Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov |

Nikolai Rimsky-Korsakov

Nem seu talento, nem sua energia, nem sua benevolência ilimitada para com seus alunos e camaradas jamais enfraqueceram. A vida gloriosa e a atividade profundamente nacional de tal pessoa devem ser nosso orgulho e alegria. … quanto pode ser apontado em toda a história da música de naturezas tão elevadas, grandes artistas e pessoas extraordinárias como Rimsky-Korsakov? V.Stasov

Quase 10 anos após a abertura do primeiro conservatório russo em São Petersburgo, no outono de 1871, um novo professor de composição e orquestração apareceu dentro de suas paredes. Apesar da juventude - estava com vinte e oito anos - já havia conquistado fama como autor de composições originais para orquestra: Aberturas sobre temas russos, Fantasias sobre temas de canções folclóricas sérvias, um quadro sinfônico baseado no épico russo " Sadko” e uma suíte no enredo do conto de fadas oriental “Antar” . Além disso, muitos romances foram escritos e o trabalho na ópera histórica A Donzela de Pskov estava em pleno andamento. Ninguém poderia imaginar (muito menos o diretor do conservatório, que convidou N. Rimsky-Korsakov) que ele se tornaria um compositor quase sem formação musical.

Rimsky-Korsakov nasceu em uma família distante dos interesses artísticos. Os pais, segundo tradição familiar, preparavam o menino para o serviço na Marinha (o tio e o irmão mais velho eram marinheiros). Embora as habilidades musicais tenham sido reveladas muito cedo, não havia ninguém para estudar seriamente em uma pequena cidade do interior. As aulas de piano eram dadas por uma vizinha, então uma governanta conhecida e aluna dessa governanta. As impressões musicais foram complementadas por canções folclóricas executadas por uma mãe e um tio amadores e cantos de culto no mosteiro de Tikhvin.

Em São Petersburgo, onde Rimsky-Korsakov veio para se matricular no Corpo Naval, ele visita a ópera e em concertos, reconhece Ivan Susanin e Ruslan e Lyudmila de Glinka, as sinfonias de Beethoven. Em São Petersburgo, ele finalmente encontrou um professor de verdade - um excelente pianista e músico educado F. Canille. Ele aconselhou o aluno talentoso a compor música sozinho, apresentou-o a M. Balakirev, em torno do qual jovens compositores se agruparam - M. Mussorgsky, C. Cui, mais tarde A. Borodin se juntou a eles (o círculo de Balakirev entrou para a história sob o nome de “Mighty Handful ”).

Nenhum dos "kuchkistas" fez um curso de treinamento musical especial. O sistema pelo qual Balakirev os preparou para a atividade criativa independente foi o seguinte: ele imediatamente propôs um tema responsável e, sob sua liderança, em discussões conjuntas, paralelamente ao estudo das obras dos principais compositores, todas as dificuldades que surgiram no processo de composição foram resolvidos.

Rimsky-Korsakov, de dezessete anos, foi aconselhado por Balakirev a começar com uma sinfonia. Enquanto isso, o jovem compositor, formado pelo Corpo de Fuzileiros Navais, deveria embarcar em uma viagem ao redor do mundo. Ele voltou a amigos de música e arte somente após 3 anos. O talento genial ajudou Rimsky-Korsakov a dominar rapidamente a forma musical, a orquestração colorida brilhante e as técnicas de composição, ignorando os fundamentos da escola. Tendo criado partituras sinfônicas complexas e trabalhando em uma ópera, o compositor não conhecia os fundamentos da ciência musical e não estava familiarizado com a terminologia necessária. E de repente uma oferta para lecionar no conservatório! .. “Se eu aprendesse um pouco, se eu soubesse um pouco mais do que realmente sabia, então ficaria claro para mim que não posso e não tenho o direito de aceitar o proposto. seria estúpido e inescrupuloso da minha parte ”, lembrou Rimsky-Korsakov. Mas não desonestidade, mas a maior responsabilidade, ele mostrou, começando a aprender os próprios fundamentos que deveria ensinar.

