canzoni, overo sonate concertate per chiesa e camera” de T. Merula (17). A Sonata da chiesa contava mais com a polifonia. forma, a sonata da camera se distinguiu pela predominância de um armazém homofônico e pela dependência da dançabilidade.

No início. século 17, o chamado. trio sonata para 2 ou 3 músicos com acompanhamento de baixo contínuo. Era uma forma de transição da polifonia do século XVI. para solo S. 16-17 séculos. Em realizar. composições de S. neste momento o lugar principal é ocupado por cordas. instrumentos curvados com suas grandes melodias. oportunidades.

No 2º andar. XVII há uma tendência ao desmembramento de S. em partes (geralmente 17-3). Eles são separados um do outro por uma linha dupla ou designações especiais. O ciclo de 5 partes é representado por muitas sonatas de G. Legrenzi. Como exceção, também se encontram S. monocomponentes (em Sat: Sonate da organo di varii autori, ed. Arresti). O mais típico é um ciclo de 5 partes com uma sequência de partes: lento – rápido – lento – rápido (ou: rápido – lento – rápido – rápido). 4ª parte lenta – introdutória; geralmente se baseia em imitações (às vezes de um armazém homofônico), tem improvisação. personagem, muitas vezes inclui ritmos pontilhados; a 1ª parte rápida é fuga, a 2ª parte lenta é homofônica, via de regra, no espírito de uma sarabanda; conclui. a parte rápida também é fuga. Sonata da camera era um estudo livre de danças. quartos, como uma suíte: allemande – courant – sarabande – gigue (ou gavotte). Este esquema poderia ser complementado por outras danças. partes.

A definição de sonata da camera foi frequentemente substituída pelo nome. – “suíte”, “partita”, “francês. abertura”, “ordem”, etc. Em con. Século 17 na Alemanha existem produtos. tipo misto, combinando as propriedades de ambos os tipos de S. (D. Becker, I. Rosenmüller, D. Buxtehude, e outros). Para a Igreja. S. penetre nas partes que são de natureza próxima para dançar (gigue, minueto, gavota), na câmara – libere as partes preludidas da igreja. S. Às vezes isso levou a uma fusão completa de ambos os tipos (GF Teleman, A. Vivaldi).

As peças são combinadas em S. por meio de temáticas. conexões (especialmente entre as partes extremas, por exemplo, em C. op. 3 No 2 Corelli), com a ajuda de um plano tonal harmonioso (as partes extremas na chave principal, as partes médias na secundária), às vezes com o ajuda de um desenho de programa (S. “Histórias Bíblicas” Kunau).

No 2º andar. XVII, juntamente com as trio sonatas, a posição dominante é ocupada por S. para violino – um instrumento que está experimentando seu primeiro e mais alto florescimento nesta época. Gênero skr. S. foi desenvolvido no trabalho de G. Torelli, J. Vitali, A. Corelli, A. Vivaldi, J. Tartini. Um número de compositores têm o 17º andar. Século XVIII (JS Bach, GF Teleman e outros) há uma tendência de aumentar as partes e reduzir seu número para 1 ou 18 – geralmente devido à rejeição de uma das 2 partes lentas da igreja. S. (por exemplo, IA Sheibe). As indicações de andamento e natureza das partes tornam-se mais detalhadas (“Andante”, “Grazioso”, “Affettuoso”, “Allegro ma non troppo”, etc.). S. para violino com uma parte desenvolvida do cravo aparecem pela primeira vez em JS Bach. Nome “DE”. em relação à peça solo de cravo, I. Kunau foi o primeiro a utilizá-la.

No início do período clássico (meados do século XVIII) o S. é gradualmente reconhecido como o género mais rico e complexo da música de câmara. Em 18, IA Schultz definiu S. como uma forma que “abrange todos os caracteres e todas as expressões”. DG Türk observou em 1775: “Entre as peças escritas para o cravo, a sonata ocupa justamente o primeiro lugar”. Segundo FW Marpurg, em S. necessariamente “há três ou quatro peças sucessivas em um tempo dado por designações, por exemplo, Allegro, Adagio, Presto, etc”. O piano de cravo se move para a frente, assim como o recém-aparecido piano de ação de martelo. (uma das primeiras amostras – S. op. 1789 Avison, 8), e para o cravo ou clavicórdio (para representantes das escolas do Norte e Médio Alemão – WF Bach, KFE Bach, KG Nefe, J. Benda, EV Wolf e outros – o clavicórdio era um instrumento favorito). A tradição de acompanhar C. baixo contínuo está morrendo. Um tipo intermediário de piano de cravo está se espalhando, com a participação opcional de um ou dois outros instrumentos, na maioria das vezes violinos ou outros instrumentos melódicos (sonatas de C. Avison, I. Schobert e algumas sonatas iniciais de WA Mozart), especialmente em Paris e Londres. S. são criados para o clássico. dupla composição com a participação obrigatória de cravo e c.-l. instrumento melódico (violino, flauta, violoncelo, etc.). Entre as primeiras amostras – S. op. 1764 Giardini (3), S. op. 1751 Pellegrini (4).

