Anatoly Ivanovich Orfenov |
Anatoly Orfenov
O tenor russo Anatoly Ivanovich Orfenov nasceu em 1908 na família de um padre na aldeia de Sushki, província de Ryazan, não muito longe da cidade de Kasimov, a antiga propriedade dos príncipes tártaros. A família tinha oito filhos. Todo mundo cantou. Mas Anatoly foi o único, apesar de todas as dificuldades, que se tornou cantor profissional. “Vivíamos com lampiões de querosene”, lembra o cantor, “não tínhamos nenhum entretenimento, apenas uma vez por ano, na época do Natal, havia espetáculos amadores. Tínhamos um gramofone que começamos nas férias, e eu ouvia os discos de Sobinov, Sobinov era meu artista favorito, queria aprender com ele, queria imitá-lo. O jovem poderia ter imaginado que em apenas alguns anos ele teria a sorte de ver Sobinov, de trabalhar com ele em seus primeiros papéis de ópera?
O pai da família morreu em 1920 e, sob o novo regime, os filhos de um clérigo não podiam contar com o ensino superior.
Em 1928, Orfenov chegou a Moscou e, por alguma providência de Deus, conseguiu entrar em duas escolas técnicas ao mesmo tempo – pedagógica e música noturna (agora a Academia Ippolitov-Ivanov). Ele estudou canto na classe do talentoso professor Alexander Akimovich Pogorelsky, seguidor da escola italiana de bel canto (Pogorelsky foi aluno de Camillo Everardi), e Anatoly Orfenov teve o suficiente desse estoque de conhecimento profissional para o resto da vida. A formação da jovem cantora ocorreu em um período de intensa renovação do palco operístico, quando o movimento de estúdio se generalizou, opondo-se à direção acadêmica semi-oficial dos teatros estatais. No entanto, nas entranhas do mesmo Bolshoi e Mariinsky havia uma refusão implícita de velhas tradições. As revelações inovadoras da primeira geração de tenores soviéticos, liderada por Kozlovsky e Lemeshev, mudaram radicalmente o conteúdo do papel do “tenor lírico”, enquanto em São Petersburgo, Pechkovsky nos fez perceber a frase “tenor dramático” de uma nova maneira. Orfenov, que entrou em sua vida criativa, desde os primeiros passos conseguiu não se perder entre esses nomes, porque nosso herói tinha um complexo pessoal independente, uma paleta individual de meios expressivos, portanto, “uma pessoa com uma expressão não geral”.
Primeiro, em 1933, ele conseguiu entrar no coro do Opera Theatre-Studio sob a direção de KS Stanislavsky (o estúdio estava localizado na casa de Stanislavsky em Leontievsky Lane, mais tarde mudou-se para Bolshaya Dmitrovka para as antigas instalações da opereta). A família era muito religiosa, minha avó se opunha a qualquer vida secular, e Anatoly escondeu da mãe por muito tempo que trabalhava no teatro. Quando ele relatou isso, ela se surpreendeu: “Por que no coral?” O grande reformador do palco russo Stanislavsky e o grande tenor da terra russa Sobinov, que não cantava mais e era consultor vocal no estúdio, notou um jovem alto e bonito do coro, prestou atenção não apenas a essa voz, mas também à diligência e modéstia de seu proprietário. Assim Orfenov tornou-se Lensky na famosa performance de Stanislávski; em abril de 1935, o próprio mestre o apresentou ao espetáculo, entre outros novos intérpretes. (Os momentos mais estelares do destino artístico continuarão ligados à imagem de Lensky – a estreia na Filial do Teatro Bolshoi e depois no palco principal do Bolshoi). Leonid Vitalievich escreveu a Konstantin Sergeevich: “Ordenei a Orfenov, que tem uma voz linda, que preparasse urgentemente Lensky, exceto Ernesto de Don Pasquale. E mais tarde: “Ele me deu Orfen Lensky aqui, e muito bem”. Stanislávski dedicou muito tempo e atenção ao estreante, como evidenciam as transcrições dos ensaios e as memórias do próprio artista: “Konstantin Sergeevich conversou comigo por horas. Sobre o que? Sobre meus primeiros passos no palco, sobre meu bem-estar neste ou naquele papel, sobre as tarefas e ações físicas que ele certamente trouxe para a partitura do papel, sobre a liberação de músculos, sobre a ética do ator na vida e no palco. Foi um grande trabalho educativo, e sou grato ao meu professor por isso de todo o meu coração.”