As visões estéticas e a visão de mundo de Rimsky-Korsakov foram formadas na década de 1860. sob a influência do "Poderoso Punhado" e seu ideólogo V. Stasov. Ao mesmo tempo, a base nacional, a orientação democrática, os principais temas e imagens de sua obra foram determinados. Na década seguinte, as atividades de Rimsky-Korsakov são multifacetadas: ele ensina no conservatório, aprimora sua própria técnica de composição (escreve cânones, fugas), ocupa o cargo de inspetor de bandas de metais do Departamento Naval (1873-84) e rege sinfonia concertos, substitui o diretor da Escola de Música Livre Balakirev e prepara para publicação (junto com Balakirev e Lyadov) as partituras das duas óperas de Glinka, grava e harmoniza canções folclóricas (a primeira coleção foi publicada em 1876, a segunda – em 1882).

Um apelo ao folclore musical russo, bem como um estudo detalhado das partituras da ópera de Glinka no processo de prepará-las para publicação, ajudaram o compositor a superar a especulatividade de algumas de suas composições, que surgiram como resultado de estudos intensivos na técnica de composição. Duas óperas escritas depois de The Maid of Pskov (1872) — May Night (1879) e The Snow Maiden (1881) — incorporam o amor de Rimsky-Korsakov por rituais folclóricos e canções folclóricas e sua visão de mundo panteísta.

Criatividade do compositor dos anos 80. representada principalmente pelas obras sinfônicas: “O Conto” (1880), Sinfonietta (1885) e Concerto para Piano (1883), além dos famosos “Capriccio Espanhol” (1887) e “Scheherazade” (1888). Ao mesmo tempo, Rimsky-Korsakov trabalhou no Coro da Corte. Mas ele dedica a maior parte de seu tempo e energia à preparação para a apresentação e publicação das óperas de seus falecidos amigos - Khovanshchina de Mussorgsky e Príncipe Igor de Borodin. É provável que esse trabalho intenso em partituras de ópera tenha levado ao fato de que o próprio trabalho de Rimsky-Korsakov se desenvolveu durante esses anos na esfera sinfônica.

O compositor voltou à ópera apenas em 1889, tendo criado a encantadora Mlada (1889-90). Desde meados dos anos 90. um após o outro é seguido por The Night Before Christmas (1895), Sadko (1896), o prólogo de The Maid of Pskov - o Boyar Vera Sheloga em um ato e The Tsar's Bride (ambos de 1898). Nos anos 1900, The Tale of Tsar Saltan (1900), Servilia (1901), Pan Governor (1903), The Tale of the Invisible City of Kitezh (1904) e The Golden Cockerel (1907) são criados.

Ao longo de sua vida criativa, o compositor também se voltou para as letras vocais. Em 79 de seus romances, a poesia de A. Pushkin, M. Lermontov, AK Tolstoy, L. May, A. Fet e dos autores estrangeiros J. Byron e G. Heine são apresentados.

O conteúdo da obra de Rimsky-Korsakov é diverso: também revelou o tema folclórico (“A Mulher de Pskov”, “A Lenda da Cidade Invisível de Kitezh”), a esfera das letras (“A Noiva do Czar”, “ Servilia”) e o drama cotidiano (“Pan Voyevoda”), refletiam as imagens do Oriente (“Antar”, “Scheherazade”), incorporavam as características de outras culturas musicais (“Serbian Fantasy”, “Spanish Capriccio”, etc.) . Mas mais característicos de Rimsky-Korsakov são fantasia, fabulosidade, diversas conexões com a arte popular.

O compositor criou toda uma galeria de imagens femininas únicas em seu charme, puras e suavemente líricas - reais e fantásticas (Pannochka em “May Night”, Snegurochka, Martha em “The Tsar's Bride”, Fevronia em “The Tale of the Invisible City de Kitezh”) , imagens de cantores folclóricos (Lel em “The Snow Maiden”, Nezhata em “Sadko”).

Formado na década de 1860. o compositor permaneceu fiel aos ideais sociais progressistas durante toda a sua vida. Na véspera da primeira revolução russa de 1905 e no período de reação que se seguiu, Rimsky-Korsakov escreveu as óperas Kashchei the Immortal (1902) e The Golden Cockerel, que foram percebidas como uma denúncia da estagnação política que reinava em Rússia.

