Gioachino Rossini |
Gioachino Rossini
Mas a noite azul está escurecendo, é hora de nós irmos para a ópera em breve; Há o delicioso Rossini, o queridinho da Europa – Orfeu. Ignorando as duras críticas, Ele é eternamente o mesmo; novo para sempre. Ele derrama sons – eles fervem. Eles fluem, eles queimam. Como beijos jovens Tudo está em êxtase, na chama do amor, Como um ai sibilado Um riacho e salpicos de ouro… A. Púchkin
Entre os compositores italianos do século XIX. Rossini ocupa um lugar especial. O início de seu caminho criativo ocorre em um momento em que a arte operística da Itália, que há pouco tempo dominava a Europa, começava a perder terreno. A ópera-bufa estava se afogando em entretenimento irracional, e a ópera-séria degenerou em uma performance empolada e sem sentido. Rossini não apenas reviveu e reformou a ópera italiana, mas também teve um enorme impacto no desenvolvimento de toda a arte operística europeia do século passado. “Divino Maestro” – assim chamado o grande compositor italiano G. Heine, que viu em Rossini “o sol da Itália, esbanjando seus raios sonoros pelo mundo”.
Rossini nasceu na família de um pobre músico de orquestra e um cantor de ópera provinciano. Com uma trupe itinerante, os pais passearam por várias cidades do país, e o futuro compositor desde criança já conhecia a vida e os costumes que dominavam as casas de ópera italianas. Um temperamento ardente, uma mente zombeteira, uma língua afiada coexistiam na natureza do pequeno Gioacchino com uma sutil musicalidade, excelente audição e uma memória extraordinária.
Em 1806, após vários anos de estudos não sistemáticos em música e canto, Rossini ingressou no Liceu de Música de Bolonha. Lá, o futuro compositor estudou violoncelo, violino e piano. Aulas com o famoso compositor da igreja S. Mattei em teoria e composição, auto-educação intensiva, estudo entusiástico da música de J. Haydn e WA Mozart – tudo isso permitiu que Rossini deixasse o liceu como um músico culto que dominava a habilidade de compor bem.
Já no início de sua carreira, Rossini mostrou uma propensão particularmente pronunciada para o teatro musical. Escreveu sua primeira ópera Demetrio e Polibio aos 14 anos. Desde 1810, o compositor vem compondo várias óperas de vários gêneros todos os anos, conquistando aos poucos fama em amplos círculos operísticos e conquistando os palcos dos maiores teatros italianos: Fenice em Veneza , San Carlo em Nápoles, La Scala em Milão.
O ano de 1813 foi um ponto de viragem na obra operística do compositor, 2 composições encenadas nesse ano – “Italiano em Argel” (onepa-buffa) e “Tancred” (ópera heróica) – determinaram os principais caminhos da sua continuação. O sucesso das obras foi causado não só pela excelente música, mas também pelo conteúdo do libreto, imbuído de sentimentos patrióticos, tão condizentes com o movimento de libertação nacional para a reunificação da Itália, que se desenrolava na época. O clamor público causado pelas óperas de Rossini, a criação do “Hino da Independência” a pedido dos patriotas de Bolonha, bem como a participação nas manifestações dos combatentes da liberdade na Itália – tudo isso levou a uma polícia secreta de longo prazo supervisão, que foi estabelecida para o compositor. Ele não se considerava uma pessoa de mentalidade política e escreveu em uma de suas cartas: “Nunca interferi na política. Eu era músico, e nunca me ocorreu ser outra pessoa, mesmo que vivesse a participação mais viva no que estava acontecendo no mundo, e principalmente no destino de minha terra natal.
Depois de “Italiano em Argel” e “Tancred”, o trabalho de Rossini rapidamente sobe e depois de 3 anos atinge um dos picos. No início de 1816, teve lugar em Roma a estreia de O Barbeiro de Sevilha. Escrita em apenas 20 dias, esta ópera não foi apenas a maior conquista do gênio cômico-satírico de Rossini, mas também o ponto culminante de quase um século de desenvolvimento do gênero ópera-buifa.