Trabalhar com os maiores mestres da arte russa finalmente formou a personalidade artística do artista. Orfenov rapidamente assumiu uma posição de liderança na trupe da Ópera Stanislavsky. O público ficou cativado pela naturalidade, sinceridade e simplicidade de seu comportamento no palco. Ele nunca foi um “doce codificador de som”, o som nunca serviu como um fim em si mesmo para o cantor. Orfenov sempre veio da música e a palavra prometida a ela, nessa união ele buscou os nós dramáticos de seus papéis. Por muitos anos, Stanislavsky alimentou a ideia de encenar o Rigoletto de Verdi, e em 1937-38. eles tiveram oito ensaios. No entanto, por várias razões (incluindo, provavelmente, aquelas sobre as quais Bulgakov escreve de forma grotescamente alegórica em The Theatre Novel), o trabalho na produção foi suspenso e a performance foi lançada após a morte de Stanislavsky sob a direção de Meyerhold. , o principal diretor do teatro na época. O quão emocionante foi o trabalho de “Rigoletto” pode ser julgado pelas memórias de Anatoly Orfenov “Primeiros Passos”, publicadas na revista “Música Soviética” (1963, nº 1).
esforçou-se por mostrar no palco a “vida do espírito humano”… Era muito mais importante para ele mostrar a luta dos “humilhados e insultados” – Gilda e Rigoletto, do que surpreender o público com uma dúzia de belas notas de topo de os cantores e o esplendor do cenário... Ele ofereceu duas opções para a imagem do duque. Odin é um lascivo voluptuoso que se assemelha exteriormente a Francisco I, interpretado por V. Hugo no drama O próprio Rei Diverte-se. O outro é um jovem bonito e encantador, igualmente apaixonado pela Condessa Ceprano, a simples Gilda e Maddalena.
Na primeira foto, quando a cortina é levantada, o Duque está sentado na varanda superior do castelo à mesa, na expressão figurativa de Konstantin Sergeevich, “alinhado” de damas… O que poderia ser mais difícil para um jovem cantor que não tem experiência de palco, como ficar no meio do palco e cantar a chamada “ária com luvas”, ou seja, a balada do Duque? Na casa de Stanislávski, o duque cantou uma balada como uma canção de bebida. Konstantin Sergeevich me deu toda uma série de tarefas físicas, ou, talvez, seria melhor dizer, ações físicas: caminhar ao redor da mesa, brindar com as mulheres. Ele exigiu que eu tivesse tempo para trocar olhares com cada um deles durante a balada. Com isso, ele protegeu o artista de “vazios” no papel. Não houve tempo para pensar no “som”, no público.
Outra inovação de Stanislávski no primeiro ato foi a cena do duque Rigoletto açoitando com um chicote, depois que ele “insulta” o conde Ceprano… era difícil acreditar nisso, e nos ensaios eu muito mais me apaixonei por ela.
No segundo ato do dueto, Gilda se esconde atrás da janela da casa do pai, e a tarefa de Stanislávski para o duque era atraí-la para fora dali, ou pelo menos fazê-la olhar pela janela. O duque tem um buquê de flores escondido sob sua capa. Uma flor de cada vez, ele as entrega a Gilda pela janela. (A famosa fotografia da janela foi incluída em todos os anais da ópera – A.Kh.). No terceiro ato, Stanislávski queria mostrar o duque como um homem do momento e do humor. Quando os cortesãos dizem ao duque que “a moça está em seu palácio” (a produção estava em uma tradução russa que difere da geralmente aceita – A.Kh.), ele se transforma completamente, canta outra ária, quase nunca interpretada nos teatros. Esta ária é muito difícil e, embora não haja notas mais altas que a segunda oitava, é muito tensa na tessitura.
