Sergei Leonidovich Dorensky |

Sergei Dorensky

Sergei Leonidovich Dorensky diz que foi incutido no amor pela música desde tenra idade. Tanto seu pai, um conhecido fotojornalista em seu tempo, quanto sua mãe, ambos amam a arte desinteressadamente; em casa, muitas vezes tocavam música, o menino ia à ópera, a concertos. Quando ele tinha nove anos, ele foi levado para a Escola Central de Música do Conservatório de Moscou. A decisão dos pais foi correta, no futuro foi confirmada.

Sua primeira professora foi Lydia Vladimirovna Krasenskaya. No entanto, a partir da quarta série, Sergei Dorensky teve outro professor, Grigory Romanovich Ginzburg tornou-se seu mentor. Todas as outras biografias estudantis de Dorensky estão ligadas a Ginzburg: seis anos sob sua supervisão na Escola Central, cinco no conservatório, três na pós-graduação. “Foi uma época inesquecível”, diz Dorensky. “Ginsburg é lembrado como um brilhante concertista; nem todo mundo sabe que tipo de professor ele era. Como ele mostrava na aula as obras que estavam sendo aprendidas, como falava delas! Ao lado dele, era impossível não se apaixonar pelo pianismo, pela paleta sonora do piano, pelos mistérios sedutores da técnica do piano... Às vezes ele trabalhava com muita simplicidade – sentava-se ao instrumento e tocava. Nós, seus discípulos, observamos tudo de perto, de uma curta distância. Eles viam tudo como se estivessem nos bastidores. Nada mais foi exigido.

… Grigory Romanovich era um homem gentil e delicado – continua Dorensky. – Mas se algo não combinasse com ele como músico, ele poderia se incendiar, criticar severamente o aluno. Mais do que qualquer outra coisa, ele temia o falso pathos, a pompa teatral. Ele nos ensinou (junto comigo em Ginzburg, pianistas talentosos como Igor Chernyshev, Gleb Akselrod, Alexei Skavronsky estudaram) modéstia de comportamento no palco, simplicidade e clareza de expressão artística. Acrescento que Grigory Romanovich era intolerante com as menores falhas na decoração externa dos trabalhos realizados na aula – fomos duramente atingidos por pecados desse tipo. Ele não gostava de andamentos excessivamente rápidos ou sonoridades estrondosas. Ele não reconhecia exageros... Por exemplo, ainda tenho o maior prazer em tocar piano e mezzo-forte – tenho isso desde a minha juventude.

Dorensky era amado na escola. Gentil por natureza, ele imediatamente se encantou com aqueles ao seu redor. Com ele era fácil e simples: não havia nele um pingo de arrogância, nem um pingo de vaidade, que acontece entre os jovens artísticos bem-sucedidos. Chegará a hora, e Dorensky, tendo passado o tempo da juventude, assumirá o cargo de reitor da faculdade de piano do Conservatório de Moscou. O cargo é responsável, em muitos aspectos muito difícil. É preciso dizer diretamente que são as qualidades humanas – gentileza, simplicidade, capacidade de resposta do novo reitor – que o ajudarão a se firmar nesse papel, conquistar o apoio e a simpatia de seus colegas. A simpatia que ele inspirava em seus colegas de escola.