O surgimento de uma nova forma de S. foi em grande parte determinado pela transição do polifônico. armazém de fuga para homofônico. A sonata clássica allegro é especialmente formada nas sonatas de uma parte de D. Scarlatti e nas sonatas de 3 vozes de CFE Bach, bem como seus contemporâneos – B. Pasquini, PD Paradisi e outros. As obras da maioria dos compositores desta galáxia estão esquecidas, apenas as sonatas de D. Scarlatti e CFE Bach continuam a ser executadas. D. Scarlatti escreveu mais de 500 S. (muitas vezes chamados Essercizi ou peças para cravo); distinguem-se pela sua meticulosidade, acabamento em filigrana, variedade de formas e tipos. KFE Bach estabelece um clássico. a estrutura do ciclo S. de 3 partes (ver forma cíclica Sonata). Na obra de mestres italianos, especialmente GB Sammartini, muitas vezes encontramos um ciclo de 2 partes: Allegro – Menuetto.

O significado do termo “S”. no início do período clássico não era inteiramente estável. Às vezes era usado como o nome de um instr. peças (J. Carpani). Na Inglaterra, S. é frequentemente identificado com “Lesson” (S. Arnold, op. 7) e sonata solo, isto é, S. para melódica. instrumento (violino, violoncelo) com baixo contínuo (P. Giardini, op.16), em França – com uma peça para cravo (JJC Mondonville, op. 3), em Viena – com divertissement (GK Wagenseil, J. Haydn), em Milão – com um noturno (GB Sammartini, JK Bach). Às vezes, o termo sonata da camera (KD Dittersdorf) era usado. Por algum tempo o S. eclesiástico também manteve seu significado (17 sonatas eclesiásticas de Mozart). As tradições barrocas também se refletem na abundante ornamentação de melodias (Benda), e na introdução de passagens figurativas virtuosas (M. Clementi), nas características do ciclo, por exemplo. nas sonatas de F. Durante, a primeira parte da fuga é muitas vezes oposta à segunda, escrita em caráter de giga. A ligação com a antiga suite também é evidente na utilização do minueto para as partes médias ou finais de S. (Wagenseil).

primeiros temas clássicos. S. muitas vezes mantém as características de polifonia de imitação. armazém, em contraste, por exemplo, com uma sinfonia com sua temática homofônica característica neste período, devido a outras influências no desenvolvimento do gênero (principalmente a influência da música de ópera). Normas clássicas. S. finalmente ganham forma nas obras de J. Haydn, WA Mozart, L. Beethoven, M. Clementi. Um ciclo de 3 partes com movimentos extremamente rápidos e uma parte intermediária lenta torna-se típico para S. (em contraste com a sinfonia com seu ciclo normativo de 4 partes). Esta estrutura do ciclo remonta ao antigo C. da chiesa e solo instr. concerto barroco. O lugar de liderança no ciclo é ocupado pela 1ª parte. É quase sempre escrita em forma de sonata, a mais desenvolvida de todas as instruções clássicas. formulários. Há também exceções: por exemplo, em fp. A sonata A-dur de Mozart (K.-V. 331) a primeira parte é escrita na forma de variações, em seu próprio C. Es-dur (K.-V. 282) a primeira parte é adagio. A segunda parte contrasta fortemente com a primeira pelo ritmo lento, lírico e contemplativo. Esta parte permite maior liberdade na escolha da estrutura: pode usar uma forma complexa de 3 partes, forma sonata e suas várias modificações (sem desenvolvimento, com um episódio), etc. exemplo, C. Esdur, K.-V. 282, A-dur, K.-V. 331, Mozart, C-dur para Haydn). O terceiro movimento, geralmente o mais rápido do ciclo (Presto, allegro vivace e tempos fechados), aproxima-se do primeiro movimento com seu caráter ativo. A forma mais típica para o finale é o rondó e a sonata do rondó, menos frequentemente as variações (C. Es-dur para violino e piano, K.-V. 481 de Mozart; C. A-dur para piano de Haydn). Há, no entanto, também desvios de tal estrutura do ciclo: de 52 fp. As sonatas de Haydn 3 (antes) são de quatro partes e 8 são de duas partes. Ciclos semelhantes também são característicos de alguns skr. sonatas de Mozart.