O caminho criativo do compositor durou mais de 40 anos. Entrando como sucessor das tradições de Glinka, ele e no século XX. representa adequadamente a arte russa na cultura musical mundial. As atividades criativas e musicais-públicas de Rimsky-Korsakov são multifacetadas: compositor e maestro, autor de obras teóricas e críticas, editor de obras de Dargomyzhsky, Mussorgsky e Borodin, teve uma forte influência no desenvolvimento da música russa.

Ao longo de 37 anos de ensino no conservatório, ele ensinou mais de 200 compositores: A. Glazunov, A. Lyadov, A. Arensky, M. Ippolitov-Ivanov, I. Stravinsky, N. Cherepnin, A. Grechaninov, N. Myaskovsky, S. Prokofiev e outros. O desenvolvimento dos temas orientais de Rimsky-Korsakov (“Antar”, “Scheherazade”, “Golden Cockerel”) foi de inestimável importância para o desenvolvimento das culturas musicais nacionais da Transcaucásia e da Ásia Central, e diversas marinhas (“Sadko”, “Sheherazade ”, “O Conto do Czar Saltan”, o ciclo de romances “By the Sea”, etc.) determinou muito na pintura sonora ao ar livre do francês C. Debussy e do italiano O. Respighi.

E. Gordeeva

A obra de Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov é um fenômeno único na história da cultura musical russa. A questão não está apenas no enorme significado artístico, volume colossal, rara versatilidade de sua obra, mas também no fato de que a obra do compositor cobre quase inteiramente uma era muito dinâmica da história russa – da reforma camponesa ao período entre as revoluções. Uma das primeiras obras do jovem músico foi a instrumentação do recém-concluído The Stone Guest, de Dargomyzhsky, a última grande obra do mestre, The Golden Cockerel, data de 1906-1907: a ópera foi composta simultaneamente com o Poema do Êxtase de Scriabin, a Segunda Sinfonia de Rachmaninov; apenas quatro anos separam a estreia de O galo de ouro (1909) da estreia de A sagração da primavera, de Stravinsky, dois da estreia de Prokofiev como compositor.

Assim, a obra de Rimsky-Korsakov, puramente em termos cronológicos, constitui, por assim dizer, o núcleo da música clássica russa, ligando a ligação entre a era de Glinka-Dargomyzhsky e o século XNUMX. Sintetizando as conquistas da escola de São Petersburgo de Glinka a Lyadov e Glazunov, absorvendo muito da experiência dos moscovitas - Tchaikovsky, Taneyev, compositores que atuaram na virada dos séculos XNUMX e XNUMX, sempre esteve aberto a novas tendências artísticas, doméstico e estrangeiro.

Um caráter abrangente e sistematizador é inerente a qualquer direção da obra de Rimsky-Korsakov – compositor, professor, teórico, maestro, editor. Sua atividade vital como um todo é um mundo complexo, que eu gostaria de chamar de “cosmos Rimsky-Korsakov”. O objetivo desta atividade é coletar, focar as principais características da consciência musical e, mais amplamente, artística nacional e, finalmente, recriar uma imagem integral da visão de mundo russa (claro, em sua refração pessoal, “korsakoviana”). Este encontro está indissoluvelmente ligado à evolução pessoal, do autor, assim como ao processo de ensinar, educando – não só os alunos diretos, mas todo o meio musical – com autoeducação, autoeducação.

AN Rimsky-Korsakov, o filho do compositor, falando sobre a variedade constantemente renovada de tarefas resolvidas por Rimsky-Korsakov, descreveu com sucesso a vida do artista como um "entrelaçamento de fios em forma de baiacu". Ele, refletindo sobre o que fez o brilhante músico dedicar uma parte excessivamente grande de seu tempo e energia a tipos "laterais" de trabalho educacional, apontou para "uma clara consciência de seu dever para com a música e os músicos russos". “e eficaz“- a palavra-chave na vida de Rimsky-Korsakov, assim como “confissão” – na vida de Mussorgsky.

