Sergei Vasilyevich Rachmaninoff |

Sergei Rachmaninoff

E eu tinha uma terra natal; Ele é maravilhoso! A. Pleshcheev (de G. Heine)

Rachmaninov foi criado a partir de aço e ouro; Aço em suas mãos, ouro em seu coração. Eu. Hoffman

“Sou um compositor russo e minha pátria deixou sua marca em meu caráter e em minhas opiniões.” Estas palavras pertencem a S. Rachmaninov, o grande compositor, brilhante pianista e maestro. Todos os eventos mais importantes da vida social e artística russa se refletiram em sua vida criativa, deixando uma marca indelével. A formação e o florescimento da obra de Rachmaninov caem nos anos 1890-1900, uma época em que os processos mais complexos ocorreram na cultura russa, o pulso espiritual batia febrilmente e nervosamente. O sentimento agudamente lírico da época inerente a Rachmaninov estava invariavelmente associado à imagem de sua amada Pátria, com a infinidade de suas vastas extensões, o poder e a destreza violenta de suas forças elementares, a delicada fragilidade da natureza florescente da primavera.

O talento de Rachmaninov se manifestou cedo e brilhantemente, embora até os doze anos ele não tenha demonstrado muito zelo por aulas sistemáticas de música. Ele começou a aprender a tocar piano aos 4 anos de idade, em 1882 foi admitido no Conservatório de São Petersburgo, onde, deixado por conta própria, praticamente brincava, e em 1885 foi transferido para o Conservatório de Moscou. Aqui Rachmaninoff estudou piano com N. Zverev, então A. Siloti; em disciplinas teóricas e composição – com S. Taneyev e A. Arensky. Morando em uma pensão com Zverev (1885-89), ele passou por uma escola de disciplina de trabalho severa, mas muito razoável, que o transformou de uma pessoa preguiçosa e travessa desesperada em uma pessoa excepcionalmente controlada e obstinada. “O melhor que há em mim, devo a ele” – então Rachmaninov disse mais tarde sobre Zverev. No conservatório, Rachmaninoff foi fortemente influenciado pela personalidade de P. Tchaikovsky, que, por sua vez, acompanhou o desenvolvimento de seu Seryozha favorito e, após se formar no conservatório, ajudou a encenar a ópera Aleko no Teatro Bolshoi, sabendo de sua própria triste experiência de como é difícil para um músico novato traçar seu próprio caminho.

Rachmaninov formou-se no Conservatório em piano (1891) e composição (1892) com a Grande Medalha de Ouro. A essa altura, já era autor de várias composições, entre as quais o famoso Prelúdio em dó sustenido menor, o romance “No Silêncio da Noite Secreta”, o Primeiro Concerto para Piano, a ópera “Aleko”, escrita como trabalho de formatura em apenas 17 dias! As peças de fantasia que se seguiram, op. 3 (1892), Trio Elegíaco “In Memory of a Great Artist” (1893), Suite para dois pianos (1893), Moments of Music op. 16 (1896), romances, obras sinfônicas – “The Cliff” (1893), Capriccio on Gypsy Themes (1894) – confirmaram a opinião de Rachmaninov como um talento forte, profundo e original. As imagens e os humores característicos de Rachmaninoff aparecem nestas obras em uma ampla gama - desde a trágica dor do “Momento Musical” em si menor até a apoteose hínica do romance “Spring Waters”, da dura pressão espontânea-volitiva do “Momento Musical” em Mi menor para a aquarela mais fina do romance “Ilha”.

A vida durante esses anos foi difícil. Decisivo e poderoso em desempenho e criatividade, Rachmaninoff era por natureza uma pessoa vulnerável, muitas vezes experimentando dúvidas. Interferiu com dificuldades materiais, desordem mundana, vagando por cantos estranhos. E embora fosse apoiado por pessoas próximas a ele, principalmente a família Satin, ele se sentia sozinho. O forte choque causado pelo fracasso de sua Primeira Sinfonia, executada em São Petersburgo em março de 1897, levou a uma crise criativa. Por vários anos, Rachmaninoff não compôs nada, mas sua atividade performática como pianista se intensificou e ele estreou como regente na Ópera Privada de Moscou (1897). Durante esses anos, ele conheceu L. Tolstoi, A. Chekhov, artistas do Teatro de Arte, iniciou uma amizade com Fyodor Chaliapin, que Rachmaninov considerou uma das “experiências artísticas mais poderosas, profundas e sutis”. Em 1899, Rachmaninoff se apresentou pela primeira vez no exterior (em Londres), e em 1900 visitou a Itália, onde apareceram esboços da futura ópera Francesca da Rimini. Um evento alegre foi a encenação da ópera Aleko em São Petersburgo por ocasião do 100º aniversário de A. Pushkin com Chaliapin como Aleko. Assim, um ponto de virada interno foi sendo preparado gradualmente, e no início de 1900. houve um retorno à criatividade. O novo século começou com o Segundo Concerto para Piano, que soou como um poderoso alarme. Os contemporâneos ouviram nele a voz do Tempo com sua tensão, explosão e uma sensação de mudanças iminentes. Agora que o gênero do concerto está se tornando o principal, é nele que as ideias principais se concretizam com a maior completude e inclusão. Uma nova etapa começa na vida de Rachmaninov.