Com O Barbeiro de Sevilha, a fama do compositor ultrapassou a Itália. O estilo brilhante de Rossini renovou a arte da Europa com alegria efervescente, sagacidade cintilante, paixão espumante. “Meu The Barber está se tornando cada dia mais bem sucedido”, escreveu Rossini, “e mesmo para os adversários mais inveterados da nova escola ele conseguiu sugar para que eles, contra sua vontade, comecem a amar mais esse cara inteligente e mais." A atitude fanaticamente entusiasmada e superficial em relação à música de Rossini do público aristocrático e da nobreza burguesa contribuiu para o surgimento de muitos opositores ao compositor. No entanto, entre a intelectualidade artística europeia também havia sérios conhecedores de seu trabalho. E. Delacroix, O. Balzac, A. Musset, F. Hegel, L. Beethoven, F. Schubert, M. Glinka estavam sob o encanto da música de Rossin. E mesmo KM Weber e G. Berlioz, que ocupavam uma posição crítica em relação a Rossini, não duvidaram de sua genialidade. “Depois da morte de Napoleão, houve outra pessoa de quem se fala constantemente em todos os lugares: em Moscou e Nápoles, em Londres e Viena, em Paris e Calcutá”, escreveu Stendhal sobre Rossini.
Gradualmente o compositor perde o interesse em onepe-buffa. Escrito logo neste gênero, “Cinderela” não mostra aos ouvintes novas revelações criativas do compositor. A ópera The Thieving Magpie, composta em 1817, ultrapassa os limites do gênero comédia, tornando-se um modelo de drama musical realista cotidiano. Desde então, Rossini passou a prestar mais atenção às óperas heróico-dramáticas. Seguindo Otelo, aparecem obras históricas lendárias: Moisés, A Dama do Lago, Mohammed II.
Após a primeira revolução italiana (1820-21) e sua brutal repressão pelas tropas austríacas, Rossini viajou a Viena com uma trupe de ópera napolitana. Os triunfos vienenses fortaleceram ainda mais a fama europeia do compositor. Voltando por pouco tempo à Itália para a produção de Semiramide (1823), Rossini foi para Londres e depois para Paris. Lá vive até 1836. Em Paris, o compositor dirige a Ópera Italiana, atraindo seus jovens compatriotas para trabalhar nela; retrabalha para a Grande Ópera as óperas Moisés e Mohammed II (esta última foi encenada em Paris sob o título O Cerco de Corinto); escreve, encomendada pela Opera Comique, a elegante ópera Le Comte Ory; e finalmente, em agosto de 1829, ele coloca no palco da Grande Ópera sua última obra-prima – a ópera “William Tell”, que teve um enorme impacto no desenvolvimento posterior do gênero da ópera heróica italiana na obra de V. Bellini , G. Donizetti e G. Verdi.
“William Tell” completou o trabalho de palco musical de Rossini. O silêncio operístico do brilhante maestro que o seguiu, que tinha cerca de 40 óperas atrás dele, foi chamado pelos contemporâneos de mistério do século, cercando essa circunstância com todo tipo de conjecturas. O próprio compositor escreveu mais tarde: “Como cedo, como um jovem mal maduro, comecei a compor, tão cedo, mais cedo do que qualquer um poderia prever, parei de escrever. Sempre acontece na vida: quem começa cedo deve, segundo as leis da natureza, terminar cedo.
No entanto, mesmo depois de deixar de escrever óperas, Rossini continuou a ser o centro das atenções da comunidade musical europeia. Toda a Paris ouviu a palavra crítica do compositor, sua personalidade atraiu músicos, poetas e artistas como um ímã. R. Wagner encontrou-se com ele, C. Saint-Saens estava orgulhoso de sua comunicação com Rossini, Liszt mostrou suas obras ao maestro italiano, V. Stasov falou com entusiasmo sobre o encontro com ele.