Com Stanislávski, que lutou incansavelmente contra a vampuca operística, Orfenov também interpretou os papéis de Lykov em A Noiva do Czar, o Louco Sagrado em Boris Godunov, Almaviva em O Barbeiro de Sevilha e Bakhshi em Darvaz Gorge de Lev Stepanov. E ele nunca teria saído do teatro se Stanislávski não tivesse morrido. Após a morte de Konstantin Sergeevich, começou uma fusão com o Teatro Nemirovich-Danchenko (estes eram dois teatros completamente diferentes, e a ironia do destino era que eles estavam conectados). Nesta época “conturbada”, Orfenov, já um artista de mérito da RSFSR, participou de algumas das produções que marcaram época de Nemirovich, cantou Paris em “Beautiful Elena” (esta performance, felizmente, foi gravada no rádio em 1948 ), mas ainda em espírito ele era um verdadeiro Stanislav. Portanto, sua transição em 1942 do Teatro Stanislavsky e Nemirovich-Danchenko para o Bolshoi foi predeterminada pelo próprio destino. Embora Sergei Yakovlevich Lemeshev em seu livro “The Way to Art” expresse o ponto de vista de que cantores excepcionais (como Pechkovsky e ele próprio) deixaram Stanislavsky por causa de uma sensação de aperto e na esperança de melhorar as habilidades vocais em espaços mais amplos. No caso de Orfenov, aparentemente, isso não é inteiramente verdade.
A insatisfação criativa no início dos anos 40 obrigou-o a "matar sua fome" "ao lado", e na temporada 1940/41 Orfenov colaborou com entusiasmo com o Conjunto de Ópera Estatal da URSS sob a direção de IS Kozlovsky. O mais “europeu” em espírito tenor da era soviética estava então obcecado com as ideias de uma performance de ópera em uma performance de concerto (hoje essas ideias encontraram uma encarnação muito eficaz no Ocidente na forma dos chamados semi-encenados. , “semi-performances” sem cenário e figurino, mas com interação de atuação) e como diretor, encenou produções de Werther, Orfeu, Pagliatsev, Mozart e Salieri, Katerina de Arkas e Natalka-Poltavka de Lysenko. “Sonhamos em encontrar uma nova forma de performance de ópera, cuja base fosse o som, e não o espetáculo”, lembrou Ivan Semenovich muito mais tarde. Nas estreias, o próprio Kozlovsky cantou as partes principais, mas no futuro ele precisava de ajuda. Então Anatoly Orfenov cantou a parte carismática de Werther sete vezes, assim como Mozart e Beppo em Pagliacci (a serenata de Harlequin teve que ser bis 2-3 vezes). As apresentações foram realizadas no Grande Salão do Conservatório, na Casa dos Cientistas, na Casa Central dos Artistas e no Campus. Infelizmente, a existência do conjunto durou muito pouco.
Militar 1942. Os alemães estão chegando. Bombardeio. Ansiedade. A equipe principal do Teatro Bolshoi foi evacuada para Kuibyshev. E em Moscou hoje eles estão tocando o primeiro ato, amanhã eles estão tocando a ópera até o fim. Em um momento tão ansioso, Orfenov começou a ser convidado para o Bolshoi: primeiro uma vez, um pouco depois, como parte da trupe. Modesto, exigente de si mesmo, desde o tempo de Stanislávski ele foi capaz de perceber o melhor de seus companheiros no palco. E havia alguém para perceber isso – todo o arsenal de ouro dos vocais russos estava funcionando, liderado por Obukhova, Barsova, Maksakova, Reizen, Pirogov e Khanaev. Durante seus 13 anos de serviço no Bolshoi, Orfenov teve a oportunidade de trabalhar com quatro maestros principais: Samuil Samosud, Ariy Pazovsky, Nikolai Golovanov e Alexander Melik-Pashaev. Infelizmente, mas a era de hoje não pode se gabar de tal grandeza e magnificência.
