Franz Liszt Franz Liszt |

Franz Liszt

Sem Liszt no mundo, todo o destino da nova música seria diferente. V.Stasov

A obra de composição de F. Liszt é indissociável de todas as outras formas da variada e mais intensa actividade deste verdadeiro entusiasta da arte. Pianista e maestro, crítico musical e figura pública incansável, era “ávido e sensível a tudo que era novo, fresco, vital; o inimigo de tudo convencional, ambulante, rotineiro” (A. Borodin).

F. Liszt nasceu na família de Adam Liszt, um pastor da propriedade do príncipe Esterhazy, um músico amador que dirigiu as primeiras aulas de piano de seu filho, que começou a se apresentar publicamente aos 9 anos de idade, e em 1821- 22. estudou em Viena com K. Czerny (piano) e A. Salieri (composição). Após concertos de sucesso em Viena e Peste (1823), A. Liszt levou o filho para Paris, mas a origem estrangeira acabou por ser um obstáculo à entrada no conservatório, e a formação musical de Liszt foi complementada por aulas particulares de composição com F. Paer e A. Reicha. O jovem virtuoso conquista Paris e Londres com suas apresentações, compõe muito (a ópera em um ato Don Sancho, ou o Castelo do Amor, peças para piano).

A morte de seu pai em 1827, que obrigou Liszt desde cedo a cuidar de sua própria existência, o colocou frente a frente com o problema da posição humilhante do artista na sociedade. A visão de mundo do jovem é formada sob a influência das ideias do socialismo utópico de A. Saint-Simon, do socialismo cristão do abade F. Lamennay e dos filósofos franceses do século XIX. etc. A Revolução de Julho de 1830 em Paris deu origem à ideia da “Sinfonia Revolucionária” (permaneceu inacabada), a revolta dos tecelões em Lyon (1834) – a peça para piano “Lyon” (com epígrafe – o lema dos rebeldes “Viver, trabalhar ou morrer lutando” ). Os ideais artísticos de Liszt são formados de acordo com o romantismo francês, em comunicação com V. Hugo, O. Balzac, G. Heine, sob a influência da arte de N. Paganini, F. Chopin, G. Berlioz. Eles são formulados em uma série de artigos “Sobre a posição das pessoas de arte e sobre as condições de sua existência na sociedade” (1835) e em “Cartas do Bacharel em Música” (1837-39), escritos em colaboração com M. .d'Agout (mais tarde ela escreveu sob o pseudônimo de Daniel Stern ), com o qual Liszt empreendeu uma longa viagem à Suíça (1835-37), onde lecionou no Conservatório de Genebra, e à Itália (1837-39).

Os “anos de errância” que começaram em 1835 foram continuados em passeios intensivos por numerosas raças da Europa (1839-47). A chegada de Liszt à Hungria natal, onde foi homenageado como herói nacional, foi um verdadeiro triunfo (a renda dos shows foi revertida para ajudar os afetados pela enchente que se abateu sobre o país). Três vezes (1842, 1843, 1847) Liszt visitou a Rússia, estabelecendo amizades duradouras com músicos russos, transcrevendo a Marcha de Chernomor de Ruslan e Lyudmila de M. Glinka, o romance de A. Alyabyev, The Nightingale, etc. Numerosas transcrições, fantasias, paráfrases, criadas por Liszt durante esses anos, refletiu não apenas os gostos do público, mas também foram evidências de suas atividades musicais e educacionais. Nos concertos para piano de Liszt, as sinfonias de L. Beethoven e a “Sinfonia Fantástica” de G. Berlioz, aberturas de “William Tell” de G. Rossini e “The Magic Shooter” de KM Weber, canções de F. Schubert, prelúdios de órgão e fugas de JS Bach, bem como paráfrases e fantasias de óperas (sobre temas de Don Giovanni de WA ​​Mozart, óperas de V. Bellini, G. Donizetti, G. Meyerbeer e posteriormente de G. Verdi), transcrições de fragmentos das óperas de Wagner e etc. O piano nas mãos de Liszt torna-se um instrumento universal capaz de recriar toda a riqueza do som das partituras de óperas e sinfonias, a potência do órgão e a melodiosa da voz humana.