O reconhecimento geral na Rússia e no exterior recebe sua atividade de pianista e maestro. 2 anos (1904-06) Rachmaninov trabalhou como maestro no Teatro Bolshoi, deixando em sua história a memória das maravilhosas produções de óperas russas. Em 1907 participou dos Concertos Históricos Russos organizados por S. Diaghilev em Paris, em 1909 apresentou-se pela primeira vez na América, onde executou o seu Terceiro Concerto para Piano regido por G. Mahler. A atividade intensiva de concertos nas cidades da Rússia e no exterior foi combinada com criatividade não menos intensa, e na música desta década (na cantata “Primavera” – 1902, nos prelúdios op. 23, nos finais da Segunda Sinfonia e o Terceiro Concerto) há muito entusiasmo e entusiasmo ardente. E em composições como os romances “Lilás”, “É bom aqui”, nos prelúdios em Ré maior e Sol maior, “a música das forças cantantes da natureza” soava com incrível penetração.

Mas nos mesmos anos, outros humores também são sentidos. Pensamentos tristes sobre a pátria e seu destino futuro, reflexões filosóficas sobre a vida e a morte dão origem a imagens trágicas da Primeira Sonata para Piano, inspirada no Fausto de Goethe, o poema sinfônico “A Ilha dos Mortos” baseado na pintura do artista suíço A. Böcklin (1909), muitas páginas do Terceiro Concerto, romances op. 26. As mudanças internas tornaram-se especialmente perceptíveis após 1910. Se no Terceiro Concerto a tragédia é finalmente superada e o concerto termina com uma apoteose jubilosa, então nas obras que se seguiram ela se aprofunda continuamente, trazendo à vida imagens agressivas, hostis, sombrias, humores deprimidos. A linguagem musical torna-se mais complexa, o amplo sopro melódico tão característico de Rachmaninov desaparece. Tais são o poema sinfônico vocal “The Bells” (no st. E. Poe, traduzido por K. Balmont – 1913); romances op. 34 (1912) e op. 38 (1916); Estudos-pinturas op. 39 (1917). No entanto, foi nessa época que Rachmaninoff criou obras cheias de alto significado ético, que se tornaram a personificação da beleza espiritual duradoura, o ponto culminante da melodia de Rachmaninov - “Vocalise” e “All-Night Vigil” para coro a cappella (1915). “Desde a infância, sou fascinado pelas magníficas melodias de Oktoikh. Sempre senti que é necessário um estilo especial e especial para o seu processamento coral e, parece-me, encontrei-o nas Vésperas. Não posso deixar de confessar. que a primeira apresentação do Coro Sinodal de Moscou me deu uma hora do mais feliz prazer”, lembrou Rachmaninov.

Em 24 de dezembro de 1917, Rachmaninov e sua família deixaram a Rússia, como se viu, para sempre. Por mais de um quarto de século ele viveu em uma terra estrangeira, nos EUA, e esse período foi repleto de exaustivas atividades de concerto, sujeitas às cruéis leis do mundo da música. Rachmaninov usou uma parte significativa de seus honorários para fornecer apoio material a seus compatriotas no exterior e na Rússia. Assim, toda a arrecadação para a apresentação em abril de 1922 foi transferida para o benefício dos famintos na Rússia e, no outono de 1941, Rakhmaninov enviou mais de quatro mil dólares para o fundo de ajuda do Exército Vermelho.

No exterior, Rachmaninoff vivia isolado, limitando seu círculo de amigos aos imigrantes da Rússia. Uma exceção foi feita apenas para a família de F. Steinway, o chefe da firma de pianos, com quem Rachmaninov mantinha relações amigáveis.

Nos primeiros anos de sua estada no exterior, Rachmaninov não deixou de pensar na perda de inspiração criativa. “Depois de deixar a Rússia, perdi a vontade de compor. Tendo perdido minha pátria, perdi a mim mesmo.” Apenas 8 anos após deixar o exterior, Rachmaninov retorna à criatividade, cria o Quarto Concerto para Piano (1926), Três Canções Russas para Coro e Orquestra (1926), Variações sobre um Tema de Corelli para piano (1931), Rapsódia sobre um Tema de Paganini (1934), Terceira Sinfonia (1936), “Danças Sinfônicas” (1940). Essas obras são a última e mais alta elevação de Rachmaninoff. Um sentimento triste de perda irreparável, uma saudade ardente da Rússia dá origem a uma arte de enorme poder trágico, atingindo seu clímax nas Danças Sinfônicas. E na brilhante Terceira Sinfonia, Rachmaninoff incorpora pela última vez o tema central de sua obra – a imagem da Pátria. O pensamento intenso severamente concentrado do artista o evoca das profundezas dos séculos, ele surge como uma memória infinitamente querida. Num complexo entrelaçamento de diversos temas, episódios, emerge uma perspectiva ampla, recria-se uma epopeia dramática do destino da Pátria, que termina com uma vitoriosa afirmação de vida. Assim, através de todas as obras de Rachmaninoff, ele carrega a inviolabilidade de seus princípios éticos, alta espiritualidade, fidelidade e amor inescapável pela Pátria, cuja personificação era sua arte.