Juntamente com seus dois colegas mais próximos, os tenores líricos Solomon Khromchenko e Pavel Chekin, Orfenov assumiu a linha do “segundo escalão” na tabela teatral imediatamente após Kozlovsky e Lemeshev. Esses dois tenores rivais desfrutavam de um amor popular fanático verdadeiramente abrangente, beirando a idolatria. Basta relembrar as ferozes batalhas teatrais entre os exércitos dos “kazlovitas” e “lemeshistas” para imaginar como era difícil não se perder e, além disso, ocupar um lugar digno nesse contexto tenor para qualquer novo cantor de nível semelhante. Função. E o fato de a natureza artística de Orfenov estar próxima em espírito do começo sincero "Yesenin" da arte de Lemeshev não exigia evidências especiais, bem como o fato de ele ter passado com honra no teste da inevitável comparação com os tenores dos ídolos. Sim, as estreias raramente eram dadas e as apresentações com a presença de Stalin eram encenadas com menos frequência. Mas você é sempre bem-vindo para cantar por substituição (o diário do artista está repleto de notas "Em vez de Kozlovsky", "Em vez de Lemeshev. Relatado às 4 horas da tarde"; foi Lemeshev Orfenov quem mais segurou). Os diários de Orfenov, nos quais o artista escreveu comentários sobre cada uma de suas performances, podem não ter grande valor literário, mas são um documento inestimável da época – temos a oportunidade não apenas de sentir o que significa estar na “segunda fila” e ao mesmo tempo receber uma feliz satisfação de seu trabalho, mas, mais importante, apresentar a vida do Teatro Bolshoi de 1942 a 1955, não em uma perspectiva oficial de desfile, mas do ponto de vista do trabalho comum dias. Eles escreveram sobre as estreias no Pravda e deram prêmios Stalin para eles, mas foram o segundo ou terceiro elenco que apoiaram o funcionamento normal das performances no período pós-estreia. Era um trabalhador tão confiável e incansável do Bolshoi que Anatoly Ivanovich Orfenov era.
É verdade que ele também recebeu seu Prêmio Stalin – por Vasek em A Noiva Trocada, de Smetana. Foi uma performance lendária de Boris Pokrovsky e Kirill Kondrashin em tradução russa de Sergei Mikhalkov. A produção foi feita em 1948 em homenagem aos 30 anos da República Tchecoslovaca, mas se tornou uma das comédias mais queridas pelo público e permaneceu no repertório por muitos anos. Muitas testemunhas oculares consideram a imagem grotesca de Vashek o auge da biografia criativa do artista. “Vashek tinha aquele volume de personagem que trai a verdadeira sabedoria criativa do autor da imagem de palco – o ator. Vashek Orfenova é uma imagem sutil e inteligente. As próprias deficiências fisiológicas do personagem (gagueira, estupidez) foram vestidas no palco com roupas de amor humano, humor e charme ”(BA Pokrovsky).