Acredita-se que a música russa da segunda metade do século XIX tende claramente a assimilar as realizações de outras artes contemporâneas a ela, especialmente a literatura: daí a preferência por gêneros “verbais” (do romance, da canção à ópera, a coroa do aspirações criativas de todos os compositores da geração 1860) e no instrumental – um amplo desenvolvimento do princípio da programação. No entanto, agora está se tornando cada vez mais óbvio que a imagem do mundo criada pela música clássica russa não é de forma alguma idêntica à da literatura, pintura ou arquitetura. As características do crescimento da escola de compositores russos estão ligadas tanto às especificidades da música como forma de arte quanto à posição especial da música na cultura nacional do século XNUMX, com suas tarefas especiais na compreensão da vida.

A situação histórica e cultural na Rússia predeterminou uma lacuna colossal entre as pessoas que, segundo Glinka, “criam música” e aquelas que queriam “arranjar”. A ruptura foi profunda, tragicamente irreversível, e suas consequências se fazem sentir até hoje. Mas, por outro lado, a experiência auditiva cumulativa de várias camadas do povo russo continha possibilidades inesgotáveis ​​​​para o movimento e o crescimento da arte. Talvez, na música, a “descoberta da Rússia” tenha se expressado com maior força, já que a base de sua linguagem – entonação – é a manifestação mais orgânica do indivíduo humano e étnico, uma expressão concentrada da experiência espiritual do povo. A “estrutura múltipla” do ambiente de entonação nacional na Rússia em meados do século retrasado é um dos pré-requisitos para a inovação da escola profissional de música russa. Reunir em um único foco de tendências multidirecionais – relativamente falando, das raízes pagãs proto-eslavas às últimas ideias do romantismo musical da Europa Ocidental, as técnicas mais avançadas da tecnologia musical – é uma característica da música russa da segunda metade do séc. Século XNUMX. Nesse período, ele finalmente abandona o poder das funções aplicadas e se torna uma visão de mundo em sons.

Muitas vezes falando sobre os anos sessenta de Mussorgsky, Balakirev, Borodin, parece que esquecemos que Rimsky-Korsakov pertence à mesma época. Entretanto, é difícil encontrar um artista mais fiel aos ideais mais elevados e puros de seu tempo.

Aqueles que conheceram Rimsky-Korsakov mais tarde – nos anos 80, 90, 1900 – nunca se cansaram de se surpreender com a severidade com que ele prosaicou a si mesmo e sua obra. Daí os frequentes julgamentos sobre a “secura” de sua natureza, seu “academicismo”, “racionalismo” etc. De fato, isso é típico dos anos sessenta, combinado com a evitação do pathos excessivo em relação à própria personalidade, característica de um artista russo. Um dos alunos de Rimsky-Korsakov, MF Gnesin, expressou a ideia de que o artista, em constante luta consigo mesmo e com os que o cercam, com os gostos de sua época, às vezes parecia endurecer, tornando-se ainda mais baixo em algumas de suas declarações do que ele mesmo. Isso deve ser mantido em mente ao interpretar as declarações do compositor. Aparentemente, a observação de outro aluno de Rimsky-Korsakov, AV Ossovsky, merece ainda mais atenção: a severidade, o capricho da introspecção, o autocontrole, que invariavelmente acompanhavam o caminho do artista, eram tais que uma pessoa de menor talento simplesmente poderia não suporta aquelas “pausas”, aquelas experiências que constantemente se impunha: o autor de A Donzela de Pskov, como um colegial, senta-se para resolver problemas em harmonia, o autor de A Donzela da Neve não perde uma única apresentação das óperas de Wagner , o autor de Sadko escreve Mozart e Salieri, o professor acadêmico cria Kashchei, etc. E isso também veio de Rimsky-Korsakov não apenas da natureza, mas também da época.