O. Averyanova

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Características da criatividade

Sergei Vasilyevich Rachmaninoff, junto com Scriabin, é uma das figuras centrais da música russa dos anos 1900. A obra desses dois compositores atraiu especialmente a atenção dos contemporâneos, eles discutiram acaloradamente sobre ela, discussões impressas afiadas começaram em torno de suas obras individuais. Apesar de toda a dissimilaridade da aparência individual e da estrutura figurativa da música de Rachmaninov e Scriabin, seus nomes frequentemente apareciam lado a lado nessas disputas e eram comparados entre si. Havia razões puramente externas para tal comparação: ambos eram alunos do Conservatório de Moscou, que se formaram quase simultaneamente e estudaram com os mesmos professores, ambos se destacaram imediatamente entre seus pares pela força e brilho de seu talento, recebendo reconhecimento não apenas como compositores altamente talentosos, mas também como excelentes pianistas.

Mas também havia muitas coisas que os separavam e às vezes os colocavam em diferentes flancos da vida musical. O ousado inovador Scriabin, que abriu novos mundos musicais, opôs-se a Rachmaninov como um artista de pensamento mais tradicional que baseava seu trabalho nas bases sólidas da herança clássica nacional. “G. Rachmaninoff, escreveu um dos críticos, é o pilar em torno do qual se agrupam todos os defensores da direção real, todos aqueles que prezam os fundamentos lançados por Mussorgsky, Borodin, Rimsky-Korsakov e Tchaikovsky.

No entanto, apesar de toda a diferença nas posições de Rachmaninov e Scriabin em sua realidade musical contemporânea, eles foram reunidos não apenas pelas condições gerais para a educação e crescimento de uma personalidade criativa em sua juventude, mas também por algumas características mais profundas de comunhão . “Um talento rebelde e inquieto” – foi assim que Rakhmaninov foi caracterizado na imprensa. Foi essa impulsividade inquieta, a excitação do tom emocional, característico da obra de ambos os compositores, que a tornou especialmente querida e próxima de amplos círculos da sociedade russa no início do século XNUMX, com suas ansiosas expectativas, aspirações e esperanças .

“Scriabin e Rachmaninoff são os dois 'governantes dos pensamentos musicais' do mundo musical russo moderno <...> Agora eles compartilham hegemonia entre si no mundo musical”, admitiu LL Sabaneev, um dos mais zelosos apologistas do primeiro e um oponente igualmente teimoso e detrator do segundo. Outro crítico, mais moderado em seus julgamentos, escreveu em um artigo dedicado a uma descrição comparativa dos três representantes mais proeminentes da escola musical de Moscou, Taneyev, Rachmaninov e Scriabin: o tom da vida moderna e febrilmente intensa. Ambos são as melhores esperanças da Rússia moderna”.

Por muito tempo, dominou a visão de Rachmaninoff como um dos herdeiros e sucessores mais próximos de Tchaikovsky. A influência do autor de A Rainha de Espadas, sem dúvida, desempenhou um papel significativo na formação e desenvolvimento de sua obra, o que é bastante natural para um graduado do Conservatório de Moscou, aluno de AS Arensky e SI Taneyev. Ao mesmo tempo, ele também percebeu algumas das características da escola de compositores de “Petersburgo”: o lirismo excitado de Tchaikovsky é combinado em Rachmaninov com a dura grandeza épica de Borodin, a profunda penetração de Mussorgsky no sistema do antigo pensamento musical russo e a percepção poética da natureza nativa de Rimsky-Korsakov. No entanto, tudo o que aprendeu com professores e predecessores foi profundamente repensado pelo compositor, obedecendo à sua forte vontade criativa, e adquirindo um novo caráter individual completamente independente. O estilo profundamente original de Rachmaninov tem grande integridade interna e organicidade.

Se procurarmos paralelos com ele na cultura artística russa da virada do século, então esta é, antes de tudo, a linha Chekhov-Bunin na literatura, as paisagens líricas de Levitan, Nesterov, Ostroukhov na pintura. Esses paralelos foram repetidamente observados por vários autores e tornaram-se quase estereotipados. É sabido com que amor ardente e respeito Rakhmaninov tratou a obra e a personalidade de Chekhov. Já nos últimos anos de sua vida, lendo as cartas do escritor, lamentou não tê-lo conhecido mais de perto em sua época. O compositor esteve associado a Bunin por muitos anos por simpatia mútua e visões artísticas comuns. Eles foram reunidos e relacionados por um amor apaixonado por sua natureza nativa russa, pelos sinais de uma vida simples que já está saindo nas imediações de uma pessoa para o mundo ao seu redor, a atitude poética do mundo, colorida por profunda lirismo penetrante, a sede de libertação espiritual e libertação dos grilhões que constrangem a liberdade da pessoa humana.