Orfenov era considerado um especialista no repertório da Europa Ocidental, que era principalmente apresentado no Ramo, então na maioria das vezes ele tinha que cantar lá, no prédio do Teatro Solodovnikovsky em Bolshaya Dmitrovka (onde a Ópera Mamontov e a Ópera Zimin estavam localizadas em na virada dos séculos 19-20, e agora funciona “Moscow Operetta”). Gracioso e encantador, apesar da depravação de seu temperamento, era seu duque em Rigoletto. O galante Conde Almaviva brilhou com requinte e sagacidade em O Barbeiro de Sevilha (nesta ópera, difícil para qualquer tenor, Orfenov estabeleceu uma espécie de recorde pessoal – cantou-a 107 vezes). O papel de Alfred em La Traviata foi construído em contrastes: um jovem tímido apaixonado se transformou em um homem ciumento cego pela irritação e raiva, e no final da ópera ele apareceu como uma pessoa profundamente amorosa e arrependida. O repertório francês foi representado pela ópera cômica de Fausto e Aubert, Fra Diavolo (a parte do título desta performance foi a última obra no teatro para Lemeshev, assim como para Orfenov – o papel lírico do amoroso carabinieri Lorenzo). Cantou Don Ottavio de Mozart em Don Giovanni e Jacquino de Beethoven na famosa produção de Fidelio com Galina Vishnevskaya.
A galeria de imagens russas de Orfenov é aberta por Lensky. A voz do cantor, que tinha um timbre suave e transparente, suavidade e elasticidade de som, combinava perfeitamente com a imagem de um jovem herói lírico. Seu Lensky foi distinguido por um complexo especial de fragilidade, insegurança das tempestades mundanas. Outro marco foi a imagem do santo tolo em “Boris Godunov”. Nesta performance marcante de Baratov-Golovanov-Fyodorovsky, Anatoly Ivanovich cantou na frente de Stalin pela primeira vez em sua vida em 1947. Um dos eventos “incríveis” da vida artística também está relacionado a essa produção – um dia, durante Rigoletto , Orfenov foi informado de que no final da ópera ele deveria chegar da filial no palco principal (5 minutos a pé) e cantar o Santo Louco. Foi com essa performance que em 9 de outubro de 1968, a equipe do Teatro Bolshoi comemorou os 60 anos do artista e os 35 anos de sua atividade criativa. Gennady Rozhdestvensky, que regeu naquela noite, escreveu no “livro do dever”: “Viva o profissionalismo!” E o intérprete do papel de Boris, Alexander Vedernikov, observou: Orfenov tem a propriedade mais preciosa para um artista – um senso de proporção. Seu Santo Louco é um símbolo da consciência do povo, tal como o compositor o concebeu.”
Orfenov apareceu 70 vezes à imagem de Sinodal em O Demônio, uma ópera que agora se tornou uma raridade e, na época, uma das mais repertório. Uma vitória séria para o artista também foram festas como o convidado indiano em Sadko e o czar Berendey em Snegurochka. E vice-versa, segundo o próprio cantor, Bayan em “Ruslan and Lyudmila”, Vladimir Igorevich em “Prince Igor” e Gritsko em “Sorochinsky Fair” não deixaram um rastro brilhante (o artista considerou o papel do menino na ópera de Mussorgsky inicialmente “lesionado”, pois durante a primeira apresentação nesta apresentação ocorreu uma hemorragia no ligamento). O único personagem russo que deixou o cantor indiferente foi Lykov em A noiva do czar – ele escreve em seu diário: “Não gosto de Lykov”. Aparentemente, a participação em óperas soviéticas também não despertou o entusiasmo do artista, no entanto, ele quase não participou delas no Bolshoi, com exceção da ópera de um dia de Kabalevsky “Sob Moscou” (jovem moscovita Vasily), ópera infantil de Krasev “ Morozko” (Avô) e a ópera de Muradeli “A Grande Amizade”.
Junto com o povo e o país, nosso herói não escapou dos redemoinhos da história. Em 7 de novembro de 1947, uma grande apresentação da ópera de Vano Muradeli A Grande Amizade aconteceu no Teatro Bolshoi, na qual Anatoly Orfenov interpretou a parte melódica do pastor Dzhemal. O que aconteceu depois, todos sabem – o infame decreto do Comitê Central do PCUS. Por que exatamente essa ópera “cancional” completamente inofensiva serviu como um sinal para o início de uma nova perseguição aos “formalistas” Shostakovich e Prokofiev é outro enigma da dialética. A dialética do destino de Orfenov não é menos surpreendente: ele foi um grande ativista social, deputado do Conselho Regional dos Deputados do Povo e, ao mesmo tempo, toda a sua vida guardou sagradamente a fé em Deus, foi abertamente à igreja e recusou-se a aderir ao Partido Comunista. É surpreendente que ele não foi plantado.