Em 1955, Dorensky tentou pela primeira vez em uma competição internacional de músicos performáticos. Em Varsóvia, no V Festival Mundial da Juventude e dos Estudantes, participa num concurso de piano e ganha o primeiro prémio. Um começo foi feito. Seguiu-se uma continuação no Brasil, em uma competição instrumental em 1957. Dorensky alcançou uma popularidade verdadeiramente ampla aqui. Cabe destacar que o torneio brasileiro de jovens artistas, para o qual foi convidado, foi, em essência, o primeiro evento do gênero na América Latina; Naturalmente, isso atraiu maior atenção do público, da imprensa e dos círculos profissionais. Dorensky executou com sucesso. Ele recebeu o segundo prêmio (o pianista austríaco Alexander Enner recebeu o primeiro prêmio, o terceiro prêmio foi para Mikhail Voskresensky); desde então, ele ganhou uma sólida popularidade com o público sul-americano. Ele voltará ao Brasil mais de uma vez – tanto como concertista quanto como professor que goza de autoridade entre a juventude pianística local; aqui ele será sempre bem vindo. Sintomáticas, por exemplo, são as falas de um dos jornais brasileiros: “... De todos os pianistas... que tocaram conosco, nenhum despertou tanta simpatia do público, deleite tão unânime quanto este músico. Sergey Dorensky tem uma profunda intuição e temperamento musical, que conferem à sua interpretação uma poesia única. (Para entender um ao outro // cultura soviética. 1978. 24 de janeiro).

O sucesso no Rio de Janeiro abriu caminho para Dorensky nos palcos de muitos países do mundo. Uma turnê começou: Polônia, RDA, Bulgária, Inglaterra, EUA, Itália, Japão, Bolívia, Colômbia, Equador… Ao mesmo tempo, suas atividades de atuação em sua terra natal estão se expandindo. Externamente, o caminho artístico de Dorensky parece muito bom: o nome do pianista está se tornando cada vez mais popular, ele não tem crises ou colapsos visíveis, a imprensa o favorece. No entanto, ele mesmo considera o final dos anos XNUMX – o início dos anos XNUMX o mais difícil de sua vida no palco.

“O terceiro, último da minha vida e, talvez, o “concurso” mais difícil já começou – pelo direito de levar uma vida artística independente. Os primeiros eram mais fáceis; esta “competição” – longa, contínua, por vezes exaustiva… – decidia se devia ou não ser concertista. Imediatamente me deparei com vários problemas. Principalmente - que Toque? O repertório acabou sendo pequeno; não muito foi recrutado durante os anos de estudo. Era necessário reabastecê-lo com urgência, e nas condições de prática filarmônica intensiva, isso não é fácil. Aqui está um lado da questão. Outro as Toque. À moda antiga, parece impossível – não sou mais um estudante, mas um concertista. Bem, o que significa jogar de uma nova maneira, diferentementeEu não me imaginava muito bem. Como muitos outros, comecei com uma coisa fundamentalmente errada – com a busca de algum “meio expressivo” especial, mais interessante, inusitado, brilhante, ou algo assim... Logo percebi que estava indo na direção errada. Veja bem, essa expressividade foi trazida para o meu jogo, por assim dizer, de fora, mas precisa vir de dentro. Lembro-me das palavras do nosso maravilhoso diretor B. Zakhava:

“… A decisão da forma da performance está sempre no fundo do conteúdo. Para encontrá-lo, você precisa mergulhar até o fundo - nadando na superfície, você não encontrará nada ” (Zakhava BE A habilidade do ator e diretor. – M., 1973. P. 182.). O mesmo vale para nós músicos. Com o tempo, entendi bem isso.

Ele teve que se encontrar no palco, encontrar seu “eu” criativo. E ele conseguiu fazer isso. Em primeiro lugar, graças ao talento. Mas não só. Deve-se notar que com toda a sua simplicidade de coração e amplitude de alma, ele nunca deixou de ser uma natureza íntegra, enérgica, consistente e trabalhadora. Isso finalmente lhe trouxe sucesso.