Enquanto isso, os triunfos do grande pianista, que conquistou toda a Europa com a força elementar de seu tempestuoso temperamento artístico, traziam-lhe cada vez menos satisfação verdadeira. Era cada vez mais difícil para Liszt satisfazer os gostos do público, para quem seu virtuosismo fenomenal e ostentação externa de desempenho muitas vezes obscureciam as intenções sérias do educador, que procurava “apagar o fogo do coração das pessoas”. Tendo dado um concerto de despedida em Elizavetgrad na Ucrânia em 1847, Liszt mudou-se para a Alemanha, para a tranquila Weimar, consagrada pelas tradições de Bach, Schiller e Goethe, onde ocupou o cargo de maestro na corte principesca, dirigiu a orquestra e a ópera casa.

O período de Weimar (1848-61) – o tempo da “concentração do pensamento”, como o próprio compositor o chamou – é, acima de tudo, um período de intensa criatividade. Liszt completa e retrabalha muitas composições criadas ou iniciadas anteriormente e implementa novas ideias. Então, a partir do criado nos anos 30. “Álbum do viajante” cresce “Anos de andanças” – ciclos de peças para piano (ano 1 – Suíça, 1835-54; ano 2 – Itália, 1838-49, com a adição de “Veneza e Nápoles”, 1840-59) ; receber os Etudes de acabamento final da habilidade de desempenho mais alto (“Etudes of transcendent performance”, 1851); “Grandes estudos sobre os caprichos de Paganini” (1851); “Harmonias poéticas e religiosas” (10 peças para pianoforte, 1852). Continuando o trabalho com melodias húngaras (Melodias nacionais húngaras para piano, 1840-43; “Rapsódias húngaras”, 1846), Liszt cria 15 “Rapsódias húngaras” (1847-53). A implementação de novas ideias leva ao surgimento das obras centrais de Liszt, incorporando suas ideias em novas formas – Sonatas em si menor (1852-53), 12 poemas sinfônicos (1847-57), “Faust Symphonies” de Goethe (1854 -57) e Sinfonia da Divina Comédia de Dante (1856). A eles se juntam 2 concertos (1849-56 e 1839-61), “Dance of Death” para piano e orquestra (1838-49), “Mephisto-Waltz” (baseado em “Faust” de N. Lenau, 1860), etc.

Em Weimar, Liszt organiza a apresentação das melhores obras de ópera e clássicos sinfônicos, as últimas composições. Ele primeiro encenou Lohengrin de R. Wagner, Manfred de J. Byron com música de R. Schumann, regeu sinfonias e óperas de G. Berlioz, etc. com o objetivo de afirmar os novos princípios da arte romântica avançada (o livro F. Chopin, 1850; os artigos Berlioz e sua Harold Symphony, Robert Schumann, R. Wagner's Flying Dutchman, etc.). As mesmas ideias fundamentaram a organização da “New Weimar Union” e da “General German Musical Union”, durante a criação da qual Liszt contou com o apoio de músicos proeminentes agrupados em torno dele em Weimar (I. Raff, P. Cornelius, K .Tausig, G. Bulow e outros).

No entanto, a inércia filisteu e as intrigas da corte de Weimar, que dificultavam cada vez mais a implementação dos planos grandiosos de List, o forçaram a renunciar. A partir de 1861, Liszt viveu por muito tempo em Roma, onde tentou reformar a música sacra, escreveu o oratório “Cristo” (1866) e em 1865 recebeu o posto de abade (em parte sob a influência da princesa K. Wittgenstein , de quem se aproximou já em 1847 G.). Para o clima de desilusão e cepticismo contribuíram também pesadas perdas – a morte do filho Daniel (1860) e da filha Blandina (1862), que continuaram a crescer ao longo dos anos, um sentimento de solidão e incompreensão das suas aspirações artísticas e sociais. Eles se refletiram em várias obras posteriores - o terceiro “Ano das Andanças” (Roma; peças “Cypresses of Villa d'Este”, 1 e 2, 1867-77), peças para piano (“Grey Clouds”, 1881; “ Funeral Gondola”, “Czardas death”, 1882), a segunda (1881) e terceira (1883) “Mephisto Waltzes”, no último poema sinfônico “Do berço ao túmulo” (1882).