A fonte de inspiração para Rachmaninov foi uma variedade de impulsos que emanam da vida real, a beleza da natureza, as imagens da literatura e da pintura. “… Acho”, disse ele, “que as ideias musicais nascem em mim com maior facilidade sob a influência de certas impressões extramusicais.” Mas, ao mesmo tempo, Rachmaninov não se esforçou tanto por um reflexo direto de certos fenômenos da realidade por meio da música, por “pintar em sons”, mas pela expressão de sua reação emocional, sentimentos e experiências que surgem sob a influência de vários impressões recebidas externamente. Nesse sentido, podemos falar dele como um dos representantes mais marcantes e típicos do realismo poético dos anos 900, cuja principal tendência foi formulada com sucesso por VG Korolenko: “Não refletimos apenas os fenômenos como eles são e não não crie uma ilusão de um mundo inexistente por capricho. Criamos ou manifestamos uma nova relação do espírito humano com o mundo circundante que nasce em nós.

Um dos traços mais característicos da música de Rachmaninov, que chama a atenção antes de tudo ao conhecê-la, é a melodia mais expressiva. Entre os seus contemporâneos, destaca-se pela capacidade de criar melodias de grande fôlego, de grande fôlego e amplos desdobramentos, combinando a beleza e a plasticidade do desenho com uma expressão viva e intensa. O melodismo, a melodiosidade é a principal qualidade do estilo de Rachmaninov, que determina em grande parte a natureza do pensamento harmônico do compositor e a textura de suas obras, saturadas, via de regra, por vozes independentes, movendo-se para a frente ou desaparecendo em um denso denso tecido sonoro.

Rachmaninoff criou seu próprio tipo muito especial de melodia, baseado em uma combinação das técnicas características de Tchaikovsky – desenvolvimento melódico dinâmico intensivo com o método de transformações variantes, realizadas de forma mais suave e calma. Após uma decolagem rápida ou uma subida longa e intensa ao topo, a melodia, por assim dizer, congela no nível alcançado, invariavelmente retornando a um som cantado há muito tempo, ou lentamente, com saliências crescentes, retorna à sua altura original. A relação inversa também é possível, quando uma permanência mais ou menos longa em uma zona limitada de alta altitude é repentinamente interrompida pelo curso da melodia por um intervalo amplo, introduzindo um tom de expressão lírica aguda.

Em tal interpenetração de dinâmica e estática, LA Mazel vê um dos traços mais característicos da melodia de Rachmaninov. Outro pesquisador atribui um significado mais geral à proporção desses princípios na obra de Rachmaninov, apontando para a alternância de momentos de “frenagem” e “avanço” subjacentes a muitas de suas obras. (VP Bobrovsky expressa uma ideia semelhante, observando que “o milagre da individualidade de Rachmaninoff reside na unidade orgânica única de duas tendências opostas e sua síntese inerente apenas a ele” – uma aspiração ativa e uma tendência a “permanecer por muito tempo no que foi alcançou."). Uma propensão ao lirismo contemplativo, imersão prolongada em algum estado de espírito, como se o compositor quisesse parar o tempo fugaz, ele combinou com uma enorme energia externa apressada, uma sede de autoafirmação ativa. Daí a força e nitidez dos contrastes em sua música. Ele procurou levar cada sentimento, cada estado de espírito ao extremo grau de expressão.

Nas melodias líricas de Rachmaninov que se desenrolam livremente, com sua respiração longa e ininterrupta, costuma-se ouvir algo semelhante à amplitude "inescapável" da persistente canção folclórica russa. Ao mesmo tempo, porém, a conexão entre a criatividade de Rachmaninov e a composição folclórica era de natureza muito indireta. Apenas em casos raros e isolados o compositor recorreu ao uso de melodias folclóricas genuínas; ele não se esforçou por uma semelhança direta de suas próprias melodias com as folclóricas. “Em Rachmaninov”, observa corretamente o autor de uma obra especial sobre suas melodias, “raramente aparece uma conexão direta com certos gêneros de arte popular. Especificamente, o gênero muitas vezes parece se dissolver no “sentimento” geral do folk e não é, como foi com seus predecessores, o início cimentante de todo o processo de moldar e tornar-se uma imagem musical. Repetidamente, a atenção tem sido atraída para tais características da melodia de Rachmaninov, que a aproximam da canção folclórica russa, como suavidade de movimentos com predominância de movimentos passo a passo, diatonicismo, abundância de giros frígios, etc. pelo compositor, essas características tornam-se uma propriedade inalienável do estilo de seu autor individual, adquirindo uma coloração expressiva especial peculiar apenas a ele.