Após a morte de Stalin, um bom expurgo foi organizado no teatro – uma mudança geracional artificial começou. E Anatoly Orfenov foi um dos primeiros a entender que era hora de uma pensão por antiguidade, embora em 1955 o artista tivesse apenas 47 anos. Ele imediatamente pediu demissão. Tal era sua propriedade vital – sair imediatamente de onde não era bem-vindo.
A cooperação frutífera com a Radio começou com Orfenov nos anos 40 – sua voz acabou sendo surpreendentemente “radiogênica” e se encaixou bem na gravação. Naquela não era a época mais brilhante para o país, quando a propaganda totalitária estava em pleno andamento, quando o ar estava cheio de discursos canibais do principal acusador em julgamentos fabricados, a transmissão musical não se limitava de forma alguma a marchas de entusiastas e canções sobre Stalin , mas promoveu altos clássicos. Soou por muitas horas por dia, tanto na gravação quanto na transmissão de estúdios e salas de concerto. Os anos 50 entraram na história do Rádio como o auge da ópera – foi nesses anos que se registrou o estoque de ópera de ouro do fundo radiofônico. Além de partituras conhecidas, muitas obras de ópera esquecidas e raramente executadas renasceram, como Pan Voyevoda de Rimsky-Korsakov, Voyevoda e Oprichnik de Tchaikovsky. Em termos de significação artística, o grupo vocal da Rádio, ainda que inferior ao Teatro Bolshoi, era pouco. Os nomes de Zara Dolukhanova, Natalia Rozhdestvenskaya, Deborah Pantofel-Nechetskaya, Nadezhda Kazantseva, Georgy Vinogradov, Vladimir Bunchikov estavam na boca de todos. A atmosfera criativa e humana na Rádio daqueles anos era excepcional. O mais alto nível de profissionalismo, gosto impecável, competência de repertório, eficiência e inteligência dos funcionários, senso de comunidade de guilda e assistência mútua continuam a encantar muitos anos depois, quando tudo isso se foi. As atividades na Rádio, onde Orfenov não era apenas solista, mas também diretor artístico de um grupo vocal, revelaram-se extremamente frutíferas. Além de inúmeras gravações de estoque, nas quais Anatoly Ivanovich demonstrou as melhores qualidades de sua voz, ele introduziu na prática performances de concertos públicos de óperas pela Rádio no Salão das Colunas da Casa dos Sindicatos. Infelizmente, hoje essa coleção mais rica de músicas gravadas acabou se revelando deslocada e é um peso morto – a era do consumo colocou em primeiro plano prioridades musicais completamente diferentes.
Anatoly Orfenov também era amplamente conhecido como intérprete de câmara. Ele foi especialmente bem sucedido em letras vocais russas. Gravações de anos diferentes refletem o estilo de aquarela inerente ao cantor e, ao mesmo tempo, a capacidade de transmitir o drama oculto do subtexto. O trabalho de Orfenov no gênero de câmara se distingue pela cultura e gosto requintado. A paleta de meios expressivos do artista é rica – de mezza voce quase etérea e cantilena transparente a culminações expressivas. Nos registros de 1947-1952. A originalidade estilística de cada compositor é transmitida com muita precisão. O refinamento elegíaco dos romances de Glinka convive com a simplicidade sincera dos romances de Gurilev (o famoso Sino, apresentado neste disco, pode servir de padrão para a execução da música de câmara da era pré-Glinka). Em Dargomyzhsky, Orfenov gostou especialmente dos romances "O que está em meu nome para você" e "Morri de felicidade", que ele interpretou como esboços psicológicos sutis. Nos romances de Rimsky-Korsakov, o cantor desencadeou o início emocional com profundidade intelectual. O monólogo de Rachmaninov “À noite no meu jardim” soa expressivo e dramático. De grande interesse são as gravações de romances de Taneyev e Tcherepnin, cuja música raramente é ouvida em concertos.