No entanto, nos anos 60 e 80, Liszt dedica uma quantidade particularmente grande de força e energia à construção da cultura musical húngara. Habita regularmente em Peste, aí apresenta as suas obras, incluindo as relacionadas com temas nacionais (o oratório A Lenda de Santa Isabel, 1862; A Missa da Coroação Húngara, 1867, etc.), contribui para a fundação da Academia de Música de Pest ( foi o seu primeiro presidente), escreve o ciclo para piano “Hungarian Historical Portraits”, 1870-86), as últimas “Hungarian Rhapsodies” (16-19), etc. Em Weimar, para onde Liszt regressou em 1869, envolveu-se com numerosos alunos de diferentes países (A. Siloti, V. Timanova, E. d'Albert, E. Sauer e outros). Os compositores também o visitam, em particular Borodin, que deixou memórias muito interessantes e vivas de Liszt.

Liszt sempre capturou e apoiou o novo e o original na arte com excepcional sensibilidade, contribuindo para o desenvolvimento da música das escolas europeias nacionais (checa, norueguesa, espanhola, etc.), destacando especialmente a música russa – a obra de M. Glinka, A . Dargomyzhsky, os compositores de The Mighty Handful , artes cênicas A. e N. Rubinsteinov. Por muitos anos, Liszt promoveu a obra de Wagner.

O gênio pianístico de Liszt determinou a primazia da música para piano, onde pela primeira vez suas ideias artísticas tomaram forma, guiadas pela ideia da necessidade de uma influência espiritual ativa nas pessoas. O desejo de afirmar a missão educacional da arte, de combinar todos os seus tipos para isso, de elevar a música ao nível da filosofia e da literatura, de sintetizar nela a profundidade do conteúdo filosófico e poético com o pitoresco, foi incorporado na ideia de Liszt de programação em música. Ele a definiu como “a renovação da música por meio de sua conexão interna com a poesia, como a liberação do conteúdo artístico do esquematismo”, levando à criação de novos gêneros e formas. As peças de Listov dos Anos de Peregrinação, incorporando imagens próximas a obras de literatura, pintura, escultura, lendas folclóricas (sonata-fantasia “Depois de ler Dante”, “Sonetos de Petrarca”, “Noivado” baseado em uma pintura de Raphael, “O Pensador ” baseados em uma escultura de Michelangelo, “A Capela de Guilherme Tell”, associada à imagem do herói nacional da Suíça), ou imagens da natureza (“No lago Wallenstadt”, “Na primavera”), são poemas musicais de diferentes escalas. O próprio Liszt introduziu esse nome em relação às suas grandes obras sinfônicas de programa de um movimento. Seus títulos direcionam o ouvinte para os poemas de A. Lamartine (“Prelúdios”), V. Hugo (“O que se ouve na montanha”, “Mazeppa” – há também um estudo de piano com o mesmo título), F. Schiller (“Ideais”); às tragédias de W. Shakespeare ("Hamlet"), J. Herder ("Prometeu"), ao mito antigo ("Orfeu"), à pintura de W. Kaulbach ("Batalha dos Hunos"), ao drama de JW Goethe (“Tasso” , o poema é próximo ao poema de Byron “A Queixa de Tasso”).

Ao escolher as fontes, Liszt se detém em obras que contêm ideias consonantes sobre o sentido da vida, os mistérios do ser (“Prelúdios”, “Faust Symphony”), o trágico destino do artista e sua glória póstuma (“Tasso”, com o subtítulo “Reclamação e Triunfo”). Ele também é atraído pelas imagens do elemento folclórico (“Tarantella” do ciclo “Veneza e Nápoles”, “Rapsódia Espanhola” para piano), especialmente em conexão com sua Hungria natal (“Hungarian Rhapsodies”, poema sinfônico “Hungary” ). O tema heróico e heróico-trágico da luta de libertação nacional do povo húngaro, a revolução de 1848-49, soou com força extraordinária na obra de Liszt. e suas derrotas (“Rakoczi March”, “Funeral Procession” para piano; poema sinfônico “Lament for Heroes”, etc.).