O outro lado desse estilo, tão irresistivelmente impressionante quanto a riqueza melódica da música de Rachmaninov, é um ritmo extraordinariamente enérgico, imperiosamente conquistador e ao mesmo tempo flexível, às vezes caprichoso. Tanto os contemporâneos do compositor quanto os pesquisadores posteriores escreveram muito sobre esse ritmo específico de Rachmaninoff, que atrai involuntariamente a atenção do ouvinte. Muitas vezes é o ritmo que determina o tom principal da música. AV Ossovsky observou em 1904 sobre o último movimento da Segunda Suíte para Dois Pianos que Rachmaninov nela “não tinha medo de aprofundar o interesse rítmico da forma Tarantella para uma alma inquieta e sombria, não alheia a ataques de algum tipo de demonismo em vezes.”

O ritmo aparece em Rachmaninov como portador de um princípio volitivo efetivo que dinamiza o tecido musical e introduz uma “inundação de sentimentos” lírica no mainstream de um todo harmonioso arquitetonicamente completo. BV Asafiev, comparando o papel do princípio rítmico nas obras de Rachmaninov e Tchaikovsky, escreveu: “No entanto, neste último, a natureza fundamental de sua sinfonia“ inquieta ”manifestou-se com força particular na colisão dramática dos próprios temas. Na música de Rachmaninov, muito apaixonada em sua integridade criativa, a união do armazém lírico-contemplativo de sentimento com o armazém organizacional obstinado do “eu” do compositor-intérprete acaba sendo aquela “esfera individual” de contemplação pessoal, que era controlado pelo ritmo no significado do fator volitivo … “. O padrão rítmico em Rachmaninov é sempre delineado com muita clareza, independentemente de o ritmo ser simples, uniforme, como as batidas pesadas e medidas de um grande sino, ou complexo, intrincadamente florido. Preferido pelo compositor, especialmente nas obras da década de 1910, o ostinato rítmico confere ao ritmo não apenas um significado formativo, mas em alguns casos também um significado temático.

No campo da harmonia, Rachmaninoff não foi além do sistema clássico maior-menor na forma que adquiriu na obra de compositores românticos europeus, Tchaikovsky e representantes do Poderoso Punhado. Sua música é sempre tonalmente definida e estável, mas ao usar os meios da harmonia tonal clássico-romântica, ele se caracterizou por alguns traços característicos pelos quais não é difícil estabelecer a autoria de uma ou outra composição. Entre essas características individuais especiais da linguagem harmônica de Rachmaninov estão, por exemplo, a conhecida lentidão do movimento funcional, a tendência de permanecer em um tom por muito tempo e, às vezes, o enfraquecimento da gravidade. Chama-se a atenção para a abundância de complexas formações multi-tert, fileiras de acordes não-decimais e undecimais, muitas vezes tendo significado fônico mais colorido do que funcional. A conexão desse tipo de harmonia complexa é realizada principalmente com a ajuda da conexão melódica. O domínio do elemento de canção melódica na música de Rachmaninov determina o alto grau de saturação polifônica de seu tecido sonoro: complexos harmônicos individuais surgem constantemente como resultado do movimento livre de vozes “cantadas” mais ou menos independentes.

Há uma virada harmônica favorita de Rachmaninoff, que ele usou com tanta frequência, especialmente nas composições do período inicial, que até recebeu o nome de “harmonia de Rachmaninov”. Este volume de negócios é baseado em um acorde introdutório reduzido de sétima de um menor harmônico, geralmente usado na forma de um terzkvartakkord com a substituição do II grau III e resolução em uma tríade tônica na terceira posição melódica.

A mudança para uma quarta reduzida que surge neste caso na voz melódica evoca um sentimento pungente e triste.

Como uma das características notáveis ​​da música de Rachmaninov, vários pesquisadores e observadores notaram sua coloração secundária predominante. Todos os seus quatro concertos para piano, três sinfonias, ambas as sonatas para piano, a maioria dos estudos-quadros e muitas outras composições foram escritas em menor. Mesmo o maior frequentemente adquire uma coloração menor devido a alterações decrescentes, desvios tonais e ao uso generalizado de pequenos passos laterais. Mas poucos compositores alcançaram tamanha variedade de nuances e graus de concentração expressiva no uso do tom menor. A observação de LE Gakkel de que nos estudos-pinturas op. 39 “dada a mais ampla gama de cores menores do ser, tons menores do sentimento da vida” pode ser estendido a uma parte significativa de toda a obra de Rachmaninoff. Críticos como Sabaneev, que nutria uma hostilidade preconceituosa em relação a Rachmaninov, o chamavam de "um chorão inteligente", cuja música reflete "o trágico desamparo de um homem sem força de vontade". Enquanto isso, a densa menor “escura” de Rachmaninov muitas vezes soa corajosa, protestante e cheia de tremenda tensão volitiva. E se notas tristes são captadas pelo ouvido, então esta é a “nobre tristeza” do artista patriota, aquele “gemido abafado sobre a terra natal”, que M. Gorky ouviu em algumas das obras de Bunin. Como este escritor próximo a ele em espírito, Rachmaninov, nas palavras de Gorky, “pensava na Rússia como um todo”, lamentando suas perdas e experimentando ansiedade pelo destino do futuro.