Nos anos seguintes a Guilherme Tell, Rossini criou a magnífica obra espiritual Stabat mater, a Pequena Missa Solene e a Canção dos Titãs, uma coleção original de obras vocais chamada Evenings Musical e um ciclo de peças para piano com o título brincalhão Sins of Old Era. . De 1836 a 1856 Rossini, cercado de glórias e honras, viveu na Itália. Lá dirigiu o Liceu Musical de Bolonha e desenvolveu atividades docentes. Voltando então a Paris, lá permaneceu até o fim de seus dias.
12 anos após a morte do compositor, suas cinzas foram transferidas para sua terra natal e enterradas no panteão da Igreja de Santa Croce, em Florença, ao lado dos restos mortais de Michelangelo e Galileu.
Rossini legou toda a sua fortuna em benefício da cultura e da arte de sua cidade natal de Pesaro. Hoje em dia, aqui realizam-se regularmente festivais de ópera Rossini, entre os quais se podem encontrar os nomes dos maiores músicos contemporâneos.
I. Vetlitsina
- O caminho criativo de Rossini →
- Buscas artísticas de Rossini no campo da “ópera séria” →
Nascido em uma família de músicos: seu pai era trompetista, sua mãe era cantora. Aprende a tocar vários instrumentos musicais, cantando. Estuda composição na Escola de Música de Bolonha sob a direção do Padre Mattei; não concluiu o curso. De 1812 a 1815 trabalhou para os teatros de Veneza e Milão: o “Italiano em Argel” teve um sucesso especial. Por ordem do empresário Barbaia (Rossini se casa com sua namorada, a soprano Isabella Colbran), cria dezesseis óperas até 1823. Muda-se para Paris, onde se torna diretor do Théâtre d'Italien, o primeiro compositor do rei e inspetor geral de cantar na França. Despede-se das atividades do compositor de ópera em 1829 após a produção de “William Tell”. Depois de se separar de Colbrand, ele se casa com Olympia Pelissier, reorganiza o Liceu de Música de Bolonha, permanecendo na Itália até 1848, quando as tempestades políticas o trazem novamente a Paris: sua vila em Passy se torna um dos centros da vida artística.
Aquele que foi chamado de “último clássico” e a quem o público aplaudiu como o rei do gênero cômico, logo nas primeiras óperas demonstrou a graça e o brilho da inspiração melódica, a naturalidade e a leveza do ritmo, que deu ao canto, em que as tradições do século XNUMX foram enfraquecidas, um caráter mais sincero e humano. O compositor, pretendendo adaptar-se aos costumes teatrais modernos, podia, no entanto, rebelar-se contra eles, impedindo, por exemplo, a arbitrariedade virtuosa dos intérpretes ou moderando-a.
A inovação mais significativa para a Itália naquela época foi o importante papel da orquestra, que, graças a Rossini, tornou-se viva, móvel e brilhante (observamos a forma magnífica das aberturas, que realmente sintonizam uma certa percepção). Uma alegre inclinação para uma espécie de hedonismo orquestral decorre do fato de que cada instrumento, usado de acordo com suas capacidades técnicas, se identifica com o canto e até com a fala. Ao mesmo tempo, Rossini pode afirmar com segurança que as palavras devem servir à música, e não vice-versa, sem prejudicar o sentido do texto, mas, ao contrário, usando-o de uma maneira nova, fresca e muitas vezes deslocando-se para o típico. padrões rítmicos – enquanto a orquestra acompanha livremente a fala, criando um claro relevo melódico e sinfônico e desempenhando funções expressivas ou pictóricas.
A genialidade de Rossini imediatamente se manifestou no gênero da ópera séria com a produção de Tancredi em 1813, que trouxe ao autor seu primeiro grande sucesso de público graças às descobertas melódicas com seu lirismo sublime e suave, bem como ao desenvolvimento instrumental desenfreado, que deve sua origem ao gênero cômico. As ligações entre esses dois gêneros operísticos são de fato muito próximas em Rossini e até determinam a impressionante ostentação de seu gênero sério. No mesmo 1813, apresentou também uma obra-prima, mas no gênero cômico, no espírito da antiga ópera cômica napolitana – “Italiano em Argel”. Esta é uma ópera rica em ecos de Cimarosa, mas como que animada pela energia tempestuosa das personagens, especialmente manifestada no crescendo final, o primeiro de Rossini, que a usará como afrodisíaco ao criar situações paradoxais ou desenfreadamente alegres.