Sua atividade social sempre foi muito alta, e sua atividade se distinguia por completo desinteresse e devoção indivisa à ideia de dever público. Mas, ao contrário de Mussorgsky, Rimsky-Korsakov não é um “populista” no sentido histórico específico do termo. No problema do povo, ele sempre, começando com A Donzela de Pskov e o poema Sadko, viu não tanto o histórico e social quanto o indivisível e eterno. Em comparação com os documentos de Tchaikovsky ou Mussorgsky nas cartas de Rimsky-Korsakov, em sua Crônica há poucas declarações de amor ao povo e à Rússia, mas como artista ele tinha um senso colossal de dignidade nacional e no messianismo de Arte russa, em particular música, ele não era menos confiante do que Mussorgsky.

Todos os kuchkistas eram caracterizados por uma característica dos anos sessenta como uma curiosidade sem fim pelos fenômenos da vida, uma eterna ansiedade de pensamento. Em Rimsky-Korsakov, concentrou-se ao máximo na natureza, entendida como a unidade dos elementos e do homem, e na arte como a mais alta personificação dessa unidade. Como Mussorgsky e Borodin, ele lutou constantemente por um conhecimento "positivo" e "positivo" sobre o mundo. Em seu desejo de estudar minuciosamente todas as áreas da ciência musical, partiu da posição – na qual (como Mussorgsky) ele acreditava firmemente, às vezes ao ponto da ingenuidade – que na arte existem leis (normas) que são tão objetivas quanto , universal como na ciência. não apenas preferências de gosto.

Como resultado, a atividade estética e teórica de Rimsky-Korsakov abrangeu quase todas as áreas do conhecimento sobre música e se desenvolveu em um sistema completo. Seus componentes são: a doutrina da harmonia, a doutrina da instrumentação (ambas na forma de grandes obras teóricas), estética e forma (notas da década de 1890, artigos críticos), folclore (coleções de arranjos de canções folclóricas e exemplos de compreensão criativa de motivos folclóricos em composições), ensinando sobre modo (uma grande obra teórica sobre modos antigos foi destruída pelo autor, mas uma breve versão dele sobreviveu, bem como exemplos da interpretação de modos antigos em arranjos de cantos religiosos), polifonia (considerações expressas em cartas, em conversas com Yastrebtsev, etc., e também exemplos criativos), educação musical e organização da vida musical (artigos, mas principalmente atividades educacionais e pedagógicas). Em todas essas áreas, Rimsky-Korsakov expressou ideias ousadas, cuja novidade é frequentemente obscurecida por uma forma de apresentação estrita e concisa.

“O criador do Pskovityanka e do Golden Cockerel não era um retrógrado. Ele foi um inovador, mas alguém que se esforçou pela completude clássica e pela proporcionalidade dos elementos musicais ”(Zuckerman VA). De acordo com Rimsky-Korsakov, qualquer coisa nova é possível em qualquer campo sob as condições de uma conexão genética com o passado, lógica, condicionalidade semântica e organização arquitetônica. Tal é sua doutrina da funcionalidade da harmonia, na qual funções lógicas podem ser representadas por consonâncias de várias estruturas; tal é a sua doutrina de instrumentação, que abre com a frase: “Não há sonoridades ruins na orquestra”. O sistema de educação musical proposto por ele é extraordinariamente progressivo, no qual o modo de aprendizagem está associado principalmente à natureza do talento do aluno e à disponibilidade de certos métodos de fazer música ao vivo.

A epígrafe de seu livro sobre o professor MF Gnesin colocava a frase da carta de Rimsky-Korsakov para sua mãe: “Olhe para as estrelas, mas não olhe e não caia”. Esta frase aparentemente aleatória de um jovem cadete do Corpo Naval caracteriza notavelmente a posição de Rimsky-Korsakov como artista no futuro. Talvez a parábola evangélica dos dois mensageiros se ajuste à sua personalidade, um dos quais imediatamente disse “eu irei” – e não foi, e o outro a princípio disse “não irei” – e foi (Mat., XXI, 28- 31).