A imagem criativa de Rachmaninov em suas principais características permaneceu íntegra e estável ao longo da jornada de meio século do compositor, sem sofrer fraturas e mudanças bruscas. Princípios estéticos e estilísticos, aprendidos na juventude, foi fiel até os últimos anos de sua vida. No entanto, podemos observar uma certa evolução em seu trabalho, que se manifesta não apenas no crescimento da habilidade, no enriquecimento da paleta sonora, mas também afeta parcialmente a estrutura figurativa e expressiva da música. Nesse caminho, três grandes, embora desiguais tanto em duração quanto em seu grau de produtividade, são claramente delineados. São delimitados entre si por cesuras temporárias mais ou menos longas, bandas de dúvida, reflexão e hesitação, quando não saiu da pena do compositor uma única obra concluída. O primeiro período, que ocorre na década de 90 do século XNUMX, pode ser chamado de tempo de desenvolvimento criativo e amadurecimento do talento, que passou a afirmar seu caminho pela superação das influências naturais desde cedo. As obras desse período muitas vezes ainda não são independentes o suficiente, imperfeitas em forma e textura. (Algumas delas (Primeiro Concerto para Piano, Trio Elegíaco, peças para piano: Melodia, Serenata, Humoresco) foram posteriormente revisadas pelo compositor e sua textura foi enriquecida e desenvolvida.), embora em várias de suas páginas (os melhores momentos da ópera juvenil “Aleko”, o Trio Elegíaco em memória de PI Tchaikovsky, o famoso prelúdio em dó sustenido menor, alguns dos momentos musicais e romances), a individualidade do compositor já foi revelado com certeza suficiente.

Uma pausa inesperada ocorre em 1897, após a execução malsucedida da Primeira Sinfonia de Rachmaninov, obra na qual o compositor investiu muito trabalho e energia espiritual, que foi mal interpretada pela maioria dos músicos e quase unanimemente condenada nas páginas da imprensa, até ridicularizada por alguns dos críticos. O fracasso da sinfonia causou um profundo trauma mental em Rachmaninoff; de acordo com sua própria confissão posterior, ele “era como um homem que teve um derrame e que por muito tempo perdeu a cabeça e as mãos”. Os três anos seguintes foram anos de silêncio criativo quase total, mas ao mesmo tempo reflexões concentradas, uma reavaliação crítica de tudo o que foi feito anteriormente. O resultado desse intenso trabalho interno do compositor sobre si mesmo foi um surto criativo extraordinariamente intenso e brilhante no início do novo século.

Durante os primeiros três ou quatro anos do século 23, Rakhmaninov criou uma série de obras de vários gêneros, notáveis ​​​​por sua profunda poesia, frescor e imediatismo de inspiração, nas quais a riqueza da imaginação criativa e a originalidade da “caligrafia” do autor são combinados com artesanato de alto acabamento. Entre eles estão o Segundo Concerto para Piano, a Segunda Suíte para dois pianos, a sonata para violoncelo e piano, a cantata “Primavera”, Dez Prelúdios op. XNUMX, a ópera “Francesca da Rimini”, alguns dos melhores exemplos das letras vocais de Rachmaninov (“Lilac”, “Excerto de A. Musset”), Esta série de obras estabeleceu a posição de Rachmaninoff como um dos maiores e mais interessantes compositores russos do nosso tempo, trazendo-lhe um amplo reconhecimento nos círculos da intelectualidade artística e entre as massas de ouvintes.

Um período relativamente curto de 1901 a 1917 foi o mais frutífero em sua obra: ao longo desta década e meia, foram escritas a maior parte das obras de Rachmaninov maduras e independentes no estilo, que se tornaram parte integrante dos clássicos musicais nacionais. Quase todos os anos traziam novas obras, cujo surgimento se tornou um acontecimento marcante na vida musical. Com a incessante atividade criativa de Rachmaninoff, sua obra não permaneceu inalterada durante esse período: na virada das duas primeiras décadas, são perceptíveis os sintomas de uma mudança cervejeira. Sem perder suas qualidades "genéricas" gerais, torna-se mais severo no tom, os humores perturbadores se intensificam, enquanto a efusão direta do sentimento lírico parece diminuir, as cores transparentes claras aparecem com menos frequência na paleta de som do compositor, a cor geral da música escurece e engrossa. Essas mudanças são perceptíveis na segunda série de prelúdios para piano, op. 32, dois ciclos de pinturas de estudos e, especialmente, grandes composições monumentais como “The Bells” e “All-Night Vigil”, que apresentam questões profundas e fundamentais da existência humana e do propósito de vida de uma pessoa.

A evolução experimentada por Rachmaninov não escapou à atenção de seus contemporâneos. Um dos críticos escreveu sobre The Bells: “Rakhmaninov parece ter começado a procurar novos humores, uma nova maneira de expressar seus pensamentos … Você sente aqui o novo estilo renascido de Rachmaninov, que nada tem em comum com o estilo de Tchaikovsky. ”

A partir de 1917, inicia-se uma nova pausa na obra de Rachmaninov, desta vez bem mais longa que a anterior. Só depois de uma década inteira o compositor voltou a compor música, tendo arranjado três canções folclóricas russas para coro e orquestra e concluído o Quarto Concerto para Piano, iniciado às vésperas da Primeira Guerra Mundial. Durante a década de 30 escreveu (com exceção de algumas transcrições de concertos para piano) apenas quatro, porém, significativas em termos da ideia de obras maiores.