Liszt entrou para a história da música como um inovador ousado no campo da forma musical, harmonia, enriqueceu o som do piano e da orquestra sinfônica com novas cores, deu exemplos interessantes de resolução de gêneros de oratório, uma canção romântica (“Lorelei” em Arte de H. Heine, “Como o Espírito de Laura” em St. V. Hugo, “Três Ciganos” em St. N. Lenau, etc.), obras de órgão. Levando muito das tradições culturais da França e da Alemanha, sendo um clássico nacional da música húngara, ele teve um grande impacto no desenvolvimento da cultura musical em toda a Europa.

E. Tsareva

• A vida e trajetória criativa de Liszt →

Liszt é um clássico da música húngara. Suas conexões com outras culturas nacionais. Aparência criativa, visões sociais e estéticas de Liszt. A programação é o princípio orientador de sua criatividade

Liszt – o maior compositor do século 30, um pianista e maestro brilhante e inovador, uma figura musical e pública notável – é o orgulho nacional do povo húngaro. Mas o destino de Liszt acabou sendo tal que ele deixou sua terra natal cedo, passou muitos anos na França e na Alemanha, apenas ocasionalmente visitando a Hungria, e apenas no final de sua vida viveu nela por muito tempo. Isso determinou a complexidade da imagem artística de Liszt, sua estreita ligação com a cultura francesa e alemã, da qual muito tirou, mas a quem muito deu com sua vigorosa atividade criativa. Nem a história da vida musical em Paris nos anos XNUMX, nem a história da música alemã em meados do século XNUMX estariam completas sem o nome de Liszt. No entanto, ele pertence à cultura húngara e sua contribuição para a história do desenvolvimento de seu país natal é enorme.

O próprio Liszt disse que, tendo passado a juventude na França, costumava considerá-la sua pátria: “Aqui jazem as cinzas de meu pai, aqui, na sepultura sagrada, minha primeira dor encontrou seu refúgio. Como não me sentir filho de um país onde tanto sofri e tanto amei? Como eu poderia imaginar que nasci em outro país? Que outro sangue corre em minhas veias, que meus entes queridos moram em outro lugar? Tendo aprendido em 1838 sobre o terrível desastre - a inundação que se abateu sobre a Hungria, ele ficou profundamente chocado: "Essas experiências e sentimentos me revelaram o significado da palavra" pátria "."

Liszt tinha orgulho de seu povo, de sua terra natal e enfatizava constantemente que era húngaro. “De todos os artistas vivos”, disse ele em 1847, “sou o único que se atreve orgulhosamente a apontar para sua orgulhosa pátria. Enquanto outros vegetavam em poças rasas, eu sempre navegava no mar caudaloso de uma grande nação. Acredito firmemente na minha estrela-guia; o propósito da minha vida é que a Hungria possa um dia apontar para mim com orgulho. E repete o mesmo um quarto de século depois: “Deixe-me admitir que, apesar da minha lamentável ignorância da língua húngara, continuo húngaro do berço ao túmulo de corpo e alma e, de acordo com esta gravíssima forma, eu me esforço para apoiar e desenvolver a cultura musical húngara”.

Ao longo de sua carreira, Liszt voltou-se para o tema húngaro. Em 1840, ele escreveu a Marcha Heroica no Estilo Húngaro, depois a cantata Hungria, a famosa Procissão Fúnebre (em homenagem aos heróis caídos) e, finalmente, vários cadernos de Melodias e Rapsódias Nacionais Húngaras (vinte e uma peças no total) . No período central – década de 1850, foram criados três poemas sinfónicos associados às imagens da pátria (“Lamento dos Heróis”, “Hungria”, “Batalha dos Hunos”) e quinze rapsódias húngaras, que são arranjos livres de folclore músicas. Temas húngaros também podem ser ouvidos nas obras espirituais de Liszt, escritas especialmente para a Hungria – “Grand Mass”, “Legend of St. Elizabeth”, “Hungarian Coronation Mass”. Ainda mais frequentemente ele se volta para o tema húngaro nos anos 70-80 em suas canções, peças para piano, arranjos e fantasias sobre os temas das obras de compositores húngaros.

Mas essas obras húngaras, numerosas em si mesmas (seu número chega a cento e trinta), não estão isoladas na obra de Liszt. Outras obras, especialmente as heróicas, têm características comuns com elas, separam voltas específicas e princípios de desenvolvimento semelhantes. Não há uma linha nítida entre as obras húngaras e “estrangeiras” de Liszt – elas são escritas no mesmo estilo e enriquecidas com as realizações da arte clássica e romântica européia. É por isso que Liszt foi o primeiro compositor a trazer a música húngara para a arena mundial.