Para começar, ele decidiu no círculo de obras musicais mais próximas a ele. “Meu professor, Grigory Romanovich Ginzburg, acreditava que quase todo pianista tem seu próprio “papel” de palco. Tenho, em geral, opiniões semelhantes. Eu acho que durante nossos estudos, nós, os performers, devemos tentar cobrir o máximo de música possível, tentar reproduzir tudo o que for possível... com o que é mais bem sucedido. Ele estava convencido em suas primeiras apresentações que ele teve sucesso acima de tudo na Sexta, Oitava, Trigésima Primeira Sonatas de Beethoven, Carnaval de Schumann e Fragmentos Fantásticos, mazurcas, noturnos, estudos e algumas outras peças de Chopin, Campanella de Liszt e adaptações de canções de Schubert de Liszt , Sonata em Sol Maior de Tchaikovsky e As Quatro Estações, Rapsódia sobre um Tema de Paganini de Rachmaninov e Concerto para Piano de Barbeiro. É fácil ver que Dorensky gravita não para um ou outro repertório e camadas de estilo (digamos, clássicos – romance – modernidade …), mas para certas grupos obras em que sua individualidade se revela mais plenamente. “Grigory Romanovich ensinou que só se deve tocar o que dá ao intérprete uma sensação de conforto interior, “adaptação”, como ele disse, ou seja, fusão completa com a obra, o instrumento. É isso que eu tento fazer…”

Então ele encontrou seu estilo de atuação. O mais pronunciado nele foi começo lírico. (Um pianista muitas vezes pode ser julgado por suas simpatias artísticas. Dorensky cita entre seus artistas favoritos, depois de GR Ginzburg, KN Igumnov, LN Oborin, Art. Rubinstein, do jovem M. Argerich, M. Pollini, esta lista é indicativa em si .) A crítica nota a suavidade de seu jogo, a sinceridade da entonação poética. Ao contrário de vários outros representantes da modernidade pianística, Dorensky não mostra uma inclinação particular para a esfera do piano toccato; Como concertista, ele não gosta nem das construções sonoras de “ferro”, nem dos estrondos estrondosos do fortissimo, nem do chilrear seco e agudo das habilidades motoras dos dedos. As pessoas que frequentemente assistiam a seus shows garantem que ele nunca tomou uma única nota dura em sua vida…

Mas desde o início mostrou-se um mestre nato da cantilena. Ele mostrou que pode encantar com um padrão sonoro de plástico. Descobri um gosto por cores pianísticas iridescentes prateadas e suaves. Aqui ele atuou como herdeiro da tradição original de tocar piano russo. “Dorensky tem um belo piano com muitos tons diferentes, que ele usa habilmente” (Pianistas modernos. – M., 1977. P. 198.), escreveram os Revisores. Assim foi em sua juventude, a mesma coisa agora. Ele também se distinguia pela sutileza, uma redondeza amorosa de fraseado: sua execução era, por assim dizer, adornada com elegantes vinhetas de som, suaves curvas melódicas. (No mesmo sentido, mais uma vez, ele toca hoje.) Provavelmente, em nada Dorensky não se mostrou tanto como um aluno de Ginzburg, como neste hábil e cuidadoso polimento de linhas sonoras. E não é surpreendente, se lembrarmos o que ele disse anteriormente: “Grigory Romanovich era intolerante com as menores falhas na decoração externa dos trabalhos realizados na aula”.

Estas são algumas das pinceladas do retrato artístico de Dorensky. O que mais te impressiona nisso? Ao mesmo tempo, LN Tolstoy gostava de repetir: para que uma obra de arte mereça respeito e seja apreciada pelas pessoas, deve ser Bom estado, com sinais de uso, saiu direto do coração do artista. É errado pensar que isso se aplica apenas à literatura ou, digamos, ao teatro. Isso tem a mesma relação com a arte da performance musical como com qualquer outra.

Junto com muitos outros alunos do Conservatório de Moscou, Dorensky escolheu para si, paralelamente à performance, outro caminho – a pedagogia. Como muitos outros, ao longo dos anos tornou-se cada vez mais difícil para ele responder à pergunta: qual desses dois caminhos se tornou o principal em sua vida?

Ele ensina jovens desde 1957. Hoje ele tem mais de 30 anos de ensino atrás dele, ele é um dos professores proeminentes e respeitados do conservatório. Como ele resolve o velho problema: o artista é professor?