De fato, ao longo da carreira de Rimsky-Korsakov, existem muitas contradições entre “palavras” e “ações”. Por exemplo, ninguém repreendeu tão ferozmente o Kuchkismo e suas deficiências (basta lembrar a exclamação de uma carta a Krutikov: “Oh, composto russoоry – ênfase de Stasov – eles devem sua falta de educação a si mesmos! ”, Toda uma série de declarações ofensivas no Chronicle sobre Mussorgsky, sobre Balakirev, etc.) – e ninguém foi tão consistente em defender, defender os princípios estéticos básicos do Kuchkismo e todas as suas realizações criativas: em 1907, alguns meses antes Após sua morte, Rimsky-Korsakov se autodenominava "o Kuchkista mais convicto". Poucas pessoas criticaram tanto os “novos tempos” em geral e os fenômenos fundamentalmente novos da cultura musical na virada do século e no início do século 80 – e ao mesmo tempo responderam tão profunda e plenamente às demandas espirituais do nova era ("Kashchey", "Kitezh", "The Golden Cockerel" e outros nas obras posteriores do compositor). Rimsky-Korsakov nos anos 90 – no início de XNUMX às vezes falava muito duramente sobre Tchaikovsky e sua direção – e ele aprendia constantemente com seu antípoda: a obra de Rimsky-Korsakov, sua atividade pedagógica, sem dúvida, era o principal elo entre São Petersburgo e Moscou escolas. A crítica de Korsakov a Wagner e suas reformas operísticas é ainda mais devastadora e, enquanto isso, entre os músicos russos, ele aceitou profundamente as ideias de Wagner e respondeu a elas com criatividade. Finalmente, nenhum dos músicos russos enfatizou tão consistentemente seu agnosticismo religioso em palavras, e poucos conseguiram criar imagens tão profundas da fé popular em seu trabalho.

Os dominantes da visão de mundo artística de Rimsky-Korsakov eram o “sentimento universal” (sua própria expressão) e o mitologismo amplamente compreendido do pensamento. No capítulo da Crônica dedicado à Donzela da Neve, ele formulou seu processo criativo da seguinte forma: “Ouvi as vozes da natureza e da arte popular e da natureza e tomei o que cantavam e sugeriam como base do meu trabalho.” A atenção do artista estava mais voltada para os grandes fenômenos do cosmos – o céu, o mar, o sol, as estrelas, e para os grandes fenômenos da vida das pessoas – nascimento, amor, morte. Isso corresponde a toda a terminologia estética de Rimsky-Korsakov, em particular sua palavra favorita – “contemplação“. Suas notas sobre estética abrem com a afirmação da arte como uma “esfera de atividade contemplativa”, onde o objeto de contemplação é “a vida do espírito humano e da natureza, expressa em suas relações mútuas“. Juntamente com a unidade do espírito humano e da natureza, o artista afirma a unidade do conteúdo de todos os tipos de arte (neste sentido, sua própria obra é certamente sincrética, embora por motivos diferentes do que, por exemplo, a obra de Mussorgsky, que também argumentou que as artes diferem apenas em material, mas não em tarefas e propósitos). As próprias palavras de Rimsky-Korsakov poderiam ser colocadas como lema para toda a obra de Rimsky-Korsakov: “A representação do belo é a representação da complexidade infinita”. Ao mesmo tempo, ele não era estranho ao termo favorito do Kuchkismo inicial - "verdade artística", ele protestou apenas contra a compreensão dogmática e estreita dela.

As características da estética de Rimsky-Korsakov levaram à discrepância entre sua obra e os gostos do público. Em relação a ele, é tão legítimo falar de incompreensibilidade quanto em relação a Mussorgsky. Mussorgsky, mais do que Rimsky-Korsakov, correspondeu à sua época no tipo de talento, na direção dos interesses (em geral, a história do povo e a psicologia do indivíduo), mas o radicalismo de suas decisões acabou estar além da capacidade de seus contemporâneos. No mal-entendido de Rimsky-Korsakov não era tão agudo, mas não menos profundo.