No entanto, não apenas o destino da pátria o preocupava.

Ainda na juventude, sonhava em dar uma educação musical às mais amplas camadas do povo, para que os compositores criassem canções segundo o modelo da Marselhesa e outros hinos revolucionários que elevassem as massas à luta pela sua libertação. Liszt teve a premonição de uma revolta popular (cantou-a na peça para piano “Lyon”) e exortou os músicos a não se limitarem a concertos em benefício dos pobres. “Por muito tempo nos palácios eles olharam para eles (para os músicos.— MD) como servidores da corte e parasitas, por muito tempo eles glorificaram os amores dos fortes e as alegrias dos ricos: finalmente chegou a hora de despertar coragem nos fracos e aliviar o sofrimento dos oprimidos! A arte deve incutir beleza nas pessoas, inspirar decisões heróicas, despertar a humanidade, mostrar-se!” Ao longo dos anos, essa crença no alto papel ético da arte na vida da sociedade causou uma atividade educacional em escala grandiosa: Liszt atuou como pianista, regente, crítico – um propagandista ativo das melhores obras do passado e do presente. O mesmo estava subordinado ao seu trabalho como professor. E, naturalmente, com seu trabalho, ele queria estabelecer altos ideais artísticos. Esses ideais, no entanto, nem sempre foram claramente apresentados a ele.

Liszt é o representante mais brilhante do romantismo na música. Ardente, entusiasmado, emocionalmente instável, buscando apaixonadamente, ele, como outros compositores românticos, passou por muitas provações: seu caminho criativo foi complexo e contraditório. Liszt viveu em tempos difíceis e, como Berlioz e Wagner, não escapou de hesitações e dúvidas, suas opiniões políticas eram vagas e confusas, ele gostava de filosofia idealista, às vezes até buscava consolo na religião. “Nossa era está doente e estamos doentes com ela”, Liszt respondeu às reprovações pela mutabilidade de seus pontos de vista. Mas a natureza progressiva de seu trabalho e atividades sociais, a extraordinária nobreza moral de sua aparência como artista e pessoa permaneceram inalteradas ao longo de sua longa vida.

“Ser a personificação da pureza moral e da humanidade, tendo adquirido isso à custa de dificuldades, sacrifícios dolorosos, para servir como alvo de ridículo e inveja – esse é o destino usual dos verdadeiros mestres da arte”, escreveram os vinte e quatro Liszt, de XNUMX anos. E é assim que ele sempre foi. Buscas intensas e lutas árduas, trabalho titânico e perseverança na superação de obstáculos o acompanharam por toda a vida.

Pensamentos sobre o alto propósito social da música inspiraram o trabalho de Liszt. Ele se esforçou para tornar suas obras acessíveis ao maior número de ouvintes, e isso explica sua teimosa atração pela programação. Já em 1837, Liszt fundamenta de forma sucinta a necessidade da programação na música e os princípios básicos a que vai aderir ao longo da sua obra: “Para alguns artistas, a sua obra é a sua vida… Principalmente um músico que se inspira na natureza, mas não copia ele, expressa em sons os segredos mais íntimos de seu destino. Ele pensa neles, incorpora sentimentos, fala, mas sua linguagem é mais arbitrária e indefinida do que qualquer outra e, como belas nuvens douradas que assumem ao pôr do sol qualquer forma que lhes é dada pela fantasia de um andarilho solitário, ela se presta também facilmente às mais variadas interpretações. Portanto, não é de forma alguma inútil e, em todo caso, sem graça – como costumam dizer – que um compositor esboce um esboço de sua obra em poucas linhas e, sem cair em detalhes e detalhes mesquinhos, expresse a ideia que serviu ele como base para a composição. Então a crítica estará livre para elogiar ou culpar a personificação mais ou menos bem-sucedida dessa ideia.