“Honestamente, com muita dificuldade. O fato é que ambas as profissões exigem um “modo” criativo especial. Com a idade, é claro, vem a experiência. Muitos problemas são mais fáceis de resolver. Embora nem todos… às vezes me pergunto: qual é a maior dificuldade para quem tem como especialidade o ensino de música? Aparentemente, afinal – para fazer um “diagnóstico” pedagógico preciso. Em outras palavras, “adivinhe” o aluno: sua personalidade, caráter, capacidades profissionais. E, consequentemente, construa todo o trabalho adicional com ele. Músicos como FM Blumenfeld, KN Igumnov, AB Goldenweiser, GG Neuhaus, SE Feinberg, LN Oborin, Ya. I. Zak, sim. V. Flyer…”

Em geral, Dorensky atribui grande importância ao domínio da experiência de excelentes mestres do passado. Ele muitas vezes começa a falar sobre isso – tanto como professor no círculo de alunos quanto como reitor do departamento de piano do conservatório. Quanto ao último cargo, Dorensky o ocupa há muito tempo, desde 1978. Ele chegou à conclusão durante esse tempo que o trabalho, em geral, era do seu agrado. “O tempo todo em que você está no meio da vida conservadora, você se comunica com pessoas vivas, e eu gosto disso, não vou esconder. As preocupações e problemas, é claro, são inumeráveis. Se me sinto relativamente confiante, é apenas porque procuro contar com o conselho artístico da faculdade de piano em tudo: os mais autorizados de nossos professores estão aqui reunidos, com a ajuda dos quais as questões organizacionais e criativas mais sérias são resolvidas.

Dorensky fala sobre pedagogia com entusiasmo. Ele entrou em contato com muita coisa nessa área, sabe muito, pensa, se preocupa…

“Estou preocupado com a ideia de que nós, educadores, estamos reeducando os jovens de hoje. Eu não gostaria de usar a palavra banal “treinamento”, mas, honestamente, para onde você vai?

No entanto, também precisamos entender. Os alunos hoje se apresentam muito e frequentemente – em competições, festas de classe, concertos, exames, etc. E nós, somos nós, somos pessoalmente responsáveis ​​pelo seu desempenho. Que alguém tente mentalmente se colocar no lugar de uma pessoa cujo aluno, sendo, digamos, participante da Competição Tchaikovsky, sai para tocar no palco do Grande Salão do Conservatório! Receio que, do lado de fora, sem ter experimentado sensações semelhantes, vocês não entendam isso... Aqui estamos nós, professores, e tentamos fazer nosso trabalho da maneira mais completa, sólida e completa possível. E como resultado... Como resultado, transgredimos alguns limites. Estamos privando muitos jovens de iniciativa criativa e independência. Isso acontece, é claro, sem querer, sem sombra de intenção, mas a essência permanece.

O problema é que nossos animais de estimação são recheados ao limite com todos os tipos de instruções, conselhos e instruções. Todos eles conhecer e entender: eles sabem o que precisam fazer nos trabalhos que realizam, e o que não devem fazer, não é recomendado. Eles são donos de tudo, todos sabem como, exceto por uma coisa – liberar-se internamente, dar rédea solta à intuição, fantasia, improvisação de palco e criatividade.

Aqui está o problema. E nós, no Conservatório de Moscou, muitas vezes discutimos isso. Mas nem tudo depende de nós. O principal é a individualidade do próprio aluno. Como ela é brilhante, forte e original. Nenhum professor pode criar individualidade. Ele só pode ajudá-la a se abrir, mostrar-se do melhor lado.

Continuando o tópico, Sergei Leonidovich se debruça sobre mais uma questão. Ele enfatiza que a atitude interior do músico, com a qual ele entra no palco, é extremamente importante: é importante que posição ele se coloca em relação ao público. Se a autoestima de um jovem artista é desenvolvida, diz Dorensky, se esse artista é capaz de demonstrar independência criativa, autossuficiência, tudo isso afeta diretamente a qualidade do jogo.