As letras de romance de Taneyev são caracterizadas por cores e humores impressionistas. O compositor conseguiu captar em suas miniaturas sutis mudanças de tonalidades no humor do herói lírico. Pensamentos e sentimentos são complementados pelo som do ar da noite de primavera ou um turbilhão ligeiramente monótono da bola (como no conhecido romance baseado em poemas de Y. Polonsky “Máscara”). Refletindo sobre a arte de câmara de Tcherepnin, o acadêmico Boris Asafiev chamou a atenção para a influência da escola Rimsky-Korsakov e do impressionismo francês (“gravitação para capturar as impressões da natureza, para o ar, para o colorido, para as nuances de luz e sombra”) . Nos romances baseados nos poemas de Tyutchev, essas características são discernidas no colorido primoroso da harmonia e da textura, nos detalhes finos, especialmente na parte do piano. As gravações de romances russos feitas por Orfenov em conjunto com o pianista David Gaklin são um excelente exemplo de produção de música de câmara em conjunto.
Em 1950, Anatoly Orfenov começou a ensinar no Instituto Gnessin. Foi um professor muito atencioso e compreensivo. Ele nunca impôs, não obrigou a imitar, mas sempre partiu da individualidade e das capacidades de cada aluno. Mesmo que nenhum deles tenha se tornado um grande cantor e não tenha feito uma carreira mundial, mas quantos professores associados Orfenov foram capazes de corrigir vozes – muitas vezes ele recebeu outras sem esperança ou aquelas que não foram levadas para suas aulas por outros professores mais ambiciosos . Entre seus alunos estavam não apenas tenores, mas também baixos (o tenor Yuri Speransky, que trabalhou em vários teatros da URSS, agora dirige o departamento de treinamento de ópera da Academia Gnessin). Havia poucas vozes femininas, e entre elas estava a filha mais velha Lyudmila, que mais tarde se tornou solista do Coro do Teatro Bolshoi. A autoridade de Orfenov como professor acabou se tornando internacional. Sua atividade de ensino estrangeiro de longo prazo (quase dez anos) começou na China e continuou nos conservatórios do Cairo e Bratislava.
Em 1963, ocorreu o primeiro retorno ao Teatro Bolshoi, onde Anatoly Ivanovich esteve à frente da trupe de ópera por 6 anos – esses foram os anos em que surgiu o La Scala, e o Bolshoi excursionou em Milão, quando futuras estrelas (Obraztsova, Atlantov, Nesterenko, Mazurok, Kasrashvili, Sinyavskaya, Piavko). De acordo com as lembranças de muitos artistas, não havia uma trupe tão maravilhosa. Orfenov sempre soube assumir a posição de “meio de ouro” entre a gestão e os solistas, apoiando paternalmente os cantores, especialmente os jovens, com bons conselhos. Na virada dos anos 60 e 70, o poder no Teatro Bolshoi mudou novamente, e toda a diretoria, liderada por Chulaki e Anastasiev, foi embora. Em 1980, quando Anatoly Ivanovich voltou da Tchecoslováquia, foi imediatamente chamado de Bolshoi. Em 1985, aposentou-se por doença. Morreu em 1987. Ele foi enterrado no cemitério Vagankovsky.
Nós temos a voz dele. Havia diários, artigos e livros (entre os quais “O caminho criativo de Sobinov”, bem como uma coleção de retratos criativos de jovens solistas do Bolshoi “Juventude, esperanças, realizações”). Ficam boas lembranças de contemporâneos e amigos, testemunhando que Anatoly Orfenov era um homem com Deus em sua alma.
Andrey Khripin