A virada de Liszt para a programação foi um fenômeno progressivo, devido a toda a direção de suas aspirações criativas. Liszt queria falar por meio de sua arte não com um círculo restrito de conhecedores, mas com as massas de ouvintes, para emocionar milhões de pessoas com sua música. É verdade que a programação de Liszt é contraditória: em um esforço para incorporar grandes pensamentos e sentimentos, ele frequentemente caía na abstração, em um filosofar vago e, assim, limitava involuntariamente o escopo de suas obras. Mas o melhor deles supera essa incerteza abstrata e imprecisão do programa: as imagens musicais criadas por Liszt são concretas, inteligíveis, os temas são expressivos e em relevo, a forma é clara.

Baseado nos princípios da programação, afirmando o conteúdo ideológico da arte com sua atividade criativa, Liszt enriqueceu extraordinariamente os recursos expressivos da música, cronologicamente à frente até mesmo de Wagner nesse aspecto. Com suas descobertas coloridas, Liszt expandiu o escopo da melodia; ao mesmo tempo, pode ser considerado um dos mais ousados ​​​​inovadores do século XNUMX no campo da harmonia. Liszt também é o criador de um novo gênero de “poema sinfônico” e um método de desenvolvimento musical chamado “monotematismo”. Finalmente, suas conquistas no campo da técnica e textura do piano são especialmente significativas, pois Liszt foi um pianista brilhante, igual ao qual a história não conheceu.

O legado musical que deixou é enorme, mas nem todas as obras são iguais. As principais áreas da obra de Liszt são o piano e a sinfonia – aqui suas aspirações ideológicas e artísticas inovadoras estavam em pleno vigor. De valor indubitável são as composições vocais de Liszt, entre as quais se destacam as canções; ele mostrou pouco interesse em ópera e música instrumental de câmara.

Temas, imagens da criatividade de Liszt. Sua importância na história da arte musical húngara e mundial

O legado musical de Liszt é rico e variado. Ele viveu pelos interesses de seu tempo e se esforçou para responder criativamente às demandas atuais da realidade. Daí o armazém heróico da música, seu drama inerente, energia ígnea, pathos sublime. Os traços de idealismo inerentes à visão de mundo de Liszt, no entanto, afetaram várias obras, dando origem a uma certa indefinição de expressão, imprecisão ou abstração de conteúdo. Mas em seus melhores trabalhos esses momentos negativos são superados – neles, para usar a expressão de Cui, “a vida genuína ferve”.

O estilo nitidamente individual de Liszt fundiu muitas influências criativas. O heroísmo e o poderoso drama de Beethoven, junto com o violento romantismo e o colorido de Berlioz, o demonismo e o brilhante virtuosismo de Paganini, tiveram uma influência decisiva na formação dos gostos artísticos e das visões estéticas do jovem Liszt. Sua posterior evolução criativa ocorreu sob o signo do romantismo. O compositor absorveu avidamente a vida, as impressões literárias, artísticas e realmente musicais.

Uma biografia incomum contribuiu para o fato de que várias tradições nacionais foram combinadas na música de Liszt. Da escola romântica francesa, ele tirou contrastes brilhantes na justaposição de imagens, seu pitoresco; da ópera italiana do século XNUMX (Rossini, Bellini, Donizetti, Verdi) - paixão emocional e êxtase sensual da cantilena, recitação vocal intensa; da escola alemã – o aprofundamento e ampliação dos meios de expressividade da harmonia, experimentação no campo da forma. Deve-se acrescentar ao que foi dito que, no período maduro de sua obra, List também experimentou a influência de jovens escolas nacionais, principalmente russas, cujas realizações ele estudou com muita atenção.

Tudo isso foi organicamente fundido no estilo artístico de Liszt, que é inerente à estrutura nacional-húngara da música. Tem certas esferas de imagens; Entre eles, podem ser distinguidos cinco grupos principais:

1) As imagens heróicas de um caráter invocativo brilhantemente maior são marcadas por grande originalidade. Eles são caracterizados por um armazém orgulhosamente cavalheiresco, brilho e brilho de apresentação, som leve de cobre. Melodia elástica, ritmo pontilhado é “organizado” por um andar de marcha. É assim que surge na mente de Liszt um bravo herói, lutando pela felicidade e pela liberdade. As origens musicais dessas imagens estão nos temas heróicos de Beethoven, em parte Weber, mas o mais importante é que é aqui, nesta área, que a influência da melodia nacional húngara é mais claramente vista.