“Aqui, por exemplo, há uma audição competitiva... Basta olhar para a maioria dos participantes para ver como eles tentam agradar, impressionar os presentes. Como eles se esforçam para conquistar a simpatia do público e, claro, dos membros do júri. Na verdade, ninguém esconde isso... Deus me livre de “ser culpado” de alguma coisa, de fazer algo errado, de não marcar pontos! Tal orientação – não para a Música, e não para a Verdade Artística, como o intérprete a sente e entende, mas para a percepção de quem o ouve, avalia, compara, distribui pontos – é sempre carregada de consequências negativas. Ela claramente entra no jogo! Daí o sedimento da insatisfação nas pessoas sensíveis à verdade.

É por isso que costumo dizer aos alunos: pensem menos nos outros quando subirem ao palco. Menos tormento: “Ah, o que vão dizer de mim …” Você precisa jogar para seu próprio prazer, com alegria. Eu sei por experiência própria: quando você faz algo de boa vontade, esse “algo” quase sempre dá certo e dá certo. No palco, você se certifica disso com particular clareza. Se você executa seu programa de concerto sem apreciar o próprio processo de fazer música, a performance como um todo acaba sendo malsucedida. E vice versa. Por isso, sempre procuro despertar no aluno um sentimento de satisfação interior pelo que ele faz com o instrumento.

Cada performer pode ter alguns problemas e erros técnicos durante a performance. Nem estreantes nem mestres experientes estão imunes a eles. Mas se os últimos geralmente sabem como reagir a um acidente imprevisto e infeliz, os primeiros, via de regra, estão perdidos e começam a entrar em pânico. Portanto, Dorensky acredita que é necessário preparar o aluno com antecedência para eventuais surpresas no palco. “É preciso convencer que não há nada, dizem, terrível, se isso acontecer de repente. Mesmo com os artistas mais famosos, isso aconteceu – com Neuhaus e Sofronitsky, e com Igumnov, e com Arthur Rubinstein... Em algum lugar às vezes sua memória falhava, eles podiam confundir alguma coisa. Isso não os impediu de serem os favoritos do público. Além disso, nenhuma catástrofe ocorrerá se um aluno inadvertidamente “tropeçar” no palco.

O principal é que isso não estraga o humor do jogador e, portanto, não afetaria o resto do programa. Não é um erro que é terrível, mas um possível trauma psicológico resultante dele. É exatamente isso que temos que explicar aos jovens.

A propósito, sobre “lesões”. Este é um assunto sério e, portanto, acrescentarei mais algumas palavras. As “lesões” devem ser temidas não apenas no palco, durante as apresentações, mas também no decorrer das atividades cotidianas. Aqui, por exemplo, um aluno trouxe pela primeira vez para a aula uma peça que aprendeu sozinho. Mesmo que haja muitas deficiências em seu jogo, você não deve repreendê-lo, criticá-lo com muita severidade. Isso pode ter outras consequências negativas. Especialmente se esse aluno for de natureza frágil, nervosa, facilmente vulnerável. Infligir uma ferida espiritual em tal pessoa é tão fácil quanto descascar peras; curá-lo mais tarde é muito mais difícil. Algumas barreiras psicológicas são formadas, o que acaba sendo muito difícil de superar no futuro. E o professor não tem o direito de ignorar isso. De qualquer forma, ele nunca deve dizer a um aluno: você não terá sucesso, não é dado a você, não funcionará etc. ”

Quanto tempo você tem que trabalhar no piano todos os dias? – os jovens músicos costumam perguntar. Percebendo que dificilmente é possível dar uma resposta única e abrangente a essa pergunta, Dorensky explica ao mesmo tempo: como em que direção deve buscar a resposta para isso. Procure, é claro, a cada um por si:

“Trabalhar menos do que os interesses da causa exigem não é bom. Mais também não é bom, o que, aliás, nossos excelentes predecessores – Igumnov, Neuhaus e outros – falaram mais de uma vez.