No período clássico, no centro das atenções está o S. para piano, que substitui em todos os lugares os antigos tipos de cordas. instrumentos de teclado. S. também é amplamente utilizado para decomp. instrumentos com acompanhamento fp., especialmente Skr. S. (por exemplo, Mozart possui 47 skr. C).

O gênero S. atingiu seu pico mais alto com Beethoven, que criou 32 fp., 10 scr. e 5 violoncelo S. Na obra de Beethoven, o conteúdo figurativo é enriquecido, os dramas são incorporados. colisões, o início do conflito é acentuado. Muitos de seus S. atingem proporções monumentais. Ao lado do refinamento da forma e da concentração da expressão, característicos da arte do classicismo, as sonatas de Beethoven também apresentam características que foram posteriormente adotadas e desenvolvidas por compositores românticos. Beethoven frequentemente escreve S. na forma de um ciclo de 4 partes, reproduzindo a seqüência de partes de uma sinfonia e um quarteto: uma sonata allegro é uma letra lenta. movimento – minueto (ou scherzo) – finale (ex. S. para piano op. 2 nº 1, 2, 3, op. 7, op. 28). As partes do meio às vezes são organizadas em ordem inversa, às vezes uma letra lenta. a parte é substituída por uma parte em um tempo mais móvel (alegretto). Tal ciclo criaria raízes no S. de muitos compositores românticos. Beethoven também tem S. de 2 partes (S. para pianoforte op. 54, op. 90, op. 111), bem como um solista com sequência livre de partes (movimento de variação – scherzo – marcha fúnebre – finale em piano. C op. 26; op. C. quasi una fantasia op. 27 n.º 1 e 2; C. op. 31 n.º 3 com um scherzo em 2º lugar e um minueto em 3º). No último S. de Beethoven, intensifica-se a tendência à fusão próxima do ciclo e maior liberdade de sua interpretação. Conexões são introduzidas entre as partes, transições contínuas são feitas de uma parte para outra, seções de fuga são incluídas no ciclo (finais de S. op. 101, 106, 110, fugato na 1ª parte de S. op. 111). A primeira parte às vezes perde sua posição de liderança no ciclo, o final muitas vezes se torna o centro de gravidade. Há reminiscências de tópicos anteriormente tocados no decomp. partes do ciclo (S. op. 101, 102 No 1). Significa. Nas sonatas de Beethoven, as lentas introduções aos primeiros movimentos também começam a desempenhar um papel (op. 13, 78, 111). Algumas das canções de Beethoven são caracterizadas por elementos de software, amplamente desenvolvidos na música de compositores românticos. Por exemplo, 3 partes de S. para piano. op. 81a são chamados. “Adeus”, “Despedida” e “Retorno”.

Uma posição intermediária entre classicismo e romantismo é ocupada pelas sonatas de F. Schubert e KM Weber. Com base nos ciclos de sonata de 4 partes (raramente 3 partes) de Beethoven, esses compositores usam certos novos métodos de expressividade em suas composições. As peças melódicas são de grande importância. início, elementos de canções folclóricas (especialmente nas partes lentas dos ciclos). Letra. personagem aparece mais claramente no fp. sonatas de Schubert.

Na obra de compositores românticos, ocorre um maior desenvolvimento e transformação da música clássica. (predominantemente de Beethoven) tipo S., saturando-o com novas imagens. Característica é a maior individualização da interpretação do gênero, sua interpretação no espírito do romântico. poesia. S. durante este período mantém a posição de um dos principais gêneros de instr. música, embora seja um pouco afastada por pequenas formas (por exemplo, uma canção sem palavras, noturno, prelúdio, estudo, peças características). F. Mendelssohn, F. Chopin, R. Schumann, F. Liszt, J. Brahms, E. Grieg e outros deram uma grande contribuição para o desenvolvimento da sísmica. Suas composições sísmicas revelam novas possibilidades do gênero em refletir fenômenos e conflitos da vida. O contraste das imagens de S. é aguçado tanto nas partes quanto na relação entre elas. O desejo dos compositores por mais temáticas também é afetado. a unidade do ciclo, embora em geral os românticos aderem ao clássico. 3 partes (por exemplo, S. para pianoforte op. 6 e 105 de Mendelssohn, S. para violino e pianoforte op. 78 e 100 de Brahms) e 4 partes (por exemplo, S. para pianoforte op. 4, 35 e 58 ciclos de Chopin, S. for Schumann). Algumas das sequências para o FP distinguem-se por uma grande originalidade na interpretação de partes do ciclo. Brahms (S. op. 2, cinco partes S. op. 5). Influência romântica. poesia leva ao surgimento de uma parte S. (as primeiras amostras – 2 S. para o pianoforte de Liszt). Em termos de escala e independência, as seções da forma sonata nelas se aproximam das partes do ciclo, formando o chamado. um ciclo de uma parte é um ciclo de desenvolvimento contínuo, com linhas borradas entre as partes.