Sua vida parecia ser muito feliz: uma família maravilhosa, excelente educação, uma emocionante viagem ao redor do mundo, o brilhante sucesso de suas primeiras composições, uma vida pessoal de sucesso incomum, a oportunidade de se dedicar inteiramente à música, posteriormente respeito universal e alegria para ver o crescimento de alunos talentosos ao seu redor. No entanto, a partir da segunda ópera e até o final dos anos 90, Rimsky-Korsakov foi constantemente confrontado com um mal-entendido tanto "dele" quanto de "eles". Os Kuchkistas o consideravam um compositor não operístico, não proficiente em dramaturgia e escrita vocal. Por muito tempo houve uma opinião sobre a falta de melodia original nele. Rimsky-Korsakov foi reconhecido por sua habilidade, principalmente no campo da orquestra, mas nada mais. Esse prolongado mal-entendido foi, de fato, o principal motivo da grave crise vivida pelo compositor no período após a morte de Borodin e o colapso final do Poderoso Punhado como direção criativa. E somente a partir do final dos anos 90, a arte de Rimsky-Korsakov tornou-se cada vez mais sintonizada com a época e encontrou reconhecimento e compreensão entre a nova intelectualidade russa.

Esse processo de domínio das ideias do artista pela consciência pública foi interrompido por eventos subsequentes na história da Rússia. Durante décadas, a arte de Rimsky-Korsakov foi interpretada (e incorporada, se estamos falando das realizações cênicas de suas óperas) de uma forma muito simplista. O mais valioso nele - a filosofia da unidade do homem e do cosmos, a ideia de adorar a beleza e o mistério do mundo permaneceu enterrada sob as categorias falsamente interpretadas de "nacionalidade" e "realismo". O destino da herança de Rimsky-Korsakov nesse sentido, é claro, não é único: por exemplo, as óperas de Mussorgsky foram submetidas a distorções ainda maiores. No entanto, se nos últimos tempos houve disputas em torno da figura e obra de Mussorgsky, o legado de Rimsky-Korsakov esteve em honroso esquecimento nas últimas décadas. Foi reconhecido por todos os méritos de uma ordem acadêmica, mas parecia ter caído da consciência pública. A música de Rimsky-Korsakov é tocada com pouca frequência; nos casos em que suas óperas sobem ao palco, a maioria das dramatizações – puramente decorativas, frondosas ou populares-fabulosas – testemunham uma incompreensão decisiva das ideias do compositor.

É significativo que, se existe uma enorme literatura moderna sobre Mussorgsky em todas as principais línguas europeias, as obras sérias sobre Rimsky-Korsakov são muito poucas. Além dos livros antigos de I. Markevich, R. Hoffmann, N. Giles van der Pals, biografias populares, bem como vários artigos interessantes de musicólogos americanos e ingleses sobre questões específicas da obra do compositor, pode-se citar apenas alguns de obras do principal especialista ocidental em Rimsky-Korsakov, Gerald Abraham. O resultado de seus muitos anos de estudo foi, aparentemente, um artigo sobre o compositor para a nova edição do Grove's Encyclopedic Dictionary (1980). Suas principais disposições são as seguintes: como compositor de ópera, Rimsky-Korsakov sofria de uma completa falta de talento dramático, uma incapacidade de criar personagens; em vez de dramas musicais, ele escreveu deliciosos contos de fadas musicais e teatrais; em vez de personagens, bonecos fantásticos encantadores atuam neles; suas obras sinfônicas nada mais são do que “mosaicos de cores muito vivas”, enquanto ele não dominava a escrita vocal.

Em sua monografia sobre Glinka, OE Levasheva observa o mesmo fenômeno de incompreensão em relação à música de Glinka, classicamente harmoniosa, contida e cheia de nobre contenção, muito longe das ideias primitivas sobre o “exotismo russo” e parecendo “não suficientemente nacional” para os críticos estrangeiros . O pensamento musical doméstico, com raras exceções, não só não luta contra tal ponto de vista sobre Rimsky-Korsakov – bastante comum também na Rússia – como muitas vezes o agrava, enfatizando o academicismo imaginário de Rimsky-Korsakov e cultivando uma falsa oposição à inovação de Mussorgsky.

Talvez ainda esteja chegando a hora do reconhecimento mundial da arte de Rimsky-Korsakov, e chegará a era em que as obras do artista, que criaram uma imagem integral e abrangente do mundo organizada de acordo com as leis da racionalidade, harmonia e beleza , encontrará o seu próprio Bayreuth russo, com o qual os contemporâneos de Rimsky-Korsakov sonharam na véspera de 1917.

M. Rachmanova

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