A mente cáustica e terrena do compositor encontra na diversão uma saída para sua ânsia de caricatura e seu entusiasmo saudável, que não lhe permite cair nem no conservadorismo do classicismo nem nos extremos do romantismo.
Ele alcançará um resultado cômico muito completo em O barbeiro de Sevilha e, uma década depois, chegará à elegância de O conde Ory. Além disso, no gênero sério, Rossini avançará a passos largos para uma ópera de perfeição e profundidade cada vez maiores: da heterogênea, mas ardente e nostálgica “Dama do Lago” à tragédia “Semiramide”, que encerra o período italiano do compositor, repleta de vocalizações vertiginosas e fenômenos misteriosos no gosto barroco, ao “Cerco de Corinto” com seus coros, à descritiva solene e monumentalidade sagrada de “Moisés” e, por fim, a “William Tell”.
Se ainda surpreende que Rossini tenha alcançado essas conquistas no campo da ópera em apenas vinte anos, é igualmente surpreendente que o silêncio que se seguiu a um período tão frutífero e que durou quarenta anos, considerado um dos casos mais incompreensíveis do história da cultura, – seja por um distanciamento quase demonstrativo, digno, porém, desta mente misteriosa, seja pela evidência da sua lendária preguiça, claro, mais ficcional do que real, dada a capacidade do compositor de trabalhar nos seus melhores anos. Poucos notaram que ele estava cada vez mais tomado por um desejo neurótico de solidão, eliminando a tendência à diversão.
Rossini, no entanto, não parou de compor, embora tenha cortado todo o contato com o público em geral, dirigindo-se principalmente a um pequeno grupo de convidados, frequentadores de suas noites familiares. A inspiração das últimas obras espirituais e de câmara foi surgindo gradualmente em nossos dias, despertando o interesse não só de conhecedores: verdadeiras obras-primas foram descobertas. A parte mais brilhante do legado de Rossini ainda são as óperas, nas quais ele foi o legislador da futura escola italiana, criando um grande número de modelos utilizados por compositores posteriores.
Para melhor destacar os traços característicos de tão grande talento, uma nova edição crítica de suas óperas foi realizada por iniciativa do Centro de Estudos de Rossini em Pesaro.
G. Marchesi (traduzido por E. Greceanii)
Composições de Rossini:
óperas – Demetrio e Polibio (Demetrio e Polibio, 1806, post. 1812, tra. “Balle”, Roma), Nota promissória de casamento (La cambiale di matrimonio, 1810, tr. “San Moise”, Veneza), Caso estranho (L'equivoco stravagante, 1811, “Teatro del Corso”, Bolonha), Happy Deception (L'inganno felice, 1812, tr “San Moise”, Veneza), Cyrus in Babylon ( Ciro in Babilonia, 1812, tr “Municipale”, Ferrara), Silk Stairs (La scala di seta, 1812, tr “San Moise”, Veneza), Touchstone (La pietra del parugone, 1812, tr “La Scala”, Milão) , O acaso faz um ladrão, ou Malas mistas (L'occasione fa il ladro, ossia Il cambio della valigia, 1812, tr San Moise, Veneza), Signor Bruschino, ou Accidental Son (Il signor Bruschino, ossia Il figlio per azzardo, 1813 , ibid.), Tancredi , 1813, tr Fenice, Veneza), italiano na Argélia (L'italiana in Algeri, 1813, tr San Benedetto, Veneza), Aureliano em Palmira (Aureliano in Palmira, 1813, tr “La Scala”, Milão), turcos na Itália (Il turco in Italia, 1814, ibid.), Sigismondo (Sigismondo, 1814, tr “Fenice”, Veneza), Elizabeth, Rainha da Inglaterra (Elisabetta, regina d'Inghilterra, 1815, tr “San Carlo”, Nápoles), Torvaldo e Dorliska (Torvaldo eDorliska, 1815, tr “Balle”, Roma), Almaviva, ou Precaução vã (Almaviva, ossia L'inutile precauzione; conhecido sob o nome O Barbeiro de Sevilha – Il barbiere di Siviglia, 1816, tr Argentina, Roma), Jornal ou Casamento por Concorrência (La gazzetta, ossia Il matrimonio per concorso, 1816, tr Fiorentini, Nápoles), Otelo, ou o Mouro Veneziano (Otello, ossia Il toro di Venezia, 1816, tr “Del Fondo”, Nápoles), Cinderela ou o Triunfo da Virtude (Cenerentola, ossia La bonta in trionfo, 1817, tr “Balle”, Roma) , ladra de pega (La gazza ladra, 1817, tr “La Scala”, Milão), Armida (Armida, 1817, tr “San Carlo”, Nápoles), Adelaide de Borgonha (Adelaide di Borgogna, 1817, t -r “Argentina”, Roma) , Moisés no Egito (Mosè in Egitto, 1818, tr “San Carlo”, Nápoles; francês. Ed. – sob o título Moisés e Faraó, ou Atravessando o Mar Vermelho – Moïse et Pharaon, ou Le passage de la mer rouge, 1827, “Rei. Academia de Música e Dança, Paris), Adina, ou Califa de Bagdá (Adina, ossia Il califfo di Bagdad, 1818, post. 1826, tr “San Carlo”, Lisboa), Ricciardo e Zoraida (Ricciardo e Zoraide, 1818, tr “San Carlo”, Nápoles), Hermione (Ermione, 1819, ibid), Eduardo e Cristina (Eduardo e Cristina, 1819, tr San Benedetto, Veneza), Dama do Lago (La donna del lago, 1819, tr San Carlo, Nápoles), Bianca e Faliero, ou o Conselho dos Três (Bianca e Faliero, ossia II consiglio dei tre, 1819, La Scala shopping shopping, Milão), Mohammed II (Maometto II, 1820, shopping San Carlo, Nápoles; francês. Ed. – sob o título O cerco de Corinto – Le siège de Corinthe, 1826, “Rei. bagunça (excertos de óperas de Rossini) – Ivanhoe (Ivanhoe, 1826, tr “Odeon”, Paris), Testament (Le testment, 1827, ibid.), Cinderela (1830, tr “Covent Garden”, Londres), Robert Bruce (1846) , King's Academy of Music and Dance, Paris), Vamos a Paris (Andremo a Parigi, 1848, Theatre Italien, Paris), Funny Accident (Un curioso acidente, 1859, ibid.); para solistas, coro e orquestra – Hino da Independência (Inno dell`Indipendenza, 1815, tr “Contavalli”, Bolonha), cantatas – Aurora (1815, ed. 1955, Moscou), O casamento de Tétis e Peleu (Le nozze di Teti e di Peleo, 1816, shopping Del Fondo, Nápoles), homenagem sincera (Il vero omaggio, 1822, Verona), A presságio feliz (L'augurio felice, 1822, ibid), Bardo (Il bardo, 1822), Santa Aliança (La Santa alleanza, 1822), Queixa das Musas sobre a morte de Lord Byron (Il pianto delie Muse in morte di Lord) Byron, 1824, Almack Hall, Londres), Coro da Guarda Municipal de Bolonha (Coro dedicato alla guardia civica di Bologna, instrumentado por D. Liverani, 1848, Bolonha), Hino a Napoleão III e seu valente povo (Hymne b Napoleon et a son vaillant peuple, 1867, Palácio da Indústria, Paris), Hino Nacional (O hino nacional, hino nacional inglês, 1867, Birmingham); para orquestra – sinfonias (D-dur, 1808; Es-dur, 1809, usada como abertura da farsa Nota promissória para casamento), Serenata (1829), Marcha Militar (Marcia militare, 1853); para instrumentos e orquestra – Variações para instrumentos obrigatórios F-dur (Variazioni a piu strumenti obligati, para clarinete, 2 violinos, viola, violoncelo, 1809), Variações C-dur (para clarinete, 1810); para banda