Em fp. Um dos fatores unificadores nas sonatas de Liszt é a programaticidade: com as imagens da Divina Comédia de Dante, seu S. “Depois de ler Dante” (a liberdade de sua estrutura é enfatizada pela designação Fantasia quasi Sonata), com as imagens do Fausto de Goethe – S. h-moll (1852-53).

Na obra de Brahms e Grieg, um lugar de destaque é ocupado pelo violino S. Para os melhores exemplos do gênero S. no romântico. música pertence à sonata A-dur para violino e piano. S. Frank, bem como 2 S. para violoncelo e piano. Brahms. Instrumentos também estão sendo criados para outros instrumentos.

Em con. 19 – implorar. Século 20 S. nos países do Ocidente. A Europa está passando por uma crise bem conhecida. As sonatas de V. d'Andy, E. McDowell, K. Shimanovsky são interessantes, independentes em pensamento e linguagem.

Um grande número de S. para decomp. instrumentos foi escrito por M. Reger. De particular interesse são os seus 2 S. para órgão, nos quais se manifestou a orientação do compositor para o clássico. tradições. Reger também possui 4 S. para violoncelo e pianoforte, 11 S. para pianoforte. A inclinação para a programação é característica do trabalho de sonata de McDowell. Todos os 4 de seu S. para fp. são legendas de programas (“Trágico”, 1893; “Heroico”, 1895; “Norueguês”, 1900; “Celta”, 1901). Menos significativas são as sonatas de K. Saint-Saens, JG Reinberger, K. Sinding e outros. Tentativas de reviver o clássico neles. princípios não deram resultados artisticamente convincentes.

O gênero S. adquire características peculiares no início. século 20 na música francesa. Do francês G. Fauré, P. Duke, C. Debussy (S. para violino e piano, S. para violoncelo e piano, S. para flauta, viola e harpa) e M. Ravel (S. para violino e pianoforte , S. para violino e violoncelo, sonata para pianoforte). Esses compositores saturam S. com novos, inclusive impressionistas. figuratividade, métodos originais de expressividade (o uso de elementos exóticos, o enriquecimento de meios harmônicos modais).

Na obra de compositores russos dos séculos XVIII e XIX, S. não ocupou um lugar de destaque. O gênero de S. neste momento é representado por experimentos individuais. Tais são os instrumentos musicais para o cembalo de DS Bortnyansky e os instrumentos musicais de IE Khandoshkin para violino solo e baixo, que em suas características estilísticas estão próximos dos primeiros instrumentos musicais clássicos da Europa Ocidental. e viola (ou violino) MI Glinka (18), sustentada no clássico. espírito, mas com entonação. partidos intimamente associados com o russo. elemento de canção popular. Características nacionais são perceptíveis no S. dos contemporâneos mais proeminentes de Glinka, principalmente AA Alyabyeva (S. para violino com piano, 19). Def. AG Rubinshtein, autor de 1828 S. para piano, prestou homenagem ao gênero de S. (1834-4) e 1859 S. para violino e piano. (71-3), S. para viola e piano. (1851) e 76 p. para violoncelo e piano. (1855-2). De particular importância para o desenvolvimento posterior do gênero em russo. música tinha S. para piano. op. 1852 PI Tchaikovsky, e também 57 S. para piano. AK Glazunov, gravitando em direção à tradição do “grande” romântico S.