Naturalmente, cada um desses prazos será próprio, puramente individual. Dificilmente faz sentido ser igual a outra pessoa aqui. Svyatoslav Teofilovich Richter, por exemplo, estudou em anos anteriores por 9 a 10 horas por dia. Mas é Richter! Ele é único em todos os sentidos e tentar copiar seus métodos não é apenas inútil, mas também perigoso. Mas meu professor, Grigory Romanovich Ginzburg, não passou muito tempo no instrumento. De qualquer forma, “nominalmente”. Mas ele estava constantemente trabalhando “em sua mente”; nesse aspecto, ele era um mestre insuperável. A atenção plena é muito útil!

Estou absolutamente convencido de que um jovem músico deve ser especialmente ensinado a trabalhar. Introduzir a arte da organização eficaz dos trabalhos de casa. Nós, educadores, muitas vezes nos esquecemos disso, focando exclusivamente em problemas de desempenho – em como jogar qualquer ensaio, como interpretar um autor ou outro, e assim por diante. Mas esse é o outro lado da questão.”

Mas como encontrar essa linha vacilante, vagamente distinguível, indefinida em seus contornos, que separa “menos do que os interesses do caso exigem” de “mais”?

“Há apenas um critério aqui: a clareza de consciência do que você está fazendo no teclado. Clareza de ações mentais, se quiser. Desde que a cabeça funcione bem, as aulas podem e devem continuar. Mas não além disso!

Deixe-me dizer-lhe, por exemplo, como é a curva de desempenho na minha própria prática. No começo, quando eu começo as aulas, elas são uma espécie de aquecimento. A eficiência ainda não é muito alta; Eu jogo, como dizem, não com força total. Não vale a pena assumir trabalhos difíceis aqui. É melhor se contentar com algo mais fácil, mais simples.

Em seguida, aqueça gradualmente. Você sente que a qualidade do desempenho está melhorando. Depois de algum tempo – acho que depois de 30 a 40 minutos – você atinge o pico de suas capacidades. Você fica nesse nível por cerca de 2-3 horas (fazendo, é claro, pequenas pausas no jogo). Parece que na linguagem científica essa etapa do trabalho é chamada de “platô”, não é? E então aparecem os primeiros sinais de fadiga. Eles crescem, tornam-se mais perceptíveis, mais tangíveis, mais persistentes – e então você tem que fechar a tampa do piano. O trabalho adicional não tem sentido.

Acontece, é claro, que você simplesmente não quer fazer isso, a preguiça, a falta de concentração supera. Então é necessário um esforço de vontade; também não pode ficar sem. Mas esta é uma situação diferente e a conversa não é sobre isso agora.

A propósito, raramente encontro hoje entre nossos alunos pessoas letárgicas, de vontade fraca, desmagnetizadas. A juventude agora está trabalhando duro e duro, não é necessário incitá-los. Todo mundo entende: o futuro está em suas próprias mãos e faz tudo ao seu alcance – até o limite, ao máximo.

Aqui, ao contrário, surge um problema de um tipo diferente. Devido ao fato de que às vezes eles fazem demais – devido à reciclagem excessiva de obras individuais e programas inteiros – o frescor e o imediatismo no jogo são perdidos. As cores emocionais desaparecem. Aqui é melhor deixar as peças sendo aprendidas por um tempo. Mudar para outro repertório…”

A experiência de ensino de Dorensky não se limita ao Conservatório de Moscou. Ele é frequentemente convidado para realizar seminários pedagógicos no exterior (ele chama isso de “pedagogia do turismo”); para isso, viajou em anos diferentes para o Brasil, Itália, Austrália. No verão de 1988, atuou pela primeira vez como professor consultor nos cursos de verão de artes cênicas superiores em Salzburgo, no famoso Mozarteum. A viagem o impressionou muito – havia muitos jovens interessantes dos EUA, do Japão e de vários países da Europa Ocidental.