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Em um ambiente de buscas complexas e muitas vezes contraditórias, uma luta aguda e intensa de direções, um colapso das formas usuais de consciência artística que caracterizaram o desenvolvimento da arte musical na primeira metade do século XNUMX, Rachmaninoff permaneceu fiel ao grande clássico tradições da música russa de Glinka a Borodin, Mussorgsky, Tchaikovsky, Rimsky-Korsakov e seus alunos diretos e seguidores mais próximos de Taneyev, Glazunov. Mas ele não se limitou ao papel de guardião dessas tradições, mas as percebeu de forma ativa e criativa, afirmando seu poder vivo e inesgotável, a capacidade de maior desenvolvimento e enriquecimento. Artista sensível e impressionável, Rachmaninov, apesar de aderir aos preceitos dos clássicos, não ficou surdo aos apelos da modernidade. Na sua atitude perante as novas tendências estilísticas do século XNUMX, houve um momento não só de confronto, mas também de certa interação.

Ao longo de meio século, a obra de Rachmaninov passou por uma evolução significativa, e as obras não só dos anos 1930, mas também dos anos 1910 diferem significativamente tanto em sua estrutura figurativa quanto na linguagem, meios de expressão musical dos primeiros, ainda não opus completamente independentes do final do anterior. séculos. Em algumas delas, o compositor entra em contato com o impressionismo, o simbolismo, o neoclassicismo, embora de forma profundamente peculiar perceba individualmente os elementos dessas tendências. Com todas as mudanças e reviravoltas, a imagem criativa de Rachmaninov permaneceu internamente muito íntegra, mantendo aquelas características básicas e definidoras que sua música deve sua popularidade ao mais amplo leque de ouvintes: lirismo apaixonado e cativante, veracidade e sinceridade de expressão, visão poética do mundo .

Yu. Vamos

condutor Rachmaninoff

Rachmaninov entrou para a história não só como compositor e pianista, mas também como um notável maestro de nosso tempo, embora esse lado de sua atividade não tenha sido tão longo e intenso.

Rachmaninov fez sua estreia como maestro no outono de 1897 na Mamontov Private Opera em Moscou. Antes disso, ele não precisava reger uma orquestra e estudar regência, mas o brilhante talento do músico ajudou Rachmaninoff a aprender rapidamente os segredos da maestria. Basta lembrar que mal conseguiu terminar o primeiro ensaio: não sabia que os cantores precisavam indicar as apresentações; e alguns dias depois, Rachmaninov já havia feito seu trabalho perfeitamente, regendo a ópera Sansão e Dalila de Saint-Saens.

“O ano da minha estada na ópera Mamontov foi de grande importância para mim”, escreveu ele. “Ali adquiri uma genuína técnica de regente, que mais tarde me serviu tremendamente.” Durante a temporada de trabalho como segundo maestro do teatro, Rachmaninov dirigiu vinte e cinco apresentações de nove óperas: “Sansão e Dalila”, “Sereia”, “Carmen”, “Orfeu” de Gluck, “Rogneda” de Serov, “ Mignon” de Tom, “Túmulo de Askold”, “A força do inimigo”, “Noite de maio”. A imprensa notou de imediato a clareza do estilo do seu maestro, a naturalidade, a falta de postura, o férreo sentido rítmico transmitido aos intérpretes, o gosto delicado e o maravilhoso sentido das cores orquestrais. Com a aquisição de experiência, essas características de Rachmaninoff como músico começaram a se manifestar ao máximo, complementadas pela confiança e autoridade no trabalho com solistas, coro e orquestra.

Nos anos seguintes, Rachmaninoff, ocupado com composição e atividade pianística, regeu apenas ocasionalmente. O auge de seu talento como regente cai no período de 1904-1915. Há duas temporadas trabalha no Teatro Bolshoi, onde sua interpretação de óperas russas tem um sucesso particular. Eventos históricos na vida do teatro são chamados pelos críticos de performance de aniversário de Ivan Susanin, que ele conduziu em homenagem ao centenário do nascimento de Glinka, e a Semana de Tchaikovsky, durante a qual Rachmaninov conduziu A Rainha de Espadas, Eugene Onegin, Oprichnik e balés.

Mais tarde, Rachmaninov dirigiu a performance de A Rainha de Espadas em São Petersburgo; os críticos concordaram que foi ele o primeiro a compreender e transmitir ao público todo o significado trágico da ópera. Entre os sucessos criativos de Rachmaninov no Teatro Bolshoi está também sua produção de Pan Voevoda de Rimsky-Korsakov e suas próprias óperas O Cavaleiro Miserável e Francesca da Rimini.