Entre as imagens de procissões solenes, há também temas menores e improvisados, percebidos como uma história ou uma balada sobre o passado glorioso do país. A justaposição de menor – paralelo maior e o uso generalizado de melismáticos enfatizam a riqueza do som e a variedade de cores.

2) As imagens trágicas são uma espécie de paralelo com as heróicas. Essas são as procissões de luto ou canções de lamentação favoritas de Liszt (as chamadas “trenody”), cuja música é inspirada nos trágicos eventos da luta de libertação do povo na Hungria ou na morte de suas principais figuras políticas e públicas. O ritmo da marcha aqui torna-se mais agudo, mais nervoso, espasmódico e muitas vezes, em vez de

lá

or

(por exemplo, o segundo tema do primeiro movimento do Segundo Concerto para Piano). Recordamos as marchas fúnebres de Beethoven e seus protótipos na música da Revolução Francesa no final do século XNUMX (ver, por exemplo, a famosa Marcha Fúnebre de Gossek). Mas Liszt é dominado pelo som de trombones, graves profundos e “baixos”, sinos fúnebres. Como observa o musicólogo húngaro Bence Szabolczy, “essas obras tremem com uma paixão sombria, que encontramos apenas nos últimos poemas de Vörösmarty e nas últimas pinturas do pintor Laszlo Paal”.

As origens nacional-húngaras de tais imagens são indiscutíveis. Para ver isso, basta consultar o poema orquestral “Lament for the Heroes” (“Heroi'de funebre”, 1854) ou a popular peça para piano “The Funeral Procession” (“Funerailles”, 1849). Já o primeiro, que se desenrola lentamente, o tema da “Procissão Fúnebre” contém uma curva característica de um segundo ampliado, que confere uma melancolia especial à marcha fúnebre. A adstringência do som (harmônico maior) é preservada na subsequente cantilena lírica melancólica. E, como costuma acontecer com Liszt, as imagens de luto são transformadas em imagens heróicas – para um poderoso movimento popular, para uma nova luta, a morte de um herói nacional está chamando.

3) Outra esfera emocional e semântica está associada a imagens que transmitem sentimentos de dúvida, um estado de espírito ansioso. Esse conjunto complexo de pensamentos e sentimentos entre os românticos foi associado à ideia do Fausto de Goethe (compare com Berlioz, Wagner) ou Manfred de Byron (compare com Schumann, Tchaikovsky). O Hamlet de Shakespeare foi frequentemente incluído no círculo dessas imagens (compare com Tchaikovsky, com o próprio poema de Liszt). A incorporação de tais imagens exigia novos meios expressivos, especialmente no campo da harmonia: Liszt frequentemente usa intervalos aumentados e diminuídos, cromatismos, até harmonias fora do tom, combinações de quartos, modulações ousadas. “Algum tipo de impaciência febril e agonizante arde neste mundo de harmonia”, aponta Sabolci. Estas são as frases iniciais de ambas as sonatas para piano ou da Sinfonia de Fausto.

4) Muitas vezes, meios de expressão próximos do significado são usados ​​na esfera figurativa onde predominam a zombaria e o sarcasmo, o espírito de negação e destruição é transmitido. Aquele “satânico” delineado por Berlioz no “Sábado das Bruxas” da “Sinfonia Fantástica” adquire em Liszt um caráter ainda mais espontaneamente irresistível. Esta é a personificação das imagens do mal. A base do gênero – a dança – aparece agora sob uma luz distorcida, com acentos agudos, em consonâncias dissonantes, enfatizadas por notas graciosas. O exemplo mais óbvio disso são as três valsas de Mefisto, o final da Sinfonia de Fausto.

5) A folha também capturou expressivamente uma ampla gama de sentimentos amorosos: embriaguez com paixão, um impulso extático ou êxtase sonhador, langor. Ora é uma tensa cantilena de respiração no espírito das óperas italianas, ora uma recitação oratória excitada, ora um requintado langor de harmonias de “Tristão”, abundantemente supridas de alterações e cromatismo.

Claro, não há demarcações claras entre as esferas figurativas marcadas. Os temas heróicos estão próximos dos trágicos, os motivos “faustianos” são frequentemente transformados em “Mefistófeles” e os temas “eróticos” incluem sentimentos nobres e sublimes e as tentações da sedução “satânica”. Além disso, a paleta expressiva de Liszt não se esgota com isso: nas “Rapsódias Húngaras” predominam as imagens de dança do gênero folclórico, nos “Anos de Andanças” há muitos esboços de paisagens, nos estudos (ou concertos) há visões scherzo fantásticas. No entanto, as realizações de List nessas áreas são as mais originais. Foram eles que tiveram forte influência na obra das próximas gerações de compositores.