Certa vez, Sergei Leonidovich calculou que durante sua vida ele teve a chance de ouvir mais de dois mil jovens pianistas sentados à mesa do júri em vários concursos, bem como em seminários pedagógicos. Em uma palavra, ele tem uma boa ideia da situação da pedagogia mundial do piano, tanto soviética quanto estrangeira. “Ainda assim, em um nível tão alto como temos, com todas as nossas dificuldades, problemas não resolvidos, até erros de cálculo, eles não ensinam em nenhum lugar do mundo. Em regra, as melhores forças artísticas concentram-se nos nossos conservatórios; não em todos os lugares do Ocidente. Muitos artistas importantes ou evitam o fardo de ensinar lá completamente, ou se limitam a aulas particulares. Em suma, nossos jovens têm as condições mais favoráveis ​​para o crescimento. Embora, não posso deixar de repetir, aqueles que trabalham com ela às vezes passam por um momento muito difícil.”

O próprio Dorensky, por exemplo, agora pode se dedicar completamente ao piano apenas no verão. Não o suficiente, é claro, ele está ciente disso. “A pedagogia é uma grande alegria, mas muitas vezes ela, essa alegria, é à custa dos outros. Não há nada a ser feito aqui.”

* * *

No entanto, Dorensky não interrompe seu trabalho de concerto. Na medida do possível, ele tenta mantê-lo no mesmo volume. Ele toca onde é conhecido e apreciado (nos países da América do Sul, no Japão, em muitas cidades da Europa Ocidental e na URSS), descobre novas cenas para si mesmo. Na temporada de 1987/88, ele trouxe ao palco pela primeira vez a Segunda e a Terceira Baladas de Chopin; Na mesma época, ele aprendeu e executou – novamente pela primeira vez – os Prelúdios e Fugas de Shchedrin, sua própria suíte para piano do balé The Little Humpbacked Horse. Ao mesmo tempo, gravou vários corais de Bach no rádio, arranjados por S. Feinberg. Os novos discos de gramofone de Dorensky são publicados; Entre os lançados nos XNUMXs estão CDs de sonatas de Beethoven, mazurcas de Chopin, Rapsódia sobre um tema de Paganini de Rachmaninov e Rapsódia em azul de Gershwin.

Como sempre acontece, Dorensky consegue algumas coisas mais, outras menos. Considerando seus programas dos últimos anos de um ângulo crítico, pode-se fazer certas afirmações contra o primeiro movimento da sonata “Patética” de Beethoven, o final de “Lunar”. Não se trata de alguns problemas de desempenho e acidentes que poderiam ou não ser. A conclusão é que no pathos, nas imagens heróicas do repertório para piano, na música de alta intensidade dramática, Dorensky, o pianista, geralmente se sente um pouco envergonhado. Não é bem aqui sua mundos emocionais-psicológicos; ele sabe disso e o admite com franqueza. Assim, na sonata “Patética” (primeira parte), em “Moonlight” (terceira parte) Dorensky, com todas as vantagens de som e fraseado, às vezes carece de escala real, drama, impulso volitivo poderoso, conceitualidade. Por outro lado, muitas das obras de Chopin causam nele uma impressão encantadora – as mesmas mazurcas, por exemplo. (O registro das mazurcas talvez seja um dos melhores de Dorensky.) Que ele, como intérprete, fale aqui sobre algo familiar, já conhecido do ouvinte; ele faz isso com tanta naturalidade, abertura espiritual e calor que é simplesmente impossível ficar indiferente à sua arte.

No entanto, seria errado falar sobre Dorensky hoje, muito menos julgar suas atividades, tendo apenas um palco de concertos à vista. Professor, chefe de uma grande equipe educacional e criativa, concertista, trabalha para três e deve ser percebido simultaneamente em todas as formas. Só assim se pode ter uma ideia real do alcance de seu trabalho, de sua real contribuição para a cultura soviética do pianista.

G. Tsypin, 1990