No palco da sinfonia, Rachmaninov desde os primeiros concertos provou ser um mestre completo em grande escala. O epíteto “brilhante” certamente acompanhou as críticas sobre suas atuações como regente. Na maioria das vezes, Rachmaninoff aparecia no estande do maestro em concertos da Sociedade Filarmônica de Moscou, bem como com as orquestras Siloti e Koussevitzky. Em 1907-1913, ele regeu muito no exterior - nas cidades da França, Holanda, EUA, Inglaterra, Alemanha.

O repertório de Rachmaninov como maestro era incomumente multifacetado naqueles anos. Ele foi capaz de penetrar nos mais diversos estilos e personagens da obra. Naturalmente, a música russa estava mais próxima dele. Ele reviveu no palco a Sinfonia Bogatyr de Borodin, quase esquecida na época, contribuiu para a popularidade das miniaturas de Lyadov, que executou com brilho excepcional. Sua interpretação da música de Tchaikovsky (especialmente a 4ª e 5ª sinfonias) foi marcada por um significado e profundidade extraordinários; nas obras de Rimsky-Korsakov, ele foi capaz de revelar a mais brilhante gama de cores para o público, e nas sinfonias de Borodin e Glazunov, ele cativou o público com amplitude épica e integridade dramática de interpretação.

Um dos pináculos da arte de regência de Rachmaninov foi a interpretação da sinfonia em sol menor de Mozart. O crítico Wolfing escreveu: “O que significam muitas sinfonias escritas e impressas antes da apresentação de Rachmaninov da sinfonia g-moll de Mozart! … O gênio artístico russo pela segunda vez transformou e exibiu a natureza artística do autor desta sinfonia. Podemos falar não apenas sobre o Mozart de Pushkin, mas também sobre o Mozart de Rachmaninov…”

Junto com isso, encontramos muita música romântica nos programas de Rachmaninov – por exemplo, a Fantástica Sinfonia de Berlioz, as sinfonias de Mendelssohn e Franck, a abertura Oberon de Weber e fragmentos das óperas de Wagner, o poema de Liszt e a Suíte Lírica de Grieg… E ao lado – uma magnífica performance de autores modernos – poemas sinfônicos de R. Strauss, obras dos impressionistas: Debussy, Ravel, Roger-Ducasse … E, claro, Rachmaninov foi um intérprete insuperável de suas próprias composições sinfônicas. O conhecido musicólogo soviético V. Yakovlev, que ouviu Rachmaninov mais de uma vez, lembra: “Não apenas o público e a crítica, membros experientes da orquestra, professores, artistas reconheceram sua liderança como o ponto mais alto nesta arte … Seus métodos de trabalho eram reduzido não tanto a um show, mas a observações separadas, explicações mesquinhas, muitas vezes ele cantava ou de uma forma ou de outra explicava o que havia considerado anteriormente. Todos os que assistiram aos seus concertos lembram-se daqueles gestos amplos e característicos de toda a mão, não vindos apenas do pincel; às vezes esses seus gestos eram considerados excessivos pelos membros da orquestra, mas eram familiares para ele e compreendidos por eles. Não havia artificialidade nos movimentos, poses, nenhum efeito, nenhum desenho à mão. Havia paixão sem limites, precedida de pensamento, análise, compreensão e percepção do estilo do artista.

Acrescentemos que Rachmaninoff, o maestro, também era um músico de orquestra insuperável; solistas em seus concertos foram artistas como Taneyev, Scriabin, Siloti, Hoffmann, Casals, e em apresentações de ópera Chaliapin, Nezhdanova, Sobinov …

Depois de 1913, Rachmaninoff recusou-se a executar obras de outros autores e regeu apenas suas próprias composições. Somente em 1915 ele se desviou dessa regra ao reger um concerto em memória de Scriabin. No entanto, mesmo mais tarde, sua reputação como maestro era excepcionalmente alta em todo o mundo. Basta dizer que logo após chegar aos Estados Unidos, em 1918, foi-lhe oferecida a liderança das maiores orquestras do país – em Boston e Cincinnati. Mas naquela época ele não podia mais se dedicar à regência, forçado a conduzir uma intensa atividade concertística como pianista.

Somente no outono de 1939, quando um ciclo de concertos das obras de Rachmaninov foi organizado em Nova York, o compositor concordou em reger um deles. A Orquestra da Filadélfia então executou a Terceira Sinfonia e os Sinos. Ele repetiu o mesmo programa em 1941 em Chicago, e um ano depois dirigiu a performance de “Isle of the Dead” e “Symphonic Dances” em Egan Arbor. O crítico O. Daune escreveu: “Rakhmaninov provou que tem a mesma habilidade e controle sobre a performance, musicalidade e poder criativo, conduzindo a orquestra, que mostra ao tocar piano. O caráter e o estilo de tocar, assim como a regência, impressionam com calma e confiança. É a mesma completa ausência de ostentação, o mesmo senso de dignidade e evidente comedimento, a mesma admirável força imperiosa. As gravações de A Ilha dos Mortos, Vocalise e a Terceira Sinfonia feitas naquela época preservaram para nós evidências da arte de regência do brilhante músico russo.

L. Grigoriev, J. Platek