Na virada dos séculos 19 e 20. interesse no gênero S. y rus. compositores aumentou significativamente. Uma página brilhante no desenvolvimento do gênero foram FP. sonatas de AN Scriabin. De muitas maneiras, continuando o romântico. tradições (gravitação em direção à programabilidade, a unidade do ciclo), Scriabin lhes dá uma expressão independente e profundamente original. A novidade e originalidade da criatividade sonata de Scriabin se manifesta tanto na estrutura figurativa quanto na música. linguagem e na interpretação do gênero. A natureza programática das sonatas de Scriabin é filosófica e simbólica. personagem. Sua forma evolui de um ciclo de várias partes bastante tradicional (1º - 3º S.) para uma única parte (5º - 10º S.). Já a 4ª sonata de Scriabin, ambas partes intimamente relacionadas entre si, aproxima-se do tipo de um pianoforte de movimento único. poemas. Ao contrário das sonatas de um movimento de Liszt, as sonatas de Scriabin não têm características de uma forma cíclica de um movimento.

S. é significativamente atualizado no trabalho de NK Medtner, to-rum pertence a 14 fp. S. e 3 S. para violino e piano. Medtner expande as fronteiras do gênero, valendo-se das características de outros gêneros, principalmente programáticos ou lírico-característicos (“Sonata-elegy” op. 11, “Sonata-remembrance” op. 38, “Sonata-fairy tale” op. 25) , “Sonata-balada » op. 27). Um lugar especial é ocupado por seu op “Sonata-vocalise”. 41.

SV Rachmaninov em 2 fp. S. desenvolve peculiarmente as tradições do grande romântico. C. Um evento notável em russo. início da vida musical. aço do século 20 2 primeiro S. para fp. N. Sim. Myaskovsky, especialmente o 2º S. de uma parte, recebeu o Prêmio Glinkin.

Nas décadas seguintes do século XX o uso de novos meios de expressão transforma a aparência do gênero. Aqui, 20 C. são indicativos de decomposição. instrumentos de B. Bartok, originais nos traços rítmicos e modais, indicando uma tendência de atualização dos intérpretes. composições (S. para 6 fp. e percussão). Esta última tendência também é seguida por outros compositores (S. para trompete, trompa e trombone, F. Poulenc e outros). Estão sendo feitas tentativas de reviver algumas formas de pré-clássico. S. (2 sonatas para órgão de P. Hindemith, S. solo para viola e para violino de E. Krenek e outras obras). Um dos primeiros exemplos de interpretação neoclássica do gênero – 6º S. para piano. IF Stravinsky (2). Significa. lugar na música moderna é ocupado pelas sonatas de A. Honegger (1924 C. para vários instrumentos), Hindemith (c. 6 C. para quase todos os instrumentos).

Excelentes exemplos de interpretações modernas do gênero foram criados por corujas. compositores, principalmente SS Prokofiev (9 para piano, 2 para violino, violoncelo). O papel mais importante no desenvolvimento do S. moderno foi desempenhado pelo FP. sonatas de Prokofiev. Toda a criatividade é claramente refletida neles. o caminho do compositor – da ligação com o romântico. amostras (1º, 3º C.) até a maturidade sábia (8º C). Prokofiev confia no clássico. normas do ciclo de 3 e 4 partes (com exceção do 1º e 3º C de uma parte). Orientação clássica. e pré-clássico. princípios de pensamento são refletidos no uso de danças antigas. gêneros dos séculos XVII-XVIII. (gavotte, minueto), formas de tocata, bem como em um delineamento claro de seções. No entanto, as características originais dominam, que incluem a concretude teatral da dramaturgia, a novidade da melodia e da harmonia e o caráter peculiar do piano. virtuosismo. Um dos picos mais significativos da obra do compositor é a “tríade sonata” dos anos da guerra (17ª – 18ª pp., 6-8), que combina drama. conflito de imagens com o clássico. refinamento da forma.

Uma contribuição notável para o desenvolvimento da música para piano foi feita por DD Shostakovich (2 para piano, violino, viola e violoncelo) e AN Aleksandrov (14 piano para piano). FP também é popular. sonatas e sonatas de DB Kabalevsky, sonata de AI Khachaturian.

Nos anos 50-60. novos fenômenos característicos aparecem no campo da criatividade sonata. S. aparecem, não contendo uma única parte do ciclo em forma de sonata e apenas implementando certos princípios de sonata. Tais são os S. para FP. P. Boulez, “Sonata and Interlude” para piano “preparado”. J. Cage. Os autores dessas obras interpretam S. principalmente como um instr. Toque. Um exemplo típico disso é C. para violoncelo e orquestra de K. Penderecki. Tendências semelhantes foram refletidas no trabalho de várias corujas. compositores (sonatas para piano de BI Tishchenko, TE Mansuryan, etc.).

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Veja também aceso. para artigos Forma sonata, Forma sonata cíclica, Forma musical.

VB Valkova