de metais – fanfarra para 4 trombetas (1827), 3 marchas (1837, Fontainebleau), Coroa da Itália (La corona d'Italia, fanfarra para orquestra militar, oferenda a Victor Emmanuel II, 1868); conjuntos instrumentais de câmara – duetos para trompas (1805), 12 valsas para 2 flautas (1827), 6 sonatas para 2 skr., vlc. e k-bass (1804), 5 cordas. quartetos (1806-08), 6 quartetos para flauta, clarinete, trompa e fagote (1808-09), Tema e Variações para flauta, trompete, trompa e fagote (1812); para piano – Valsa (1823), Congresso de Verona (Il congresso di Verona, 4 mãos, 1823), Palácio de Netuno (La reggia di Nettuno, 4 mãos, 1823), Alma do Purgatório (L'vme du Purgatoire, 1832); para solistas e coro – cantata Queixa de Harmonia sobre a morte de Orfeu (Il pianto d'Armonia sulla morte di Orfeo, para tenor, 1808), Morte de Dido (La morte di Didone, monólogo de palco, 1811, espanhol 1818, tr “San Benedetto” , Veneza), cantata (para 3 solistas, 1819, tr “San Carlo”, Nápoles), Partenope e Higea (para 3 solistas, 1819, ibid.), Gratitude (La riconoscenza, para 4 solistas, 1821, ibid. mesmo); para voz e orquestra – Cantata A Oferenda do Pastor (Omaggio pastorale, para 3 vozes, para a abertura solene do busto de Antonio Canova, 1823, Treviso), Canção dos Titãs (Le chant des Titans, para 4 baixos em uníssono, 1859, espanhol 1861, Paris); para voz e piano – Cantatas Elie e Irene (para 2 vozes, 1814) e Joana d'Arc (1832), Noites Musicais (Soirees musicales, 8 arietes e 4 duetos, 1835); 3 wok quarteto (1826-27); Soprano Exercises (Gorgheggi e solfeggi per soprano. Vocalizzi e solfeggi per rendere la voce agile ed apprendere a cantare secondo il gusto moderno, 1827); 14 álbuns de wok. e instr. peças e conjuntos, unidos sob o nome. Pecados da velhice (Péchés de vieillesse: Álbum de canções italianas – Álbum per canto italiano, Álbum francês – Álbum francais, Peças contidas – Reservas Morceaux, Quatro aperitivos e quatro sobremesas – Quatre hors d'oeuvres et quatre mendiants, para fp., Álbum para fp., skr., vlch., harmônio e trompa; muitos outros, 1855-68, Paris, não publicado); música espiritual – Graduação (para 3 vozes masculinas, 1808), Missa (para vozes masculinas, 1808, espanhol em Ravenna), Laudamus (c. 1808), Qui tollis (c. 1808), Missa Solene (Messa solenne, conjunta. com P. Raimondi, 1819, espanhol 1820, Igreja de San Fernando, Nápoles), Cantemus Domino (para 8 vozes com piano ou órgão, 1832, espanhol 1873), Ave Maria (para 4 vozes, 1832, espanhol 1873), Quoniam (para baixo e orquestra, 1832), Stabat mater (para 4 vozes, coro e orquestra, 1831-32, 2ª ed. 1841-42, editado 1842, Ventadour Hall, Paris), 3 coros – Faith, Hope, Mercy (La foi, L' esperança, La Charite, para coro feminino e piano, 1844), Tantum ergo (para 2 tenores e baixo), 1847, Igreja de San Francesco dei Minori Conventuali, Bolonha), Sobre Salutaris Hostia (para 4 vozes 1857), Pequena Missa Solene (Petite messe solennelle, para 4 vozes, coro, harmônio e piano, 1863, espanhol 1864, na casa do Conde Pilet-Ville, Paris), o mesmo (para solistas, coro e orquestra., 1864, espanhol 1869, “Italien Teatro”, Paris), Requ iem Melody (Canto de Réquiem, para contralto e piano, 1864 XNUMX); música para espetáculos de teatro – Édipo em Colón (à tragédia de Sófocles, 14 números para solistas, coro e orquestra, 1815-16?).