* * *

Durante o auge da atividade de List – nos anos 50-60 – sua influência foi limitada a um círculo restrito de alunos e amigos. Ao longo dos anos, no entanto, as realizações pioneiras de Liszt foram cada vez mais reconhecidas.

Naturalmente, em primeiro lugar, sua influência afetou o desempenho e a criatividade do piano. Querendo ou involuntariamente, todos os que se voltaram para o piano não puderam passar pelas gigantescas conquistas de Liszt nesta área, o que se refletiu tanto na interpretação do instrumento como na textura das composições. Com o tempo, os princípios ideológicos e artísticos de Liszt ganharam reconhecimento na prática do compositor, sendo assimilados por representantes de diversas escolas nacionais.

O princípio generalizado da programação, apresentado por Liszt como contrapeso a Berlioz, que é mais característico da interpretação pictórico-“teatral” do enredo escolhido, tornou-se generalizado. Em particular, os princípios de Liszt foram mais amplamente utilizados por compositores russos, especialmente Tchaikovsky, do que os de Berlioz (embora este último não tenha sido esquecido, por exemplo, por Mussorgsky em Night on Bald Mountain ou Rimsky-Korsakov em Scheherazade).

Igualmente difundiu-se o gênero do poema sinfônico programático, cujas possibilidades artísticas os compositores vêm desenvolvendo até os dias de hoje. Imediatamente após Liszt, poemas sinfônicos foram escritos na França por Saint-Saens e Franck; na República Tcheca – creme azedo; na Alemanha, R. Strauss alcançou as maiores conquistas neste gênero. É verdade que essas obras nem sempre foram baseadas no monotematismo. Os princípios do desenvolvimento de um poema sinfônico em combinação com uma sonata allegro eram freqüentemente interpretados de maneira diferente, mais livremente. No entanto, o princípio monotemático - em sua interpretação mais livre - foi, no entanto, usado em composições não programadas ("o princípio cíclico" na sinfonia e nas obras instrumentais de câmara de Frank, a sinfonia c-moll de Taneyev e outras). Finalmente, os compositores subsequentes freqüentemente se voltavam para o tipo poético do concerto para piano de Liszt (veja o Concerto para Piano de Rimsky-Korsakov, o Concerto para Piano Primeiro de Prokofiev, o Concerto para Piano Segundo de Glazunov e outros).

Não apenas os princípios composicionais de Liszt foram desenvolvidos, mas também as esferas figurativas de sua música, especialmente o heróico, “Faustiano”, “Mefistófeles”. Recordemos, por exemplo, os orgulhosos “temas de auto-afirmação” nas sinfonias de Scriabin. Quanto à denúncia do mal nas imagens “mefistofélicas”, como se distorcidas pela zombaria, mantidas no espírito de frenéticas “danças da morte”, seu desenvolvimento posterior é encontrado até na música de nosso tempo (ver as obras de Shostakovich). O tema das dúvidas “faustianas”, seduções “diabólicas” também é difundido. Essas várias esferas são totalmente refletidas na obra de R. Strauss.

A linguagem musical colorida de Liszt, rica em nuances sutis, também recebeu um desenvolvimento significativo. Em particular, o brilho de suas harmonias serviu de base para a busca dos impressionistas franceses: sem as realizações artísticas de Liszt, nem Debussy nem Ravel são inconcebíveis (este último, além disso, usou amplamente as realizações do pianismo de Liszt em suas obras ).

Os “insights” de Liszt sobre o período tardio de criatividade no campo da harmonia foram apoiados e estimulados por seu crescente interesse pelas jovens escolas nacionais. Foi entre eles – e sobretudo entre os kuchkistas – que Liszt encontrou oportunidades para enriquecer a linguagem musical com novos giros modais, melódicos e rítmicos.

Druskin

• Obras para piano de Liszt →
• Obras sinfônicas de Liszt →

• Trabalho vocal de Liszt →

• Lista das obras de Liszt →